« Loin de moi la colère », Tchémouénia en guéré, est le nom de baptême donné à l’héroïne de ce documentaire, Josiane dite « maman Jo ». Cette veuve s’est donné une mission : aider à rétablir la concorde au sein d’une population divisée, celle de sa région natale, située dans l’Ouest montagneux de la Côte d’Ivoire, à la frontière du Libéria.

Elle va de village en village, à la rencontre de ses habitants, pour recueillir leurs témoignages, souvent déchirants, sur les épreuves qu’ils ont traversées, les drames qu’ils ont vécus, et pour les inviter à pardonner et à réapprendre à vivre ensemble. Tous ensemble, ils construisent un apatam, une case circulaire sous laquelle les habitants pourront se retrouver.

La figure de « maman Jo » est admirable. Elle inspire le respect. Sa démarche est remarquable. L’amour qu’elle manifeste à sa petite-fille, à laquelle elle a transmis son nom, en la talquant, en l’enduisant de beurre de karité, est émouvant.

Mais cette accumulation de bons sentiments ne suffit pas à faire un film. Joël Akafou (Traverser) ne facilite pas la tâche des spectateurs en ne contextualisant pas la situation politique de l’Ouest ivoirien et les affrontements qui y ont fait rage (en 2000 ? en 2011 ?). Ce documentaire, trop bavard, devient vite incompréhensible.

La bande-annonce

Shinzaemon Kosaka est un samouraï du clan Aizu qui se bat à la fin de l’époque Edo pour le shogun. Lors d’un épique combat au sabre, Kosaka est mystérieusement projeté dans le temps à l’époque contemporaine. Il débarque sur le tournage d’un film historique où son accoutrement et sa pratique du sabre lui donnent une crédibilité étonnante.

Ce film japonais a connu un étrange destin. Réalisé avec trois bouts de ficelle par une bande d’amis sous la direction d’un réalisateur néophyte, il a dépassé le milliard de yens de recettes en salles, soit quarante fois son budget. Ce succès national a entraîné sa sortie à l’étranger, aux États-Unis d’abord, sous le titre A Samurai in Time, puis en France dans quelques salles. Un public nombreux et enthousiaste s’y presse. J’ai bien failli ne pas trouver de places dans la salle 37, comble, de l’UGC des Halles.

Le Dernier Vrai Samouraï joue sur le voyage dans le temps, façon Hibernatus ou Les Visiteurs, et la stupéfaction qu’il crée chez ceux qui en font l’expérience déroutante. Bien évidemment, la situation est l’occasion de quelques scènes cocasses où on partage la stupéfaction et l’incompréhension de Kosaka quand il découvre le Japon du XXIème siècle, cent-quarante ans après la chute du shogunat à la défense duquel il avait consacré sa vie.

Mais l’essentiel du film n’est pas là. Il s’agit plutôt d’un hommage rendu à un genre bien précis, le jidaigeki, un lointain cousin japonais de nos films de cape et d’épée, mettant en scène des samouraïs pendant la période Edo. Le jidaigeki, longtemps populaire, est un genre en désaffection. Et Kosaka, qui est recruté comme cascadeur sur le tournage de plusieurs séries, en est à la fois l’acteur et le témoin.

On aurait volontiers imaginé que le film joue sur l’idée de la perte des valeurs portées par les samouraïs et de leur nostalgie. Mais, cette idée là restera à l’arrière-plan au détriment d’une bifurcation dans le scénario avec le tournage d’un grand film avec le plus célèbre acteur de jidaigeki, Kyoichiro Kazami, dont Kosaka découvrira bientôt le secret des origines. La seconde moitié du film est l’histoire de la relation entre les deux hommes et de leur complicité grandissante jusqu’au combat final qui les oppose devant les caméras.

Le film est trop long – il dure plus de deux heures. L’exotisme de ses débuts se dissipe bien vite. Certes, on passe un moment distrayant devant ce film original. Mais la mise en scène et le scénario sont trop sages pour laisser une marque durable.

La bande-annonce

Dans la famille d’Estelle (Elodie Bouchez), mère courage de trois enfants et épouse battue par un mari romain et toxique (Stefano Cassetti), je demande la mère : une diva irlandaise aussi aimante qu’autocentrée (Marisa Berenson). Je demande le père, qui a abandonné jadis sa femme et ses enfants et dont les cendres sont à présent l’objet d’une ultime réunion familiale. Je demande la sœur aînée : Jeanne Balibar, sa voix melliflue et ses répliques cinglantes. Je demande le frère cadet, qui avait rompu toute relation avec sa famille et qui, tel l’enfant prodigue, revient au foyer vingt ans après un drame enfoui.

Isild Le Besco, qu’on avait connue si frêle et qu’on découvre gironde, n’en finit pas de creuser un sillon original dans le cinéma français. La sœur de Maïwenn – avec laquelle, nous dit la presse people, elle a rompu tout lien – fut très jeune une enfant de la balle, tournant encore mineure Sade sous la direction de Benoît Jacquot, contre lequel elle a porté plainte vingt-cinq ans plus tard avec Anna Mouglalis et Judith Godrèche. Puis elle est passée derrière la caméra, réalisant par exemple La Belle Occasion.

La quarantaine resplendissante, elle est au four et au moulin de son dernier film Productrice, réalisatrice, comédienne, elle en a écrit le scénario et en a assuré le montage. Son frère aîné est à la photographie, son fils cadet interprète l’un des enfants d’Estelle. Bref, on est en famille et entre copains. Le tournage a eu lieu dans les champs de lavande de la Drôme où Isild Le Besco vit à l’année et à Wimille dans le Pas-de-Calais à une encablure du cap Gris-Nez.

Cette réalisation avec trois bouts de ficelle rend l’entreprise fort sympathique mais en constitue aussi la limite. Certes, Ma famille chérie est d’une grande spontanéité, laissant la part belle à l’improvisation d’un casting cinq étoiles. Mais le son est décidément trop mauvais. Et le scénario présente de coupables faiblesses. Ainsi de son premier quart d’heure qui se déroule dans un superbe appartement romain où on découvre le piège dont Estelle est prisonnière et dont elle a l’énergie de s’évader : le film nous lance dans une direction et un univers qu’il a le tort d’oublier ensuite.

Le titre du film doit évidemment se comprendre par antiphrase. La famille est depuis toujours chez Isild Le Besco, comme chez Maïwenn, le terreau autobiographique de toutes les névroses. C’est à la fois un refuge et un bouillon de culture. Ses déchirements n’offrent toutefois pas grand-chose d’inattendu. Un vague suspense se noue autour du drame fondateur qui a traumatisé la famille et provoqué l’exil du jeune frère et de son père. Mais des flashbacks dispensables dissipent bien vite le mystère. Le film, fleuve tranquille, suit gentiment son cours vers une conclusion apaisée, que les protagonistes ont sans doute pris plus de plaisir à jouer que les spectateurs à la regarder.

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