Halloween approche. Toute la ferme s’y prépare. Les moutons cultuvent en cachette des plants de citrouille. Le fermier, nostalgique de ses jeunes années, rêve de se rendre au bal. Toujours aussi inventif, Shaun concocte un sérum de croissance pour les citrouilles. Mais le fermier, par inadvertance, le confond avec sa lotion capillaire. Le résultat est étonnant : il se transforme en monstre hirsute qui terrifie la paisible cité de Mossingham.

Les très anglais studios Aardman ont créé Chicken Run et Wallace & Gromit. En utilisant le même procédé de stop motion (personnages en pâte à modeler animés image par image), ils ont produit à partir de 2007 pour la télévision britannique la série Shaun le mouton qui totalisera quelque cent cinquante épisodes de six minutes. La série, diffusée dans le monde entier, fut une telle réussite qu’elle a connu en 2015 une première adaptation cinématographique. Le succès de Shaun le mouton, le film a entraîné logiquement quatre ans plus tard la sortie d’une suite, Shaun le mouton, le film : La ferme contre-attaque. Cette Bêêête d’Halloween est le troisième épisode de la franchise.

J’ai une aversion instinctive pour les sequels. Il s’agit souvent pour les producteurs de capitaliser sur le succès d’une première œuvre en escomptant un public captif. La suite rencontre-t-elle un succès aussi grand que l’opus initial, on mettra en route un troisième volet. C’est précisément ce qui se passe avec Shaun le mouton.

Pour autant, force est de constater que les studios Aardman ont gardé le feu sacré des débuts, que leur création est toujours aussi originale et drôle. Leur troisième opus est mené à un tempo d’enfer. Il enchaîne les scènes, toutes plus drôles les unes que les autres. Il multiplie les clins d’œil cinéphiliques : Frankenstein, Le Silence des agneaux, Psychose, le clip Thriller de Michael Jackson, Ghostbusters…

Accessible aux enfants dès cinq ans, Shaun le mouton, la Bêêête d’Halloween fera aussi pouffer de rire les adultes. Pas la peine de kidnapper un gamin pour aller le voir et vous servir d’alibi : les cinémas acceptent les adultes non accompagnés.

La bande-annonce

Jeanne (Marion Cotillard) vit en Espagne avec Daniel (Leonardo Sbaraglia) et lui cache son passé. Une relation fusionnelle l’unit à son filleul, Mateo. Le jour où Mateo disparaît, la police soupçonne Jeanne qui s’enfuit brutalement, passe en France et retourne dans la communauté religieuse, dirigée d’une main de fer par Marc (Denis Ménochet), où elle a grandi.

Le dernier film de Guillaume Canet a été projeté à Cannes hors compétition. Le film a fait parler de lui. D’une part parce qu’il est l’œuvre d’un des couples les plus glamour du cinéma qui, à l’approche de la cinquantaine, vient de se séparer. D’autre part en raison des réactions pour le moins mitigées qu’il a suscitées : trop long, caricatural….

Aussi je redoutais le pire, d’autant que je n’ai jamais été un grand fan de Marion Cotillard. Ma fidélité à Guillaume Canet – qui en horripile certains mais que je trouve aussi séduisant devant la caméra (La Belle Epoque, Le Grand Bain…) que doué derrière (Ne le dis à personne, Les Petits Mouchoirs…) – a prévalu.

Le sujet de Karma, le mal nommé, est l’emprise que les gourous des sectes religieuses exercent sur leurs fidèles. Le sujet n’est pas neuf. Le cinéma américain l’a traité avec brio : La Nuit du chasseur ou, plus près de nous The Master et Martha Marcy May Marlene. Côté cinéma français, on se souvient des Eblouis avec un Jean-Pierre Darroussin à contre-emploi dans le rôle du gourou d’une secte.

Ici, c’est Denis Ménochet, son impressionnante stature, son cou de taureau, qui, en méchant absolu, vole la vedette à Marion Coutillard. Dès qu’il apparaît, le film prend une tout autre dimension.

Certes, les autres personnages sont un peu trop, caricaturaux : ainsi de ses deux acolytes, serviles et menaçants. Mais Karma est sauvé par son scénario ingénieux, riche en rebondissements, certes pas toujours crédibles, mais suffisamment surprenants pour tenir le spectateur en haleine pendant les deux heures vingt du film.

La bande-annonce

Etudiante en Belgique, Elsa revient au Costa Rica. Elle y retrouve sa sœur cadette Amalia. La jeune femme, hantée par des visions, laisse la maison familiale, qu’elle ouvre aux tout venants, tomber dans l’abandon. Leurs parents se désintéressent du sort d’Amalia : son père entretient une liaison avec une ancienne étudiante aussi jeune qu’elle, sa mère, une poétesse renommée, fait la promotion de son premier livre, une réédition de ses poèmes érotiques de jeunesse.

Valentina Maurel est une réalisatrice franco-costaricienne. Son père est un écrivain français, sa mère une célèbre poétesse costaricienne (l’un de ses vers, « Tu naîtras. Mais pour toujours je suis ton animal maternel », a inspiré le titre du film). Valentina Maurel a grandi au Costa-Rica avant de venir en France et d’étudier en Belgique. On mesure la part probable d’autobiographie qu’elle a mise dans le personnage d’Elsa.

Ton animal maternel dissèque les trois personnages féminins, leurs trajectoires individuelles et la relation intime qui les unit au-delà de leurs différences. Elsa est une femme raisonnable, trop peut-être, qui étouffe ; Amelia est un personnage border line que sa folie douce menace de faire déraper ; Isabel, la mère, est des trois la plus complexe. Elle veut à tout prix conserver une jeunesse qui la fuit, est lucide sur le manque d’audience de son art, entretient avec ses deux filles une relation contrariée.

Sans doute l’écriture et le tournage de ce film ont-ils constitué pour Valentina Maurel une catharsis bénéfique. Mais le spectateur, faute d’y trouver sa place, court le risque de vite s’en désintéresser.

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En Algérie en 1955, au lendemain du déclenchement de la guerre d’indépendance, Khadidja, neuf ans, a quitté sa famille en Kabylie, pour rejoindre son grand frère, Malek, marchand des quatre saisons à Alger, et s’inscrire à l’école. Mais le grand frère, en cheville avec le FLN, est immédiatement arrêté par la police. La gamine débrouillarde trouve refuge auprès de Lyes, un enfant des rues, et de ses deux amis, Philippe et Ahmed. Elle n’a qu’une idée en tête : faire libérer son frère.

Petite Casbah est au départ une série de six épisodes commandée par France Télévisions au studio drômois Andarta Pictures. Alice Zeniter, la célèbre écrivaine, lui apporte sa caution en co-signant son scénario. Le succès de la diffusion de la série sur France 4 en octobre 2024 a donné l’idée à ses concepteurs d’en tirer un long métrage pour le cinéma – ainsi qu’une bande dessinée en trois tomes et des romans jeunesse publiés chez Bayard.

Le produit est destiné aux enfants à partir de six ans. Ses couleurs vives, son scénario rebondissant, son ambiance « Club des Cinq » les combleront. Et les valeurs promues par le film, l’amitié, la solidarité, le refus de l’injustice, auront la caution des adultes qui les accompagneront.

Les adultes qui, comme moi, n’ont pas cet alibi, trouveront la recette un peu mièvre et hésiteront peut-être à s’y frotter seuls. Il est grand temps que mes enfants me fassent des petit-fils et des petites-filles pour que je les emmène au cinéma !

La bande-annonce

Tout allait pour le mieux dans la vie de Gleb, un oligarque russe, jusqu’à ce que tout se dérègle. Les autorités réclament une liste de conscrits pour les envoyer sur le front ukrainien. Gleb apprend au même moment que sa femme le trompe avec un jeune photographe.

Neuf années se sont écoulées depuis le dernier film d’Andreï Zviaguintsev, Faute d’amour, l’un de mes films quatre étoiles de 2017. Le réalisateur russe, en résistance ouverte au régime s’est depuis exilé en France. Ses précédents films (Le Retour, Le Bannissement, Elena, Leviathan) avaient permis de découvrir cet héritier de Tarkovsky, peintre amer d’une Russie post-soviétique en pleine déliquescence morale.

Placé, comme Leviathan, sous les auspices d’une créature mythologique, Minotaure laissait espérer un choc aussi fort. Les mêmes ingrédients sont rassemblés : la noirceur morale que ne vient jamais éclairer la moindre lueur d’espérance, le scénario qui déroule sa logique implacable, les longs plans-séquence, le travail de l’image et du son, la durée obèse du film (Minotaure dure comme Leviathan 140 minutes)…

Zviaguintsev s’est inspiré du scénario d’un film de Chabrol, La Femme infidèle. Mais son cinéma n’a rien à voir avec celui du grand réalisateur français. Chabrol était un sociologue caustique, Zviaguintsev est un philosophe désespéré. Est-ce parce que sa scène centrale a été filmée dans les mêmes décors anomiques d’une cité HLM ? Minotaure m’a rappelé le Décalogue de Kieslowski avec lequel Zviaguintsev partage le même pessimisme.

Pour autant, douze ans après Leviathan, Minotaure court le risque de la répétition. L’effet de surprise a disparu. On retrouve, sans déplaisir, Zviaguintsev ; mais on n’est plus sous le choc de sa découverte. D’autant que son film reprend les mêmes recettes sans vraiment innover. Il aurait pu, à l’identique, être tourné dix ou vingt ans plus tôt. Jacques Morice n’a pas tort de lui reprocher d’avoir « raté le train de la postmodernité, à la différence de son compatriote Kirill Serebrennikov » dans les colonnes de Télérama.

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On connaît tous l’histoire des Misérables, pour avoir lu, jeune ou moins jeune, le chef-d’œuvre de Victor Hugo, pour en avoir étudié quelques passages à l’école, pour avoir déjà vu certaines des nombreuses adaptations qui en ont été faites, ou la célèbre comédie musicale. Envoyé au bagne de Toulon pour avoir volé un pain, Jean Valjean (Louis Peres) est devenu à sa libération, dix-neuf ans plus tard, un monstre sans cœur. Sa rencontre avec Mgr Myriel (Frédéric Pierrot) à Digne le transforme. Sous l’identité de Monsieur Madeleine, Valjean (Vincent Lindon) est devenu un chef d’entreprise et le maire de la ville de Montreuil-sur-mer. Fantine (Noémie Merlant), une des employées de sa verroterie, a caché l’existence de sa fille Cosette, abandonnée aux époux Thénardier (Benjamin Lavernhe et Camille Cottin). Valjean promet à Fantine sur son lit de mort de prendre soin de l’enfant, la rachète aux Thénardier et va vivre à Paris où quelques années plus tard, pendant que grondent les émeutes de 1832, l’inspecteur Javert (Tahar Rahim) retrouve sa trace.

Les Misérables est un chef-d’œuvre indépassable de la littérature. Ses personnages, même les plus secondaires, sont devenus des figures familières et des noms communs. Des générations de lecteurs et de spectateurs en connaissent l’histoire et les rebondissements. J’ai eu la chance de le lire à vingt-cinq ans dans une édition de poche empruntée à ma belle-sœur et en garde un souvenir émerveillé. J’avais vu le film de Robert Hossein en 1982 lors d’une sortie scolaire organisée par mon collège dans un cinéma toulonnais, disparu depuis. Je me souviens même que j’étais assis à côté d’une camarade de cinquième dont j’étais secrètement amoureux. Quelques années plus tard, j’ai eu la chance de voir à Londres la comédie musicale qui en a été tiré, dont il est de bon ton de critiquer le kitsch et qui pourtant m’avait transporté. Mais je m’égare….

Les Misérables a fait l’objet d’un nombre incroyable d’adaptations que même l’intelligence artificielle est incapable de dénombrer : plus de cinquante à travers le monde et entre cent-dix et cent-soixante si on élargit aux téléfilms, aux séries et aux films d’animation. Les plus anciennes datent de l’aube du cinéma muet. Nombreuses sont celles qui sont restées dans nos mémoires : Jean Gabin en 1958 avec Bourvil dans le rôle de Thénardier, Lino Ventura en 1982 avec Michel Bouquet dans le rôle de Javert, Jean-Paul Belmondo dans l’adaptation très lelouchienne – et franchement ratée – de 1995, Gérard Depardieu dans la série de Josée Dayan en 2000, Hugh Jackman et plus encore Anne Hathaway en Fantine dans la comédie musicale multi-oscarisée de Tom Hooper en 2012.

La barre était haute pour Fred Cavayé, un réalisateur français chevronné mais plus familier des thrillers urbains que des grandes fresques historiques. Il s’est donné les moyens de la franchir avec un budget conséquent de plus de trente millions d’euros, un casting prestigieux, des décors grandioses et des costumes luxueux.

Le film est très fidèle au livre, même si les puristes relèveront plusieurs libertés pas toujours très utiles : pourquoi diable les avoir braqués dès la première scène du film, avec un plan hideux, en présentant un jeune Valjean travaillant à Paris à la démolition de la Bastille – alors qu’il avait déjà vingt-sept ans et qu’il travaillait comme émondeur dans la Brie ? pourquoi avoir donné une telle importance à la mère de Javert, tireuse de cartes, et avoir inventé à Javert une enfance marseillaise ? pourquoi avoir modifié la mort de Gavroche ? et avoir gommé celle de Jean Valjean ?

Heureusement, ces Misérables n’ont pas manqué les plus grands moments du livre, ceux grâce auxquels il occupe cette place presqu’unique au panthéon des lettres : les chandeliers de monseigneur Myriel, la pièce de quarante sous du rémouleur, le sauvetage de Fauchelevent écrasé sous sa charrette, la décadence de Fantine, la rencontre de Valjean et de Cosette, le sacrifice d’Éponine, la poursuite finale dans les égouts… Chacun de ces épisodes, romanesque en diable, émouvrait les pierres et toucherait en plein cœur le plus a-romantique (j’ai appris le mot et découvert le drapeau correspondant samedi à la Gay Pride) des spectateurs. Pour moi, ce sont les chandeliers de Mgr Myriel qui me touchent au tréfonds, la générosité christique de cet homme d’église – interprété en 1982 dans son tout dernier rôle par l’inoubliable Louis Seigner – et le lent retournement du bagnard que cet épisode métamorphosera à jamais. Cette fois-ci, c’est Éponine qui m’a profondément touchée, peut-être parce qu’elle était jouée avec une profonde candeur et une grande modernité par la ravissante Marie Colomb (Tout va super, La Voie royale, As bestas, Laetitia).

Le problème de ces Misérables-ci est de vouloir faire tenir la totalité de ces épisodes, dans un film qui se veut irréprochable. Il y parvient d’ailleurs en moins de trois heures sans que cette durée obèse soit jamais pesante. Mais à force de vouloir scolairement cocher toutes les cases, Les Misérables s’interdit toute originalité. C’est de la belle ouvrage, incontestablement, qui pourra légitimement avoir le même succès que ceux, enviables, des Trois Mousquetaires ou du Comte de Monte-Cristo. Mais pas une œuvre cinématographique inoubliable.

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