Ce documentaire est consacré aux Soulèvements de la Terre, un mouvement créé en 2021 par des militants engagés dans la préservation de l’environnement. Il s’inscrit dans la mouvance écologiste radicale, promeut la désobéissance civile et participe à des actions de « désarmement » contre des projets ou des installations dont ses membres estiment qu’ils portent atteinte à l’environnement, tels que des retenues d’eau, des sites industriels polluants, des exploitations agricoles intensives, des infrastructures routières en cours de construction…

Le documentaire que leur consacre Thomas Lacoste est ouvertement militant et empathique. Il s’agit de donner la parole à ses militants et de présenter le mouvement dans sa diversité.

Les Soulèvements de la Terre partagent une double conviction : la primauté des droits de la Nature et l’urgence de les défendre. Cette urgence autorise des actions illégales. Elles constituent, selon les Mouvements de la Terre, une réponse légitime à un pouvoir politique et économique qui exerce une violence structurelle et oppressive. Ce sera le cas notamment à Sainte-Soline, un combat qui a marqué l’histoire du mouvement mais auquel hélas le documentaire ne donne pas la place qu’il aurait méritée, ou contre l’A69 dans le Tarn.

Le pouvoir a tenté de dissoudre le mouvement sans succès, le Conseil d’Etat ayant annulé le décret pris en juin 2023 par le ministre de l’intérieur. Il criminalise leurs actions, y voyant des atteintes à la propriété, aux biens et aux personnes. Il lui oppose une violence disproportionnée comme l’ont montré les affrontements sanglants entre les manifestants et les forces de l’ordre à Sainte-Soline.

Aucun contrepoint n’est opposé à la présentation de ces thèses. La parole ne sera jamais donnée aux pouvoirs publics, aux forces de l’ordre, aux juges, aux grandes organisations agricoles ou aux autres mouvances écologistes prônant des actions moins radicales.

Selon qu’on est ou pas un militant de la cause, on portera un regard différent sur ce documentaire. Sur un terrain moins polémique, on peut s’accorder sur ses qualités cinématographiques, médiocres. Le documentaire est une succession d’interviews, trop longues, mal montées, dont la seule qualité est de donner à voir le mouvement dans la diversité des luttes qu’il mène. Sa durée est la seule chose qui le distingue du documentaire télévisuel formaté de cinquante-deux minutes.

Je l’ai vu dans une avant-première organisée avec le journal L’Humanité dans une salle acquise à la cause qui lui a réservé une ovation. Je crois pouvoir affirmer sans crainte de me tromper que l’ovation était moins destinée à l’objet filmique et à ses qualités cinématographiques qu’à la cause qu’il présentait. Ce militantisme ne m’a nullement choqué. Il ne méconnaît aucune règle qui encadre en France la liberté d’expression. Mais il m’a fait penser à la polémique qui avait entouré l’automne dernier la diffusion du film Sacré Coeur par la société Saje, ouvertement prosélyte et accusé d’être financé par l’extrême droite. Pourquoi un documentaire sur le Sacré-Cœur provoque-t-il un tel tollé ? pourquoi un autre sur les Soulèvements de la Terre – ou sur des idéologies qui s’inscrivent à gauche voire à l’extrême gauche de l’échiquier politique comme on en voit treize à la douzaine – ne fait-il pas débat ?

La bande-annonce

Phillip Vanderploeg (Brendan Fraser), un acteur américain, vivote depuis sept ans, seul à Tokyo, en jouant le Blanc de service dans des films, des séries ou des publicités. Il est recruté par une agence de « location de proches » qui, pour quelques heures ou pour quelques jours, met à disposition des acteurs ou des actrices pour donner le change et remplacer un proche absent. Deux missions lui sont confiées dans lesquelles il va s’investir au-delà de ce qui est attendu de lui : se faire passer pour le père d’une gamine que la mère célibataire veut inscrire à une école élitiste et tenir compagnie à une vieille gloire du cinéma oubliée de tous.

Mitsuyo Miyazaki alias Hikari est une réalisatrice d’origine japonaise installée de longue date en Californie. Elle tenait un matériau cinématographique exceptionnel que Werner Herzog avait déjà utilisé dans un documentaire et Bernhardt Wenger dans un film autrichien sorti l’an dernier : ces agences de « location de proches » qui prospèrent sur l’impérieuse nécessité de sauver la face au Japon en feignant une réussite sociale qu’on n’a pas toujours.

De telles structures peuvent donner lieu à des quiproquos comiques, des situations tragiques ou des réflexions éthiques. Avec beaucoup d’habileté, Rental Family joue sur tous ces terrains à la fois. Il le fait grâce à un scénario remarquablement écrit sans un seul temps mort et avec son lot de rebondissements surprenants (je pense notamment au directeur de « Rental Family »). Il joue sur la morphologie de son acteur principal, Brendan Fraser, son quintal, ses presque deux mètres sous la toise, pour lequel tout, des seuils de portes aux appartements riquiqui, semble étriqué au Japon. Il bénéficie d’un autre atout inattendu avec l’étonnante Mari Yamamoto à laquelle je prédis une brillante carrière.

Mais hélas, Rental Family baigne dans une ambiance mièvre, tire-larmiste, qui prend le spectateur en otage. On peut s’y laisser prendre avec le plus grand bonheur. Mais un éclair de lucidité nous forcera à reconnaître que ce film est trop émouvant pour être totalement honnête.

La bande-annonce

Au début des années 70, la guerre du Vietnam en arrière-plan, JB Mooney (Josh O’Connor) mène une vie sans histoires avec sa femme (Alana Haim révélée par Licorice Pizza), ses deux enfants et ses parents. Confronté à des difficultés financières, cet artiste raté décide de recruter deux voyous pour voler quatre toiles du musée d’art moderne de sa petite ville. Mais rien ne se passe comme prévu…

Icône du cinéma indépendant, Kelly Reichardt tourne depuis trente ans des films minimalistes. La plupart se déroulent dans l’Ouest américain et tout particulièrement dans l’Oregon. La nature, majestueuse et sauvage, y constitue un personnage à part entière. Des femmes, et au premier chef Michelle Williams qui est devenue grâce à elle une star, en tiennent le rôle principal – à l’exception d’Old Joy et de First Cow.

Aussi c’est à un changement radical que Kelly Reichardt nous invite avec son neuvième film. Il se passe dans les années 70, sur la Côte Est, entre le Massachusetts et l’Ohio. Il a pour héros un personnage masculin, interprété par l’acteur « le crush anglais de la planète » (dixit Marie Sauvion qui animait l’avant-première organisée avec la réalisatrice à laquelle j’ai eu la chance d’assister au Balzac grâce au festival Télérama). Il se déroule quasi exclusivement dans un paysage urbain qui rappelle les films marronnasses de Pakula ou de Pollack.

Comme le dit fort bien son affiche, avec un sens de la formule auquel il n’y a pas grand chose à ajouter, « Kelly Reichardt revisite le film de braquage ». Elle le fait avec une ironie mezza voce, qui a fait glousser mon insupportable voisine pendant toute la projection.

Son héros est-il un pathétique loser comme on en croisait dans les films des frères Coen ? ou simplement un type malchanceux ? C’est cette ambiguïté qui donne tout son piment à ce film qui est à la fois très lent et très vif. Très lent : l’action y avance à petits pas, sans se presser, aussi atone dans le premier tiers et la description de la vie ennuyeuse de JB, que dans les deux suivants où le braquage se déroule avant la cavale. Très vif : les plans sont brefs et ils ne contiennent rien d’inutile à la caractérisation des personnages et au déroulé de l’intrigue.

The Mastermind est reparti bredouille de Cannes. Il aurait pourtant amplement mérité le prix de la mise en scène pour sa réalisatrice et/ou celui de la meilleure interprétation masculine pour sa tête d’affiche, deux prix attribués à L’Agent secret.

La bande-annonce

Placée sous embargo international après la première guerre du Golfe au début des années 1990,, la population irakienne a vu ses conditions de vie se dégrader. La jeune Lamia vit dans les marais de Mésopotamie, entre le Tigre et l’Euphrate, sur une maison flottante. Sa grand-mère vieillissante en a la charge. Lamia est tirée au sort par son maître d’école pour préparer le gâteau d’anniversaire traditionnellement offert chaque année au raïs Saddam Hussein. Pour le confectionner, il lui faudra en rassembler les ingrédients.

Sorti fin décembre, après un passage à Cannes, Une enfance allemande avait pour fil rouge la confection par un gamin d’un gâteau pour sa mère. Lui aussi passé par Cannes l’an dernier, où il a reçu le prix du public de la Quinzaine des cinéastes et la Caméra d’or, Le Gâteau du président utilise le même prétexte pour atteindre deux objectifs.

Le premier est dramaturgique : Le Gâteau du président met en scène, comme Jeux interdits en son temps, une fillette et un garçonnet qui découvrent avec les yeux de l’innocence le monde des adultes. Le second est plus politique : Le Gâteau du président raconte l’Irak de Saddam Hussein, le culte de la personnalité qui y prévalait et l’endoctrinement de toute la population, à commencer par celle des enfants.

Le résultat éveille l’intérêt. Ce n’est pas tous les jours qu’on voit des films irakiens – on était resté sur le souvenir malaisant du documentaire consacré à la traque de Saddam Hussein en 2003, Hiding Saddam Hussein. Pour autant, Le Gâteau du président, qui aurait pu être tourné à l’identique trente ans plus tôt, ne nous fait pas une proposition de cinéma suffisamment originale pour marquer durablement les esprits.

La bande-annonce