Une dizaine de jeunes joueurs de water-polo de douze-treize ans participent durant l’été 2003 à un stage d’été dans un complexe sportif californien. L’un d’entre eux, Eli, souffre d’eczéma et est ostracisé par ses camarades.

Sélectionné dans la section Un certain regard l’an passé à Cannes, Grand Prix et prix de la critique à Deauville, The Plague est un film intrigant. Ceux – dont je suis – qui n’aiment pas les films d’horreur auraient tort de s’en détourner. Bien qu’interdit aux moins de douze ans, The Plague, en dépit de son titre et de son affiche, n’a en effet rien d’un film d’horreur.

Il joue sur plusieurs registres. C’est d’ailleurs ce qui fait son principal intérêt. Il joue avec les codes du film d’horreur, ou plutôt, pour être plus précis, avec ceux du body horror, comme Grave, Titane ou The Substance. Il joue aussi avec ceux du thriller, laissant planer le suspense sur l’issue plus ou moins dramatique de ce camp de vacances.

Mais The Plague est d’abord et avant tout – au point, c’est le reproche qu’on peut lui adresser, de se réduire à cela finalement – un film sur la pré-adolescence, sur le début de la puberté, sur le besoin irrépressible d’être accepté et adoubé par le groupe et la crainte maladive d’en être ostracisé.

Les enfants peuvent être d’une cruauté rare. On le sait depuis Sa majesté des mouches. Ben, le héros du film, en fait l’expérience. C’est un brave garçon dont les parents viennent de divorcer et qui a dû quitter Boston pour San Diego. À son arrivée dans le camp, il est choqué du sort réservé à Eli mais ne veut pas se couper du reste du groupe.

The Plague est un film malaisant qui nous replongera dans les affres d’une période de notre jeunesse dont beaucoup d’entre nous ont gardé un souvenir traumatisant. Amateurs de feel-good movies, passez votre chemin !

La bande-annonce

L’Histoire est bien connue. L’histoire mérite-t-elle d’être rappelée ? En juin 1940, la France s’effondre. Le maréchal Pétain, le « vainqueur de Verdun », signe l’armistice. Mais un obscur colonel de cavalerie, récemment promu général de division, refuse l’inéluctable. Pour lui, la France a peut-être perdu une bataille ; elle n’a pas perdu la guerre, qu’elle gagnera avec l’appui de ses alliés et la force de son Empire invaincu. Il dénie à Vichy la légitimité de représenter la France. Au contraire, avec une assurance qui abasourdit son entourage clairsemé autant que les Anglais dont il fait le siège à Londres, il affirme l’incarner à lui tout seul.

Pathé a lancé une stratégie audacieuse : financer des films à gros budget (celui du diptyque La Bataille de Gaulle approcherait les cent millions d’euros) pour séduire un vaste public attiré par les grandes figures de l’imaginaire : d’Artagnan hier, Jean Valjean demain et De Gaulle aujourd’hui. Le projet devrait s’avérer payant. Car le film fait le buzz, provoquant juste ce qu’il faut de polémique pour susciter la curiosité et s’assurant mécaniquement, en sortant en deux parties, le double (ou presque) d’entrées qu’un seul film aurait pu espérer empocher.

Le film a suscité à gauche des critiques mitigées voire hostiles. L’Humanité lui a réservé un accueil glacial : « Écartelé entre sa volonté d’égratigner la figure du général et celle de Pathé de monter une grande fresque patrimoniale, Antonin Baudry accouche d’un film malade ». Sa critique n’est pas sans fondement. Elle vise la forme et le fond.

La forme : La Bataille de Gaulle est un film pompier, grandiloquent et cinématographiquement très pauvre. On dirait Paris brûle-t-il (1966) avec de l’image de synthèse. L’idée est la même : brosser la fresque édifiante d’un moment crucial de l’Histoire de France. La recette aussi : rassembler un nombre impressionnant d’acteurs célèbres (les actrices hélas ayant la part congrue d’une œuvre à laquelle les féministes vigilantes reprocheront à bon droit d’échouer au  test de Bechdel).

Elle vise aussi le fond. La Bataille de Gaulle est une ode à l’homme providentiel – tel que l’avait décrit Raoul Girardet dans l’un des quatre chapitres de son essai indépassable, Mythes et mythologies politiques. L’homme qui incarne à lui seul une idée et qui, à force d’entêtement, réussira à en convaincre tous les sceptiques et à sauver la Nation de l’abîme dans lequel elle menaçait de sombrer. Il n’y a aucune psychologie dans La Bataille de Gaulle – pas plus qu’il n’y en avait au demeurant dans Le Cuirassé Potemkine – mais la mise en image d’une force du destin et d’une idée qui va. On ne voit jamais douter le chef de la France libre, sinon peut-être après la bataille de Dakar en 1940 dont il espérait qu’elle lui permette de rallier tout l’Empire et consacre sa légitimité auprès des Alliés. Il en va de même de la quasi-totalité des personnages figés dans la caricature. Ainsi par exemple de Darlan (Mathieu Kassovitz). Ce défaut connaît toutefois une exception notable avec Churchill (Simon Russell Beale), dont on comprend les tiraillements face à cet allié encombrant et si orgueilleux qui complique sa relation avec Roosevelt et dont se méfie son entourage.

Pour autant, La Bataille de Gaulle n’en reste pas moins de la (très) belle ouvrage, du grand plaisir de cinéma qui se regarde pendant près de trois heures sans temps mort. Le film est bien écrit, bien joué, bien monté. On ne s’y ennuie pas une seconde. Il contient quelques passages épiques comme la bataille de Bir Hakeim qui réhabilite Koenig que l’Histoire a oublié. Il nous rappelle des pages bien connues de l’Histoire et nous en fait découvrir d’autres qui le sont moins (j’ignorais que de Gaulle avait un majordome tchèque joué avec un humour chaplinesque par le toujours parfait Karim Leklou). A côté des grands hommes dont il raconte l’histoire devenue fameuse, La Bataille de Gaulle donne un rôle de premier plan à un lycéen anonyme, dont la révélation du patronyme nous dévoilera le rôle majeur qu’il aura joué dans la grande Histoire.

De Gaulle est interprété par Simon Abkarian. Il a été la cible d’une campagne infâme à raison de ses origines arméniennes. Il est parfait dans ce rôle qu’il interprète avec une rigidité marmoréenne qui produit parfois un effet comique désopilant.

Son second volet, éluardien, sortira dans un mois jour pour jour le (vendredi !) 3 juillet. Il sera intéressant de mesurer le taux de déchet. Les spectateurs du premier iront-ils voir la suite ? Je parie que oui. En tous cas, j’en serai.

La bande-annonce

Juliette Binoche, l’actrice oscarisée, voulait danser ; Akran Khan, le danseur surdoué, voulait jouer. En 2007, ils se sont rencontrés à Londres pour monter ensemble un spectacle, In-I (« en moi »). Ils répètent pendant six mois à Paris et à Londres un spectacle dont ils donneront cent-vingt représentations à travers le monde.

Pourquoi aura-t-il fallu près de vingt ans à Juliette Binoche pour tirer un film des images tournées par sa sœur pendant les répétitions et des captations du spectacle ? Parce qu’elle n’est pas réalisatrice et qu’elle ne savait pas qu’en faire.

Le jugement est cinglant. Il est à la hauteur de ma déception. Juliette Binoche nous avait fait miroiter « d’entrer dans l’intimité de la création ». Mais ces répétitions sont bien répétitives. On n’y voit aucune progression. On n’y voit guère non plus de complicité entre ces deux grands professionnels. Les conseils donnés par une coach en art dramatique sont lunaires et on se demande de quelle utilité ils sont pour les deux protagonistes.

Les répétitions sont cadenassées. Binoche, comme à son habitude, y est d’une ardeur, d’une intensité qui confinent à la folie. Mais son obsession du contrôle la conduit à écarter toutes les images qui auraient pu écorner la sienne. Tout est finalement trop lisse.

Sans transition, sans qu’on ait conscience de franchir une étape, sans compte à rebours ni angoisse grandissante pour la première qui se rapproche, viennent les images du spectacle. Il est splendide. J’avais eu la chance de la voir au théâtre de la Ville en novembre 2008. Mais je me souviens qu’il ne m’avait pas transporté. J’avais trouvé cette radioscopie du couple et ses étapes obligées bien banales, en dépit de l’intensité des acteurs et de la beauté des décors d’Anish Kapoor.

La bande-annonce

Massoud Bakhshi a décidé en 2007 de filmer ses nièces, encore tout bébés, et de réaliser à travers leur portrait un film sur la petite enfance en Iran. Au fil des années, son projet a pris de l’ampleur. Il a décidé de le poursuivre au-delà de la période prévue, jusqu’à l’âge adulte des deux sœurs, Zahra et Mahya, et à la naissance d’une benjamine, Maleka.

Le réalisateur d’Une famille respectable (2012) et Yalda, la nuit du pardon (2019) reproduit le même procédé ambitieux que celui de Boyhood de Richard Linklater (mon film préféré en 2014), Adolescentes de Sébastien Lifshitz ou Qui à part nous de Jonás Trueba : suivre pendant plusieurs années des enfants qui grandissent. Le résultat est d’une étonnante modestie : une heure vingt à peine, là où le film de Trueba durait trois heures quarante !

Bakshi s’est heurté à un obstacle de taille, l’interdiction de filmer les cheveux et les corps des femmes pubères, qu’il a scrupuleusement respectée pour ne pas mettre en porte-à-faux ses nièces. Il les cadre en plans très serrés sur leur visage, les floute ou les filme dans le noir. Ces deux bambins si joyeux se voient couvertes d’un hijab dès leur entrée à l’école. On comprend que leur grand-mère, très pieuse, essaie de leur transmettre une foi stricte, que leur mère en revanche est moins respectueuse des mots d’ordre des mollahs. Les jeunes filles, qui ont chacune leur personnalité, se plient avec peine à cette chape de plomb et soutiennent avec enthousiasme le mouvement « Femme, vie, liberté ».

Le sujet et son traitement ont de quoi inspirer. Hélas, le résultat est décevant. Les trivialités d’une éducation somme toute banale, similaire en de nombreux points avec celles de jeunes filles de la bourgeoisie occidentale, ne sont guère intéressantes. Ce documentaire courageux fait preuve de trop de retenue là où il aurait dû s’autoriser plus de lyrisme.

La bande-annonce