Maja a connu précocement la célébrité en devenant une chanteuse célèbre et adulée. Mais sa chute fut aussi brutale que son ascension. À vingt-neuf ans, sans argent ni contrat, elle se voit réduite à revenir vivre à Oslo chez sa mère qui lui trouve un poste de surveillante dans le lycée où elle enseigne. Maja est en pleine dépression dont l’aideront peut-être à sortir Johannes (Anders Danielsen Lie), un professeur plein d’empathie, Oscar (Snorre Kind Monson), l’informaticien hâbleur ou Aida (Embla Berntsen), la lycéenne qui adore sa musique.

Low Expectations est un film organisé autour de son héroïne, l’étonnante chanteuse norvégienne Marie Ulven, plus connue sous le nom de Girl in Red. Cette jeune fille, née en 1999, est devenue une icône internationalement célèbre, grâce à ses chansons, qu’elle avait écrites dans sa chambre d’adolescente dans un style éloquemment qualifié de bedroom pop. Elle y parle de son homosexualité et de sa détresse.

Un film avec une pop star pourrait avoir l’air d’un outil promotionnel au service de sa prochaine tournée. Il n’en est rien. Ou alors la démarche est plus subtile. Car Eivind Landsvik, le massif réalisateur norvégien qui l’a filmée, n’a pas donné à son actrice star le beau rôle. Low Expectations est un film profondément triste sur une jeune femme en pleine dépression.

On imagine qu’il nous racontera une rédemption. On s’attend à ce que Maja reprenne lentement goût à la vie, grâce à l’humanité de Johannes, aux blagues d’Oscar et à l’amour d’Aida. Il n’en est rien. Le film, intelligemment, ne tire pas les fils que le scénario avait tissés. Je serai bien en mal de lui dresser le reproche que j’adresse si souvent : il n’est pas prévisible.

Pour autant, à macérer dans le grand trou noir de la dépression, sans s’autoriser le moindre espoir – je ne comprends pas la fin du film comme autorisant un tel espoir mais je me trompe peut-être – Low Expectations semble prendre un plaisir sadique à maintenir la tête du spectateur dans le sac. Les fans enamourés, si jeunes si gender fluid, qui étaient venus voir en nombre Girl in red à l’avant-première parisienne du film semblaient bien groggys à la fin du film.

La bande-annonce

Halloween approche. Toute la ferme s’y prépare. Les moutons cultuvent en cachette des plants de citrouille. Le fermier, nostalgique de ses jeunes années, rêve de se rendre au bal. Toujours aussi inventif, Shaun concocte un sérum de croissance pour les citrouilles. Mais le fermier, par inadvertance, le confond avec sa lotion capillaire. Le résultat est étonnant : il se transforme en monstre hirsute qui terrifie la paisible cité de Mossingham.

Les très anglais studios Aardman ont créé Chicken Run et Wallace & Gromit. En utilisant le même procédé de stop motion (personnages en pâte à modeler animés image par image), ils ont produit à partir de 2007 pour la télévision britannique la série Shaun le mouton qui totalisera quelque cent cinquante épisodes de six minutes. La série, diffusée dans le monde entier, fut une telle réussite qu’elle a connu en 2015 une première adaptation cinématographique. Le succès de Shaun le mouton, le film a entraîné logiquement quatre ans plus tard la sortie d’une suite, Shaun le mouton, le film : La ferme contre-attaque. Cette Bêêête d’Halloween est le troisième épisode de la franchise.

J’ai une aversion instinctive pour les sequels. Il s’agit souvent pour les producteurs de capitaliser sur le succès d’une première œuvre en escomptant un public captif. La suite rencontre-t-elle un succès aussi grand que l’opus initial, on mettra en route un troisième volet. C’est précisément ce qui se passe avec Shaun le mouton.

Pour autant, force est de constater que les studios Aardman ont gardé le feu sacré des débuts, que leur création est toujours aussi originale et drôle. Leur troisième opus est mené à un tempo d’enfer. Il enchaîne les scènes, toutes plus drôles les unes que les autres. Il multiplie les clins d’œil cinéphiliques : Frankenstein, Le Silence des agneaux, Psychose, le clip Thriller de Michael Jackson, Ghostbusters…

Accessible aux enfants dès cinq ans, Shaun le mouton, la Bêêête d’Halloween fera aussi pouffer de rire les adultes. Pas la peine de kidnapper un gamin pour aller le voir et vous servir d’alibi : les cinémas acceptent les adultes non accompagnés.

La bande-annonce

Jeanne (Marion Cotillard) vit en Espagne avec Daniel (Leonardo Sbaraglia) et lui cache son passé. Une relation fusionnelle l’unit à son filleul, Mateo. Le jour où Mateo disparaît, la police soupçonne Jeanne qui s’enfuit brutalement, passe en France et retourne dans la communauté religieuse, dirigée d’une main de fer par Marc (Denis Ménochet), où elle a grandi.

Le dernier film de Guillaume Canet a été projeté à Cannes hors compétition. Le film a fait parler de lui. D’une part parce qu’il est l’œuvre d’un des couples les plus glamour du cinéma qui, à l’approche de la cinquantaine, vient de se séparer. D’autre part en raison des réactions pour le moins mitigées qu’il a suscitées : trop long, caricatural….

Aussi je redoutais le pire, d’autant que je n’ai jamais été un grand fan de Marion Cotillard. Ma fidélité à Guillaume Canet – qui en horripile certains mais que je trouve aussi séduisant devant la caméra (La Belle Epoque, Le Grand Bain…) que doué derrière (Ne le dis à personne, Les Petits Mouchoirs…) – a prévalu.

Le sujet de Karma, le mal nommé, est l’emprise que les gourous des sectes religieuses exercent sur leurs fidèles. Le sujet n’est pas neuf. Le cinéma américain l’a traité avec brio : La Nuit du chasseur ou, plus près de nous The Master et Martha Marcy May Marlene. Côté cinéma français, on se souvient des Eblouis avec un Jean-Pierre Darroussin à contre-emploi dans le rôle du gourou d’une secte.

Ici, c’est Denis Ménochet, son impressionnante stature, son cou de taureau, qui, en méchant absolu, vole la vedette à Marion Coutillard. Dès qu’il apparaît, le film prend une tout autre dimension.

Certes, les autres personnages sont un peu trop, caricaturaux : ainsi de ses deux acolytes, serviles et menaçants. Mais Karma est sauvé par son scénario ingénieux, riche en rebondissements, certes pas toujours crédibles, mais suffisamment surprenants pour tenir le spectateur en haleine pendant les deux heures vingt du film.

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Etudiante en Belgique, Elsa revient au Costa Rica. Elle y retrouve sa sœur cadette Amalia. La jeune femme, hantée par des visions, laisse la maison familiale, qu’elle ouvre aux tout venants, tomber dans l’abandon. Leurs parents se désintéressent du sort d’Amalia : son père entretient une liaison avec une ancienne étudiante aussi jeune qu’elle, sa mère, une poétesse renommée, fait la promotion de son premier livre, une réédition de ses poèmes érotiques de jeunesse.

Valentina Maurel est une réalisatrice franco-costaricienne. Son père est un écrivain français, sa mère une célèbre poétesse costaricienne (l’un de ses vers, « Tu naîtras. Mais pour toujours je suis ton animal maternel », a inspiré le titre du film). Valentina Maurel a grandi au Costa-Rica avant de venir en France et d’étudier en Belgique. On mesure la part probable d’autobiographie qu’elle a mise dans le personnage d’Elsa.

Ton animal maternel dissèque les trois personnages féminins, leurs trajectoires individuelles et la relation intime qui les unit au-delà de leurs différences. Elsa est une femme raisonnable, trop peut-être, qui étouffe ; Amelia est un personnage border line que sa folie douce menace de faire déraper ; Isabel, la mère, est des trois la plus complexe. Elle veut à tout prix conserver une jeunesse qui la fuit, est lucide sur le manque d’audience de son art, entretient avec ses deux filles une relation contrariée.

Sans doute l’écriture et le tournage de ce film ont-ils constitué pour Valentina Maurel une catharsis bénéfique. Mais le spectateur, faute d’y trouver sa place, court le risque de vite s’en désintéresser.

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En Algérie en 1955, au lendemain du déclenchement de la guerre d’indépendance, Khadidja, neuf ans, a quitté sa famille en Kabylie, pour rejoindre son grand frère, Malek, marchand des quatre saisons à Alger, et s’inscrire à l’école. Mais le grand frère, en cheville avec le FLN, est immédiatement arrêté par la police. La gamine débrouillarde trouve refuge auprès de Lyes, un enfant des rues, et de ses deux amis, Philippe et Ahmed. Elle n’a qu’une idée en tête : faire libérer son frère.

Petite Casbah est au départ une série de six épisodes commandée par France Télévisions au studio drômois Andarta Pictures. Alice Zeniter, la célèbre écrivaine, lui apporte sa caution en co-signant son scénario. Le succès de la diffusion de la série sur France 4 en octobre 2024 a donné l’idée à ses concepteurs d’en tirer un long métrage pour le cinéma – ainsi qu’une bande dessinée en trois tomes et des romans jeunesse publiés chez Bayard.

Le produit est destiné aux enfants à partir de six ans. Ses couleurs vives, son scénario rebondissant, son ambiance « Club des Cinq » les combleront. Et les valeurs promues par le film, l’amitié, la solidarité, le refus de l’injustice, auront la caution des adultes qui les accompagneront.

Les adultes qui, comme moi, n’ont pas cet alibi, trouveront la recette un peu mièvre et hésiteront peut-être à s’y frotter seuls. Il est grand temps que mes enfants me fassent des petit-fils et des petites-filles pour que je les emmène au cinéma !

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Tout allait pour le mieux dans la vie de Gleb, un oligarque russe, jusqu’à ce que tout se dérègle. Les autorités réclament une liste de conscrits pour les envoyer sur le front ukrainien. Gleb apprend au même moment que sa femme le trompe avec un jeune photographe.

Neuf années se sont écoulées depuis le dernier film d’Andreï Zviaguintsev, Faute d’amour, l’un de mes films quatre étoiles de 2017. Le réalisateur russe, en résistance ouverte au régime s’est depuis exilé en France. Ses précédents films (Le Retour, Le Bannissement, Elena, Leviathan) avaient permis de découvrir cet héritier de Tarkovsky, peintre amer d’une Russie post-soviétique en pleine déliquescence morale.

Placé, comme Leviathan, sous les auspices d’une créature mythologique, Minotaure laissait espérer un choc aussi fort. Les mêmes ingrédients sont rassemblés : la noirceur morale que ne vient jamais éclairer la moindre lueur d’espérance, le scénario qui déroule sa logique implacable, les longs plans-séquence, le travail de l’image et du son, la durée obèse du film (Minotaure dure comme Leviathan 140 minutes)…

Zviaguintsev s’est inspiré du scénario d’un film de Chabrol, La Femme infidèle. Mais son cinéma n’a rien à voir avec celui du grand réalisateur français. Chabrol était un sociologue caustique, Zviaguintsev est un philosophe désespéré. Est-ce parce que sa scène centrale a été filmée dans les mêmes décors anomiques d’une cité HLM ? Minotaure m’a rappelé le Décalogue de Kieslowski avec lequel Zviaguintsev partage le même pessimisme.

Pour autant, douze ans après Leviathan, Minotaure court le risque de la répétition. L’effet de surprise a disparu. On retrouve, sans déplaisir, Zviaguintsev ; mais on n’est plus sous le choc de sa découverte. D’autant que son film reprend les mêmes recettes sans vraiment innover. Il aurait pu, à l’identique, être tourné dix ou vingt ans plus tôt. Jacques Morice n’a pas tort de lui reprocher d’avoir « raté le train de la postmodernité, à la différence de son compatriote Kirill Serebrennikov » dans les colonnes de Télérama.

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