Mike est un « urchin », un voyou, un garnement. Il fait des allers-retours entre des foyers, la rue et la prison. Il s’y retrouve une fois encore après un vol avec agression. Il en ressort quelques mois plus tard. Sera-t-il enfin sur la voie de la rédemption ?

Urchin est l’œuvre de Harris Dickinson, un jeune acteur en voie de starification, qui partageait la tête d’affiche de Babygirl avec Nicole Kidman et celle de Iron Claw avec Zac Effron avant d’interpréter prochainement John Lennon sous la direction de Sam Mendes. La jeune star a réalisé son premier film. Il laisse le premier rôle à Frank Dillane récompensé par le prix du meilleur acteur de la section Un certain regard à Cannes l’an dernier. Récompense méritée tant son interprétation est incandescente.

Urchin raconte, sans effet de manche, sans figure de style, une page de la vie d’un SDF. On voit Mike tenter de renouer avec une vie normale, travailler dans les cuisines d’un restaurant, s’essayer à la vie de couple avec une collègue de travail. Urchin n’est pas un film social, un film à thèse, façon Ken Loach dans lequel la grandeur des gens de peu est glorifiée et l’inhumanité d’une société sans cœur stigmatisée.

Son personnage est extraordinairement ambigu ce qui en fait la richesse et l’intérêt. Mike est-il un gamin détruit par une enfance sans amour dont la rédemption est possible ? ou un sauvageon perverti que rien n’empêchera de glisser inexorablement sur la pente de ses addictions ? Si j’osais, je dirais qu’on aura l’une ou l’autre opinion de lui selon qu’on est de droite ou de gauche. Etant au centre, j’ai eu les deux et j’ai adoré cette indécision.

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On a quasiment tous lu un jour ou l’autre l’unique roman d’Emily Brontë, morte à trente ans, Les Hauts de Hurlevent, ou vu une de ses innombrables adaptations cinématographiques ou télévisuelles, la plus remarquable étant à ce jour celle de 1939 avec Lawrence Oliver et Merle Oberon. On se souvient qu’Heathcliff est un bohémien adopté par M. Earnshaw et élevé dans sa ferme perdue dans les landes venteuses du Yorkshire. Heathcliff est en butte à l’hostilité du fils aîné de M. Earnshaw – un personnage qui disparaît dans le film de 2026. En revanche, il est l’objet des tendres attentions de sa fille, Cathy, qui, doit se résoudre à épouser un riche bourgeois, Edgar Linton.

À partir de ce point de départ, Emerald Fennell réalise une superproduction hollywoodienne à 80 millions de dollars, sortie en grande pompe dans le monde entier pour la Saint Valentin, dont le principal atout est ses deux têtes d’affiche. Margot Robbie et Jacob Elordi (que Fennell avait dirigé dans Saltburn) sont les deux stars les plus sexy du moment dont la présence au casting est censée séduire l’humanité tout entière, homme ou femme, hétéro ou homo.

Le film est un immense vidéo-clip à leur dévotion façon Mylène Farmer ou Jean-Paul Gaultier dans lesquels ils apparaissent tour à tour vêtus des costumes les plus incroyables et coiffés des perruques les plus impressionnantes. Le tout est filmé dans des décors d’une artificialité revendiquée – ainsi de la chambre à coucher de Cathy dont les murs sont recouverts de latex qui reproduisent la peau, les veines et même les grains de beauté de Margot Robbie. Les deux acteurs, constamment trempés par les embruns du Yorkshire et/ou leurs larmes qui coulent à flots, y affichent les signes de la plus fougueuse des passions.

Le tout prête souvent à sourire alors que tel n’est pas évidemment sa fonction. On se demande si on n’est pas en train de regarder le plus grand navet de l’année, une sorte de 50 nuances de Grey épicé d’une petite pointe de SM pas trop relevé pour ne pas effaroucher le cœur de cible des 12-16 ans. J’ai hésité à mettre zéro étoile et, par bonté d’âme, parce que je ne me suis pas ennuyé une seule seconde, parce que les décors m’ont bluffé, parce que Margot Robbie est à mes yeux la plus belle actrice du monde et du moment, je lui en ai mis une.

PS : Pourquoi diable le titre est-il entre guillemets ?

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You Man-su s’est fait sèchement licencier de l’entreprise où il travaillait fidèlement depuis vingt-cinq ans. Il sombre lentement dans la dépression en essayant sans succès de retrouver un emploi. Sa prime de licenciement dépensée, il doit désormais, la mort dans l’âme, penser à réduire le train de vie de sa famille. Sa recherche d’emploi restant vaine, il fomente un plan machiavélique : éliminer le cadre qui occupe le poste qu’il convoite et y candidater après avoir écarté tous les candidats potentiels à son remplacement.

Aucun autre choix est la seconde adaptation d’un roman de Donald Westlake publié en 1997. On devait la première à Costa-Gavras. Tournée en Belgique, elle était sortie en 2005 sur les écrans français.. José Garcia y interprétait à contre-emploi le rôle de ce chômeur serial killer.

Le Couperet était un thriller où un homme, suivant une logique criminelle, éliminait l’un après l’autre ses rivaux potentiels. Aucun autre choix suit la même trame linéaire, mais se donne le temps de s’en écarter (il dure deux heures dix-neuf). C’est d’ailleurs ce qui en fait l’intérêt.

Il commence par une (longue) mise en place, où l’on découvre You Man-su, sa femme, son beau-fils, sa fille, violoncelliste surdouée et autiste, ses deux chiens… C’est très progressivement que l’intrigue se met en place, lors de la scène capturée sur l’affiche, au cours de laquelle le héros réalise qu’éliminer le cadre dont il ambitionne le poste ne règlera pas son problème et qu’il faut préalablement éliminer d’abord les candidats potentiels à ce poste s’il venait à se libérer. Il passe alors une fausse petite annonce qui lui permet de récolter les CV de ses rivaux potentiels.

Commence alors une lente chasse à l’homme où You Man-su, par un troublant effet de miroir, se retrouve face à des chômeurs aussi paumés que lui. Le premier a sombré dans l’alcoolisme au grand dam de son épouse. Le second a trouvé un emploi chez un marchand de chaussures (comme Marty Mauser !). Sa dernière victime, le cadre qu’il veut remplacer, nage dans l’opulence mais n’en mène pas pour autant une vie plus épanouie.

Park Chan-wook est sans doute l’un des plus grands réalisateurs coréens avec Bong Joon-ho, l’auteur de Parasite. Il a signé quelques-uns des films les plus marquants du dernier quart de siècle : je ne me suis toujours pas remis du traumatisme causé par Old Boy. Le sens de la provocation qu’il déployait dans ses premiers films sanguinolents est mis ici au service d’un propos plus politique : Aucun autre choix est une dénonciation implacable du capitalisme et de l’aliénation au travail qu’il fait naître.

Aucun autre choix est volontiers gore. Il est fort légitimement interdit aux moins de douze ans. Ceux qui espéraient voir pour la Saint Valentin une romance sucrée lui auront hélas préféré Hurlevent (que je chroniquerai demain). Il n’en reste pas moins un vrai et grand moment de cinéma jubilatoire par l’énergie qu’il dégage, la parfaite maîtrise de ses effets et la qualité exceptionnelle du jeu de son acteur principal, Lee Byung-Hun, acteur fétiche de Park Chan-Wook depuis Joint Security Agreement.

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Tereza a soixante-dix-sept ans. Dans un Brésil dystopique où les personnes âgées ne doivent plus peser sur la population active et sont invitées à quitter leur maison pour s’installer dans des « colonies », l’heure du départ va bientôt sonner pour elle. Mais cette femme indépendante et encore ingambe s’y refuse de toutes ses forces. Avant la retraite, elle veut réaliser un ultime rêve : voler. Aussi déjouant la télésurveillance, s’enfuit-elle à travers l’Amazonie.

Les Voyages de Tereza est un petit film brésilien dont le pitch rappelle inévitablement Soleil vert, un des plus grands films de science-fiction qui a marqué des générations de cinéphiles, ou plus récemment le japonais Plan 45. Mais la piste est trompeuse. Les Voyages de Tereza n’a rien de science-fictionnel ou de dystopique.

L’argument n’est qu’un prétexte à un « boat-trip », l’errance aquatique sur l’Amazone et ses affluents d’une vieille femme qui ne veut pas mourir avant d’avoir réalisé son rêve. Cette errance est parsemée de rencontres : le propriétaire d’un bateau qui lui enseigne des rudiments de navigation et utilise la bave turquoise de certains escargots pour s’offrir des trips déjantés, celui d’un ULM qui refuse de décoller malgré ses multiples tentatives, une prédicatrice évangéliste qui commercialise des bibles électroniques…

Les Voyages de Tereza ne dure qu’une heure vingt-six à peine. Il s’arrête brutalement alors qu’on pensait n’en être qu’à son début, comme si le réalisateur était à court de pellicule. Sa fin est d’autant plus brutale qu’elle laisse en suspens les deux questions posées par le film : en quoi consiste la mystérieuse « colonie » où sont conduites les personnes âgées ? Tereza réussira-t-elle enfin à accomplir son rêve ?

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Ce documentaire est consacré aux Soulèvements de la Terre, un mouvement créé en 2021 par des militants engagés dans la préservation de l’environnement. Il s’inscrit dans la mouvance écologiste radicale, promeut la désobéissance civile et participe à des actions de « désarmement » contre des projets ou des installations dont ses membres estiment qu’ils portent atteinte à l’environnement, tels que des retenues d’eau, des sites industriels polluants, des exploitations agricoles intensives, des infrastructures routières en cours de construction…

Le documentaire que leur consacre Thomas Lacoste est ouvertement militant et empathique. Il s’agit de donner la parole à ses militants et de présenter le mouvement dans sa diversité.

Les Soulèvements de la Terre partagent une double conviction : la primauté des droits de la Nature et l’urgence de les défendre. Cette urgence autorise des actions illégales. Elles constituent, selon les Mouvements de la Terre, une réponse légitime à un pouvoir politique et économique qui exerce une violence structurelle et oppressive. Ce sera le cas notamment à Sainte-Soline, un combat qui a marqué l’histoire du mouvement mais auquel hélas le documentaire ne donne pas la place qu’il aurait méritée, ou contre l’A69 dans le Tarn.

Le pouvoir a tenté de dissoudre le mouvement sans succès, le Conseil d’Etat ayant annulé le décret pris en juin 2023 par le ministre de l’intérieur. Il criminalise leurs actions, y voyant des atteintes à la propriété, aux biens et aux personnes. Il lui oppose une violence disproportionnée comme l’ont montré les affrontements sanglants entre les manifestants et les forces de l’ordre à Sainte-Soline.

Aucun contrepoint n’est opposé à la présentation de ces thèses. La parole ne sera jamais donnée aux pouvoirs publics, aux forces de l’ordre, aux juges, aux grandes organisations agricoles ou aux autres mouvances écologistes prônant des actions moins radicales.

Selon qu’on est ou pas un militant de la cause, on portera un regard différent sur ce documentaire. Sur un terrain moins polémique, on peut s’accorder sur ses qualités cinématographiques, médiocres. Le documentaire est une succession d’interviews, trop longues, mal montées, dont la seule qualité est de donner à voir le mouvement dans la diversité des luttes qu’il mène. Sa durée est la seule chose qui le distingue du documentaire télévisuel formaté de cinquante-deux minutes.

Je l’ai vu dans une avant-première organisée avec le journal L’Humanité dans une salle acquise à la cause qui lui a réservé une ovation. Je crois pouvoir affirmer sans crainte de me tromper que l’ovation était moins destinée à l’objet filmique et à ses qualités cinématographiques qu’à la cause qu’il présentait. Ce militantisme ne m’a nullement choqué. Il ne méconnaît aucune règle qui encadre en France la liberté d’expression. Mais il m’a fait penser à la polémique qui avait entouré l’automne dernier la diffusion du film Sacré Coeur par la société Saje, ouvertement prosélyte et accusé d’être financé par l’extrême droite. Pourquoi un documentaire sur le Sacré-Cœur provoque-t-il un tel tollé ? pourquoi un autre sur les Soulèvements de la Terre – ou sur des idéologies qui s’inscrivent à gauche voire à l’extrême gauche de l’échiquier politique comme on en voit treize à la douzaine – ne fait-il pas débat ?

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Phillip Vanderploeg (Brendan Fraser), un acteur américain, vivote depuis sept ans, seul à Tokyo, en jouant le Blanc de service dans des films, des séries ou des publicités. Il est recruté par une agence de « location de proches » qui, pour quelques heures ou pour quelques jours, met à disposition des acteurs ou des actrices pour donner le change et remplacer un proche absent. Deux missions lui sont confiées dans lesquelles il va s’investir au-delà de ce qui est attendu de lui : se faire passer pour le père d’une gamine que la mère célibataire veut inscrire à une école élitiste et tenir compagnie à une vieille gloire du cinéma oubliée de tous.

Mitsuyo Miyazaki alias Hikari est une réalisatrice d’origine japonaise installée de longue date en Californie. Elle tenait un matériau cinématographique exceptionnel que Werner Herzog avait déjà utilisé dans un documentaire et Bernhardt Wenger dans un film autrichien sorti l’an dernier : ces agences de « location de proches » qui prospèrent sur l’impérieuse nécessité de sauver la face au Japon en feignant une réussite sociale qu’on n’a pas toujours.

De telles structures peuvent donner lieu à des quiproquos comiques, des situations tragiques ou des réflexions éthiques. Avec beaucoup d’habileté, Rental Family joue sur tous ces terrains à la fois. Il le fait grâce à un scénario remarquablement écrit sans un seul temps mort et avec son lot de rebondissements surprenants (je pense notamment au directeur de « Rental Family »). Il joue sur la morphologie de son acteur principal, Brendan Fraser, son quintal, ses presque deux mètres sous la toise, pour lequel tout, des seuils de portes aux appartements riquiqui, semble étriqué au Japon. Il bénéficie d’un autre atout inattendu avec l’étonnante Mari Yamamoto à laquelle je prédis une brillante carrière.

Mais hélas, Rental Family baigne dans une ambiance mièvre, tire-larmiste, qui prend le spectateur en otage. On peut s’y laisser prendre avec le plus grand bonheur. Mais un éclair de lucidité nous forcera à reconnaître que ce film est trop émouvant pour être totalement honnête.

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