Fernand (Albert Dupontel), le fils un peu simplet de la famille, a repris l’entreprise de pompes funèbres fondée par son père. Le brutal décès de sa mère force ses sœurs, Emilie (Louise Coldefy), enquêtrice pour une société d’assurances, et Judith (Julia Piaton), implacable femme d’affaires, à rejoindre leur frère au funérarium en grève où la dépouille de leur mère est tant bien que mal conservée dans l’attente de sa crémation.

Albert Dupontel est un sacré zig. Depuis trente ans, il imprime une marque unique au cinéma français dans les films qu’il réalise et dont il tient souvent le premier rôle. Il s’agit de comédies grinçantes à l’humour déjanté voire cartoonesque (Terry Gillian des Monthy Python est un de ses maîtres) qui revendique en même temps une grande tendresse pour les marginaux (Charlie Champlin et Buster Keaton sont aussi au nombre de ses inspirateurs). Neuf mois ferme (2013) fut son plus grand succès critique et public – il dépassa les deux millions d’entrées. Je suis au nombre de ceux qui ont autant aimé Au revoir là-haut – l’adaptation du Goncourt de Pierre Lemaître et sans doute le film le moins personnel de Dupontel – et Adieu les cons, couvert de prix aux César auquel est souvent reproché son sentimentalisme débordant.

Aussi l’annonce de son nouveau film a-t-il fait naître une impatience légitime. On y retrouve certes tous les ingrédients bien connus du réalisateur : un scénario mené tambour battant, sans temps mort, une caméra incroyablement virtuose, un quatuor d’acteurs impeccables (mention spéciale à Louise Coldefy, Emmanuelle Devos reincarnated), et quelques répliques qui font mouche, même si la bande-annonce les avait hélas déjà éventées.

Pour autant, ce huis clos théâtral fait, si j’ose dire, long feu. On se lasse vite des mouvements compliqués de caméra, des numéros d’acteurs, des punchlines parfois bien sentimentalistes (« J’ai peut-être peur de la mort, mais toi tu as peur de la vie ! »). Le film a la politesse de durer une heure vingt à peine ; il ne m’en a pas moins semblé un brin longuet et donné l’impression dans sa seconde partie de tourner gentiment à vide.

La bande-annonce

Sur les pas du jeune interne qui y a été affecté, Cédric Kahn filme une unité de soins pédo-psychiatriques, ses jeunes cabossés éperdument sevrés d’amour, ses personnels pleins d’empathie. On y croise Lucia, qui multiplie les allers-retours avec l’extérieur, Eloïse, qui souffre de troubles du comportement alimentaire, Enzo, dont le corps médical se demande s’il a bien sa place ici,  Charline hyperactive, Ulysse habitué des bouffées délirantes… Dans une cellule, à l’isolement, un adolescent surnommé Hannibal par les autres patients, est invisible.

Cédric Kahn est décidément une figure étonnante. Ce Drômois aujourd’hui sexagénaire a toujours fait des choix pertinents dans sa longue carrière, devant comme derrière la caméra. L’Ennui (1998) avait lancé la carrière de Sophie Guillemin qui, après une longue éclipse, est revenue au cinéma et a un second rôle dans 15/18.  La Prière (2018), qui a lancé celle d’Anthony Bajon, compte parmi mes films préférés de ces dix dernières années.

Cédric Kahn réalise ce film et en interprète l’un des personnages principaux, celui d’Étienne, le chef du service, plein de bienveillance pour ses patients et pour les collègues placés sous son autorité. La troupe de jeunes acteurs compte à la fois des professionnels aguerris et des nouvelles têtes recrutées par casting sauvage. À noter dans le rôle de Lucia la volcanique Malou Khebizi, qu’on reverra dans quelques semaines dans le dernier Honoré, et dans celui de Charline Patience Munchenbach qui interprétait dans Mikado le rôle de la fille de Felix Moati et de Vimala Pons, et dans Acide celui de la fille de Guillaume Canet et de Laetitia Dosch.

Cédric Kahn aurait pu tourner un documentaire. Il a peut-être été intimidé par des précédents écrasants : Wiseman (Titicut Follies), Depardon (San Clemente, Urgences, 12 jours)… Il a préféré la fiction, quitte là encore à se heurter à des précédents tout aussi écrasants : Shock Corridor de Samuel Füller, Vol au-dessus d’un nid de coucou de Milos Forman, Une vie volée de James Mangold ou, plus récemment, Paranoïa de Steven Soderbergh. C’est d’ailleurs le principal reproche qu’on pourrait lui adresser : la fiction possède-t-elle sur un tel sujet une valeur ajoutée sur le documentaire ?

Autre reproche à lui adresser : 15/18 se déroule exclusivement à l’intérieur des murs de l’hôpital avant de s’offrir dans sa dernière ligne droite une échappée belle, jusque dans les Pyrénées. Cette sortie de route inattendue déséquilibre le film et, en se focalisant sur deux des adolescents, lui fait perdre sa belle harmonie chorale.

La bande-annonce

Homo revendiqué, fêtard invétéré, Peter (Jordan Firstamn devant et derrière la caméra) a vécu pendant dix ans un long tunnel de fêtes hallucinées. Jusqu’au jour où son passé le rattrape sous les traits d’Arlo, un gamin de dix ans, dont la mère vient de mourir et dont Peter apprend qu’il est le père biologique.

J’ai beaucoup hésité à aller voir Club Kid. Sa bande-annonce, diffusée ad nauseam pendant tout le mois d’octobre me semblait déjà tout dévoiler de son scénario convenu. Mais j’étais titillé par l’accueil enthousiaste de Cannes et de Deauville, par les critiques excellentes et par le conseil d’une amie croisée vendredi soir à une avant-première.

Je suis donc allé voir Club Kid hier malgré mes préventions. Mal m’en a pris.

En effet, mes craintes se sont vite avérées fondées. D’un côté, j’y ai vu des scènes attendues de clubbing qui n’ont rien de bien original ni de bien électrisant : il en faudrait plus pour choquer le bourgeois, qui en a vu d’autres depuis quelques décennies, que quelques plans où des homos s’embrassent à bouche-que-veux-tu en sniffant toutes sortes de substances aux initiales suggestives : K pour kétamine, G pour GHB, M pour ecstasy, T pour méthamphétamine… De l’autre, et ce fut le plus décevant, nous est raconté l’un des plus vieux tropes du cinéma, depuis The Kid et Le Voleur de bicyclette : une relation père-fils dans laquelle le père se (re)construit à travers l’amour qu’il donne à son fils.

Toutes les étapes de ce cheminement convenu sont successivement cochées. Certes, la fin évite le happy end mielleux ; mais celle que le scénario invente n’en est pas moins terriblement politiquement correcte.

La bande-annonce

Binationale franco-rwandaise, Lia Tessier (Sonia Rolland) est une basketteuse professionnelle qui vit en Belgique et que le sélectionneur de l’équipe nationale vient débaucher pour qu’elle participe, sous le maillot rwandais, à la Coupe d’Afrique. C’est pour Lia l’occasion de retourner dans le pays où elle a grandi et d’y retrouver son père (Jean-Hugues Anglade) avec lequel elle avait perdu tout contact.

De père rwandais, de mère belge, le réalisateur Jonas d’Adesky a voulu renouer avec ses racines et tourner au Rwanda son deuxième long-métrage. Le parcours de Sonia Rolland, qui a quitté le Rwanda en 1989 âgée de huit ans à peine et a grandi en Bourgogne, résonnait avec le sien. L’ex-reine de beauté – elle fut élue Miss France en 2000 – s’est reconvertie à la télévision et au cinéma. Elle joue ; elle réalise aussi des documentaires. Elle a gardé le lien avec le Rwanda où elle a fondé une association qui vient en aide aux orphelins du génocide.

Le titre du film et son sous-titre annoncent la couleur. Le retour de Lia dans son pays sera l’occasion de faire ressurgir le passé. Celui d’abord de sa mère assassinée en 1994 à Kibeho, dans la province du sud, à l’orée de la forêt de Nyungwe. Celui ensuite de son frère aîné, Daniel, dont Léa ne retrouve pas le nom sur le mémorial de Kibeho et dont elle va chercher à retrouver la trace. Cette catabase devient le fil rouge du film, qui lui permet d’entretenir une tension narrative dont il aurait été, sans elle, dépourvu. La quête de Daniel donne aussi à Léa l’occasion de renouer avec son père.

Kwibuka a le défaut d’être noyé dans les bons sentiments. Mais il a le mérite indéniable de nous donner une image juste du génocide, des traces indélébiles qu’il a laissées dans la mémoire des survivants, victimes comme bourreaux, et de la difficulté à construire ensemble une communauté nationale.

La bande-annonce

Marie-Claire Chevalier (Saül Benchetrit) est une jeune fille de seize ans inculpée pour avoir avorté. À l’automne 1972, l’avocate Gisèle Halimi (Charlotte Gainsbourg) la convainc et convainc sa mère (Cécile De France), elle aussi inculpée, pour complicité, de ne pas plaider coupables, quitte à encourir la peine maximale, et à faire de leur procès celui de la loi de 1920 qui pénalise l’avortement. Sa stratégie audacieuse réussira à condition de mobiliser l’opinion politique et de convaincre des autorités morales et politiques de témoigner en leur faveur.

Les procès de Bobigny – car il y en eut deux, l’un à huis clos devant le tribunal des enfants, contre Marie-Claire, mineure, l’autre ouvert au public, devant le tribunal correctionnel contre les quatre femmes qui l’aidèrent à avorter – eurent à l’époque un immense retentissement et ouvrirent la voie à la dépénalisation de l’avortement avec la loi Veil deux ans plus tard. La stratégie de rupture de l’audacieuse avocate paya : Marie-Claire fut relaxée, sa mère condamnée à une amende symbolique avec sursis. Les juges avaient, contre les réquisitions du procureur, décidé sciemment de ne plus appliquer la loi.

Aussi le suspense du film est-il mince. On sait déjà avant qu’il commence comment il se terminera. Pour le reste, sa bande-annonce nous raconte tout ce qu’il faut en savoir. Le spectateur hésitant pourra avec profit regarder les 1’46 » de la bande-annonce et faire l’économie de l’1h42min du film. On y voit David contre Goliath – l’expression se retrouve dans le film : une femme courageuse, persuadée d’œuvrer pour le Bien, engagée dans une entreprise risquée, franchir successivement tous les obstacles qui se dressent devant elle.

Le film – qui reconstitue fidèlement les années 70, ses chemisiers hideux aux couleurs criardes, ses pantalons pattes d’eph, ses brushings… – ne tait pas les failles de Gisèle Halimi. Elle trahit la mère de sa cliente qui refusait que le nom et le visage de sa fille soient dévoilés en acceptant leur publication dans Paris Match ; elle rompt avec l’association Choisir de Simone de Beauvoir qui refusait que des hommes soient sollicités par la défense ; elle s’aliène l’hostilité de sa mère, une modeste veuve tunisienne qui n’adhère pas aux valeurs émancipatrices de sa fille.

Ces coups de canif à la figure iconique de l’avocate évitent à ce film engagé de verser dans l’hagiographie.

La bande-annonce

À Oran, en Algérie, pendant les « années de plomb », Kamel (Nabib Asli), un journaliste, rencontre par hasard Haroun (Ahmed Benaïssa pour son ultime apparition à l’écran), un vieil homme qui lui raconte une histoire extraordinaire : son frère aîné, prénommé Moussa, était « l’arabe » anonyme que Meursault, l’anti-héros de L’Etranger, a assassiné sur une plage ensoleillée en 1942.

En 2013, Kamel Daoud avait déboulé dans le landerneau littéraire en s’attaquant à un monument et à son angle mort. Le monument : L’Etranger de Camus, unanimement salué et enseigné dans tous les collèges de France et de Navarre. L’angle mort : l’Arabe qui tombe sous les balles de Meursault, qui est mentionné vingt-quatre fois dans le livre sans qu’une seule fois son nom soit donnée.

Kamel Daoud avait comblé cet angle mort en redonnant un nom, une histoire et une dignité à cet anonyme. D’ailleurs Ozon, dans son adaptation de L’Etranger faisait de même au tout dernier plan, inoubliable. Le film de Malek Bensmaïl est fidèle au livre de Daoud, à quelques détails près (l’universitaire du livre qui recueille le témoignage de Haroun devient un journaliste dans le film). Il se déploie dans trois époques : 1996, 1942 et 1962 lorsque l’indépendance de l’Algérie donne l’occasion au jeune Haroun (Dali Benssalah), instrumentalisé par sa mère (Hiam Abbass), de venger la mort de son frère, quitte à reproduire la même logique de déshumanisation dont son aîné a été victime.

Le roman était marquant. Son adaptation l’est aussi. Car les thèmes de cette œuvre sont fondamentaux : l’absurdité de sa vie et le sens – ou le non-sens – d’y laisser une trace. Mais hélas, le film est hypothéqué par les maladresses de son scénario et de son interprétation. Même Hiam Abbass, d’habitude si juste, réussit à y mal jouer en poussant à l’extrême la folie de son personnage.

La bande-annonce