Rudolf Noureev (Oleg Ivenko) est la star du ballet du Kirov en tournée en Europe en 1961. Accueilli à bras ouverts par le danseur Pierre Lacotte (Raphaël Personnaz), par la belle-fille d’André Malraux, Eva Saint (Adèle Exarchopoulos), le jeune danseur est vite fasciné par la vie parisienne. Mais le KGB, qui ne le quitte pas d’un chausson, voit d’un mauvais œil ses fréquentations.

J’ai couru voir le soir de sa sortie ce biopic, dont la bande-annonce fiévreuse tournait en boucle depuis quelques semaines. Tout m’y faisait envie : la Guerre froide racontée à travers l’histoire du plus célèbre danseur russe depuis Nijinsky, la reconstitution aussi soignée qu’élégante du Paris du début des années soixante, la si sensuelle Adèle Exarchopoulos, le toujours parfait Ralph Fiennes…

Hélas tout sonne faux dans ce pensum de plus de deux heures qui transpire l’ennui. Il tisse trois fils narratifs. Le premier, couleur sépia, est l’enfance misérable de Noureev dans l’hiver permanent d’Oufa, au cœur des monts Oural. Le deuxième est sa formation à Leningrad auprès du célèbre maître de ballet Alexandre Pouchkine, interprété par un Ralph Fiennes neurasthénique. Le troisième, le plus intéressant, celui sur lequel on nous vend le film, et celui qui hélas n’en constitue qu’un (gros) tiers se passe dans un Paris d’opérette, acrobatiquement cadré pour éviter qu’on en voie la tour Montparnasse ou le centre Pompidou. Le film est construit autour d’un faux suspense qui peine à tenir en haleine ceux, sans doute nombreux, qui connaissent déjà la destinée de Noureev.

On pardonnera Oleg Ivenko de mal jouer. C’est un danseur professionnel, catastrophique dès qu’il a une ligne de texte, sublime dès qu’il s’élance sur le plateau. En revanche, Noureev réussit à vider Adèle Exarchopoulos de toute sensualité. Et ça, c’est impardonnable.

La bande-annonce

En 1962, à Haïti, Clairvius Narcisse est victime d’une tentative de zombification. Empoisonné, il est laissé pour mort, mis en bière, inhumé. À la nuit tombée, des hommes déterrent son cercueil. Réduit à l’état de mort-vivant, privé de parole, de volonté, il est employé dans une plantation de canne à sucre. Mais Clairvius, après avoir mangé un morceau de viande, retrouve une partie de sa conscience et réussit à s’enfuir.
De nos jours, sa petite-fille Mélissa, intègre en classe de seconde la Maison de la Légion d’honneur, un établissement scolaire réservé aux jeunes filles dont l’un des parents s’est vu attribué la Légion d’honneur ou l’Ordre national du mérite. Un groupe de jeunes filles accepte de l’accueillir dans la sororité à condition que Mélissa partage avec elles un secret.

Zombi sans e. L’orthographe du titre interpelle. Elle se décrypte aisément. Zombie est dérivé de l’anglais. Zombi est utilisé à l’origine en français, dérivé de zonbi en créole haïtien, nzumbe ou nzambé en kimbundu/kikongo (merci Wikipédia).
Il s’agit donc d’un zombi haïtien, baigné dans une culture ancestrale, pas d’un de ses vulgaires ectoplasmes hollywoodiens qui – comme le relève une des étudiantes de la Légion d’honneur, friande du genre -se déplaçait à tâtons avant de connaître, dans le cinéma le plus contemporain, une soudaine accélération de leur vélocité (Cf. les zombies sprinteurs de 28 jours après ou World War Z).

Dans un montage alterné, Zombi Child tisse deux fils narratifs. D’un côté on suit Clairvius Narcisse en 1962, Lazare haïtien, ramené à la vie par un sortilège vaudou dont il essaie de se désenvoûter. Histoire sans parole languissante qui filme des paysages sauvages et grandioses. De l’autre, on suit une bande de jeunes filles façon Virgin Suicides dans leur lycée hors norme : la maison de Saint-Denis de la Légion d’honneur dont on s’étonne que l’atmosphère si particulière n’ait pas déjà inspiré le cinéma.

Zombi Child a plus de défauts de qualités. Les plus irritants sont ceux qui constellent la description de la vie des lycéennes de la légion d’honneur. Pourquoi avoir prêté à ces jeunes filles de bonne famille un vocabulaire de cagoles ? Pourquoi leur avoir donné comme enseignant d’histoire Patrick Boucheron qui leur assène un discours digne d’une leçon d’ouverture au collège de France sur les « hoquettements » du dix-neuvième siècle auquel il n’y a guère ed chance que des lycéennes de seconde, aussi précoces soient-elles, entendent goutte ?
Mais le plus grave est l’ennui que distille ce film de près de deux heures dont le scénario étique se résume à rien, ou du moins à pas grand-chose. Bertrand Bonello tenait pourtant là un sujet fascinant qu’il gâche à force de paresse. Quel dommage !

La bande-annonce

Anna (Judith Chemla) et Adam (Arthur Igual) sont juifs d’origine polonaise. Ils viennent de se marier. Ils confient aux bons soins des parents d’Anna leur nourrisson pour partir en voyage de noces. Si Adam serait volontiers parti à New York, Anna a décidé de se rendre en Pologne sur les traces de leurs deux familles.

Aucune tromperie sur la marchandise : le trailer de Lune de miel annonce la couleur. Il s’agira d’entrelacer comédie de couple et enquête sur les origines.

Sur les deux terrains le pari est réussi.

On rit beaucoup au personnage d’Anna qu’interprète la décidément remarquable Judith Chemla qui a réussi à se frayer patiemment un chemin jusqu’à la tête d’affiche depuis son passage à la Comédie-Française et sa nomination en 2013 au César de la meilleure actrice dans un second rôle pour Camille redouble. Elle est hilarante en ashkénaze hystérique, couturée de complexes, entretenant avec sa mère (impeccable et trop rare Brigitte Roüan) une relation compliquée, enthousiasmée au-delà du raisonnable de ce pèlerinage sur les traces de ses ancêtres. Face à une telle tornade, Arthur Igual fait le pari réussi de la sobriété.

Si Lune de miel fait rire, il réussit aussi à émouvoir. On aperçoit dans la bibliothèque de l’appartement parisien du couple une exemplaire des Disparus de Daniel Mendelsohn, poignante enquête historique sur les traces des ancêtres juifs polonais de l’auteur. On pense aussi à Tout est illuminé, le roman de Jonathan Safran Froer porté à l’écran par Liev Schreiber avec Elijah Wood dans le rôle principal. Sans avoir l’air d’y toucher, Lune de miel évoque en trois plans la disneylandisation de la Shoah dans laquelle a viré l’industrie touristique à Cracovie avec ses tours guidés à Auschwitz et ses concerts de musique klezmer, le devoir de transmission à travers le personnage d’Evelyn Askolovich, qui raconte sa déportation à Bergen Belsen et enfin l’oubli lourd d’antisémitisme et teinté de négationnisme dans lequel tombe irrésistiblement cette mémoire.

La bande-annonce

Charlotte a dix-sept ans – bien qu’elle en fasse facilement cinq de plus. Elle vient de connaître son premier chagrin d’amour qui vient de lui confesser son homosexualité (sic) après deux ans de relation (re-sic). Charlotte peut compter sur ses deux amies d’enfance pour la consoler : Mégane, qui tempête contre le monde et ses injustices, et Aube, qui essaie de cacher sans y parvenir son inexpérience avec les garçons.
Les trois jeunes filles trouvent un job dans un magasin de jouets. L’ambiance y est très détendue. Les garçons qui y travaillent leur réservent un joyeux accueil. Charlotte y collectionne les conquêtes au point de s’y faire une funeste réputation.

Nous vient du Canada ce petit objet filmique difficile à classer. S’agit-il d’un petit film amateur tourné à la va vite en noir et blanc par une bande de copains façon Clerks ? D’un teen movie racontant les émois amoureux d’une poignée d’adulescents façon Friends ? D’un pamphlet féministe revendiquant le droit des femmes au donjuanisme ou au polyamour façon Lutine ?

Un peu des trois. et c’est bien là que le bât blesse.
Soit on trouvera à ce film hors normes, qui joue sur ces trois tableaux, une fraîcheur originale. Soit on lui reprochera de ne pas savoir à quel sein (!) se vouer, quel parti prendre.
Dans un cas comme dans l’autre, on lui reconnaîtra néanmoins de ce côté-ci de l’Atlantique la saveur inégalable de ses truculents québécismes qu’on aurait eu bien du mal à comprendre sans les sous-titres.

La bande-annonce

Nicola a quinze ans à peine. Avec quelques camarades de son âge, il passe ses journées à arpenter les rues de Naples en scooter. Ses aînés de la Camorra terrorisent les commerçants du quartier en exigeant d’eux le paiement du « pizzo » pour les prémunir d’une insécurité qu’ils sont les premiers à nourrir.
Les familles de la Camorra se livrent une guerre à mort qui crée, au gré des assassinats et des arrestations, un vide de pouvoir dont Nicola et sa bande entendent profiter pour se tailler une place au soleil.

Naples ou l’enfance d’un chef. On se souvient du film élégiaque de Eric Valli tourné dans les montagnes himalayennes en 1999. La comparaison s’arrête au titre. Piranhas (étrange traduction de La paranza dei bambini qui fait plus spontanément penser à un film d’horreur dans la forêt amazonienne qu’au portrait d’un jeune caïd napolitain) raconte, comme son affiche l’annonce, « l’ascension des baby gangs ». Cette histoire n’est guère crédible où l’on voit des gamins qui se disputent un pot de Nutella avant d’aller assassiner leurs rivaux. Mais elle peut se réclamer de Roberto Saviano, l’auteur de Gomorra, dont elle constitue l’adaptation à l’écran d’un roman publié en 2016.

Des histoires de jeunes mafiosi, on en a déjà vu beaucoup. Sans remonter à Gomorra ou à Suburra, on avait bien aimé l’automne dernier Frères de sang, un petit film italien passé inaperçu.

De ce côté-ci des Alpes, Piranhas souffre de la comparaison avec Shéhérazade sorti l’an passé. Ses héros se ressemblent : l’un comme l’autre sont des chiens fous à peine sortis de l’enfance, en mal de référent paternel, qui s’éveillent à l’amour (si Viviana Aprea n’a pas le bagout de Kenza Fortas, César du meilleur espoir féminin pour son rôle dans Shéhérazade, elle est d’une beauté à couper le souffle). Mais Shéhérazade atteint, dans sa dernière demie heure une densité émotionnelle que Piranhas n’approche pas.

La fin de Piranhas est étonnante. Jusque là, le film avait déroulé un scénario ternaire bien huilé : l’ascension, la gloire, la chute. On se dirigeait tranquillement vers une scène finale qu’on s’imaginait déjà. Et soudainement, dans les deux derniers plans, le scénario prend une autre bifurcation, aussi surprenante que déconcertante. S’il ne l’avait pas fait, on aurait regretté son manque d’audace ; mais la façon dont il le fait l’expose au reproche de l’incohérence.

La bande-annonce