Elliot (Cooper Hoffman, fis de feu Philip Seymour Hoffman) est embauché dans la galerie d’Erika Tracy (Olivia Wilde) une célèbre artiste contemporaine en pleine préparation de sa prochaine exposition. Il en devient vite le jouet sexuel.

Gregg Araki est de retour. Ce réalisateur californien d’origine nippo-américaine avait marqué les années 90 avec sa « trilogie de l’adolescence apocalyptique », punk, nihiliste et provocatrice :  Totally F***ed Up, The Doom Generation et Nowhere qui repasse régulièrement en salles – et qui a bien mal vieilli. Il n’avait plus tourné pour le cinéma depuis White Bird, sorti en 2014 et adapté d’un roman (excellent) de Laura Kasischske.

Gregg Araki a vieilli. Il a soixante-six ans. Il s’est embourgeoisé : les galeries d’art trendy ont remplacé les salles de shoot cradingues de ses premiers films. Mais l’Almodovar californien, ouvertement gay et léchant comme le maestro madrilène ses décors pops, est toujours aussi obsédé et déjanté.

I Want Your Sex ne ment pas sur la marchandise. Son titre, son affiche, son interdiction aux moins de douze ans annoncent la couleur. Il y est question de relation SM avec, comme dans l’excellent Babygirl, une executive woman milf domina, et comme dans le non moins excellent Pillion, un banal jeune homme dont la seule qualité semble être son don pour la soumission.

Dans le rôle d’Erika Tracy, Olivia Wilde, la quarantaine fièrement assumée, en fait trop et a bien raison. Ses robes de soirée improbables, ses tenues fétichistes cuir et queer sont hallucinantes.

I Want Your Sex n’est pas seulement une succession d’images provocatrices. C’est aussi une critique des paradoxes de notre société, qui revendique sa désinhibition mais qui, tout bien considéré, reste pudibonde et sentimentale. On aurait pu redouter que l’histoire se termine par un happy end moralisateur – qui aurait vu Elliot se détourner des plaisirs toxiques que lui offre Erika et déclarer enfin sa flamme à Apple, sa coloc et meilleure amie pour la vie. Fort heureusement, le scénario évite ce piège pour une conclusion plus ambiguë.

La bande-annonce

Jeune banlieusarde taiseuse, rêvant d’intégrer l’armée, Laura (Malou Khebizi) trouve un emploi grassement rémunéré dans le « triangle d’or » parisien – cet espace délimité par les Champs-Elysées, l’avenue Montaigne et l’avenue Gabriel – dans l’hôtel particulier où un émir saoudien a installé Souria, sa maîtresse (Soundos Mosbah).

Le Triangle d’or est le premier film d’Hélène Rosselet-Ruiz. Elle en a eu l’idée durant sa scolarité à la Fémis et en a même fait un court-métrage au titre faussement sartrien, Les Mains sales. Le sujet est original : comment vivent les riches Saoudiens, les riches Saoudiennes, lorsqu’ils sont de passage à Paris ? qu’abritent leurs palais des mille et une nuits, objet de fantasmes peut-être délirants ? quelles relations entretiennent-ils avec leurs employés (Hélène Rosselet-Ruiz a utilisé les travaux de la sociologue Alizée Delpierre sur la domesticité) ?

Pour nous faire pénétrer dans ce monde mystérieux, le scénario utilise une recette éculée : nous le faire découvrir à travers les yeux d’un Candide qui le découvre en même temps que nous. Ce sera le rôle de Laura, interprété par Malou Khebizi. L’actrice était en tête d’affiche de Diamant brut. Elle est méconnaissable dans son second film : la bimbo varoise peroxydée juchée sur des hauts talons improbables a laissé la place à une petite soldate hommasse et hypersportive. La capacité de Malou Khebizi à se glisser successivement dans ses deux rôles, si différents, force l’admiration.

La bande-annonce laissait augurer un pur thriller. Le film est un peu différent. Il se focalise sur la relation qui se construit entre Souria et Lara. Lara, qui découvre avec un mélange de fascination et d’horreur la prison dorée dans laquelle sa patronne est claquemurée, est d’abord maltraitée par Souria avant de devenir sa confidente. L’histoire prend ici des raccourcis peu crédibles. Les deux femmes devient alliées face à la violence masculine. Le simplisme du schéma est atténué par un troisième personnage masculin : le chauffeur, interprété par l’acteur Ziad Bakri qu’on vient de voir dans Le Passage et qu’on avait découvert dans Les Barbares.

Le Triangle d’or pâtit de la faiblesse de son scénario pépère mais n’en reste pas moins une plongée sociologique fascinante dans un monde rarement documenté.

La bande-annonce

Amira (Yasmine Al Masri vue dans Palestine 36) travaille dans un hôpital à Chicago. Le soir de son anniversaire, elle se souvient. Plusieurs années plus tôt, alors qu’elle célébrait son anniversaire en famille, à Alep en Syrie, une bombe était tombée sur l’appartement de son père. Elle avait alors pris la décision de quitter immédiatement le pays avec sa fille. Sur le chemin qui devait la mener jusqu’aux Etats-Unis, elle croisa plusieurs personnes : un soldat qui l’aida au péril de sa vie à franchir la frontière, un passeur (Omar Sy), un poète et le capitaine d’une corvette de secours grecque.

Introduit par une citation de Shakespeare d’une troublante modernité sur les réfugiés et leur sort terrible, Le Passage raconte le parcours terrible d’une femme syrienne qui fuit son pays. Son suspense est en partie gâché par sa structure en flash-back : on sait dès la première image qu’Amira a atteint sa destination.

Le Passage est organisé en cinq chapitres, chacun se focalisant sur un personnage – il n’y avait manifestement sur l’affiche la place que pour quatre hélas. Cette structure kaléidoscopique est, par construction, très stimulante, qui change avec chaque personnage, la focale du récit. Mais, répétée cinq fois métronomiquement, elle devient à la longue un peu trop mécanique.

Omar Sy – qu’on n’avait plus vu sur grand écran depuis longtemps – y joue à contre-emploi le rôle d’un passeur cynique et brutal. Mal dirigé, on le sent mal à l’aise avec un rôle qui n’était pas fait pour lui. Un acteur avec un sourire pareil ne peut décidément pas jouer un méchant.

Le Passage est un film américain tourné fin 2023 qui, après avoir fait la tournée des festivals, a connu une sortie timide aux Etats-Unis puis en France. Ses mauvais résultats ont été loin d’équilibrer son budget. Après deux semaines d’exploitation en France, Le Passage a enregistré 63.000 entrées à peine. La faute à une actualité écrasée par la sortie, le même jour de L’Odyssée qui a attiré immédiatement des millions de spectateurs. La faute aussi aux défauts intrinsèques du Passage, trop démonstratif, trop manichéen.

La bande-annonce

Attention : cette critique contient un spoiler.

En juin 1984, un train est-allemand  dérouté a franchi le Mur. À l’occasion du trentième anniversaire de la chute du Mur, un journaliste d’investigation croit avoir retrouvé le responsable de cette opération audacieuse : il s’agirait de Michael Hartung (Charly Hübner) un ancien employé de la Reichsbahn aujourd’hui propriétaire d’un vidéo-club en faillite. Son enquête fait la couverture du journal et le courageux aiguilleur devient vite un héros : il est interviewé à la télé, dîne chez le président de la République, un livre à sa gloire est en cours d’écriture et un film télé (avec Daniel Brühl !) en cours de préparation. Mais Micha Hartung n’a rien d’un héros.

On se souvient tous de Good Bye, Lenin! où un fils aimant (Daniel Brühl) faisait croire à sa mère, communiste endurcie et sortie de huit mois de coma, que le Mur n’était pas tombé. Le film connut un incroyable succès, en Allemagne et à l’étranger. Son réalisateur, Wolfgang Becker, ne tourna bizarrement quasiment aucun film après celui-ci sinon en 2015 Moi et Kaminsky, inédit en France et en 2024 ce Héros de Berlin qui fut achevé après sa mort par Achim von Borries – lequel a l’élégance de ne pas faire figurer son nom sur l’affiche.

Le Héros de Berlin n’est pas, comme Good Bye, Lenin! un film sur l’Ostalgie, la nostalgie de la RDA. Son sujet n’a rien de spécifiquement allemand. Il est plus universel. C’est l’histoire d’un sympathique loser paré d’un héroïsme qu’il n’a jamais eu et condamné à vivre dans un mensonge trop grand pour lui.

Le problème du film est qu’il ne fonctionne pas. Certes, dans sa première moitié, on ignore si Hartung est ou non un affabulateur. Mais sitôt ce faible suspense éventé, le film n’a plus grand chose à raconter, sinon l’histoire d’un homme pris au piège de son mensonge.

Sur un tel sujet était autrement plus vertigineuse l’imposture d’Enric Marco (1921-2022), cet Espagnol qui prétendit avoir été déporté à Flossenburg, un camp de concentration allemand pendant la Seconde Guerre mondiale, et qui présida même l’association des déportés espagnols au centre du livre de Javier Cercas, L’Imposteur, et du film qui en a été tiré, Marco, l’énigme d’une vie.

La bande-annonce

Anker (Nikolaj Lie Kaas) a passé quinze ans sous les barreaux pour un hold-up qui a mal tourné. À sa libération, il compte bien récupérer le magot qu’il avait confié à son frère. Mais Manfred (Mads Mikkelsen) souffre de trouble dissociatif de l’identité et refuse de dire à son cadet où il a enterré le trésor.

Le Danois Mads Mikkelsen mène une étonnante carrière, entre Hollywood qui lui confie souvent des rôles de tueur psychopathe (le méchant de Casino Royale, la série Hannibal…) et le Danemark où il revient tourner avec ses potes des petits films sympathiques, dont Drunk reste le modèle indépassable au succès légitime.

The Last Viking appartient, sans prétention, à cette seconde catégorie. Il est l’œuvre d’Anders Thomas Jensen dont j’avais particulièrement aimé l’humour macabre des Bouchers verts (2003) un film sorti dans l’anonymat et devenu culte.

The Last Viking mélange les genres : film de braquage avec sa sacoche de billets et ses gangsters patibulaires (une mention particulière au personnage de Flemming), réunion façon Vol au dessus d’un nid de coucou de schizophrènes évadés de l’asile et habités de multiples personnalités (repérez dans le générique de fin la mention du personnage de Paul/George/ Davy Crockett/Himmler !), anamnèse familiale façon Festen de souvenirs traumatisants trop longtemps enfouis…

Interdit aux moins de douze ans, The Last Viking manie un humour trash et sanguinaire. Mads Mikkelsen y est, comme d’habitude, impressionnant dans le rôle d’un frère traumatisé, persuadé d’être la réincarnation de John Lennon en dépit de son talent médiocre pour la guitare et pour le chant. The Last Viking souffre hélas, à mon avis, d’un défaut : une fois le décor planté, les personnages caractérisés, l’enjeu autour duquel le film s’organise exposé, rien dans sa seconde moitié, qui se déroule dans la maison reculée des parents d’Anker et de Manfred/John, ne dépasse qui n’ait déjà été raconté dans sa première, y inclus son épilogue trop prévisible.

La bande-annonce

Grâce à sa ruse, Ulysse (Matt Damon) a vaincu les Troyens. Il est temps pour lui de rentrer à Ithaque où l’attendent sa femme Pénélope (Anne Hathaway) et son fils Télémaque (Tom Holland). Mais, on le sait, le chemin du retour sera plus long que prévu. Dix ans s’écouleront pendant lesquels Ulysse devra affronter bien des périls.

L’Odyssée de Christopher Nolan est sorti depuis huit jours à présent et a suscité un immense enthousiasme. Il aurait déjà enregistré près de 250 millions de dollars de recettes à travers le monde, équilibrant son budget faramineux. En France, avec près de deux millions de spectateurs, c’est le meilleur démarrage de 2026 en dépit de sa durée – qui réduit le nombre de projections journalières – et de son interdiction aux moins de douze ans – qui restreint son public potentiel.

J’ai lu dans la presse spécialisée et sur Internet des critiques passionnantes, certaines d’une érudition folle. Pour simplifier, je classerai leurs auteurs en deux catégories. Les premiers sont de brillants hellénistes qui reprochent à Nolan les libertés qu’il a prises avec les chants d’Homère. Ils reprochent à Matt Damon une interprétation trop mutique, loin de la facétieuse intelligence de « l’homme aux mille ruses ». Ils pointent quelques épisodes oubliés, telle la rencontre avec Nausicaa qui, il est vrai, mettant en scène une jeune femme à peine pubère et un vieil homme nu comme un ver dans la force de l’âge, s’accommoderait mal des règles de la censure contemporaine. Ils regrettent aussi que cette odyssée, filmée dans des paysages à couper le souffle, en Islande (la descente aux enfers), en Ecosse (Circé), au Sahara occidental (Calypso) soit bien peu méditerranéenne. Autre sujet polémique au relent nauséabond : la couleur de peau d’Hélène interprétée par l’actrice noire Lupita Nyong’o.

Certains, parmi ces hellénistes, ont néanmoins salué la fidélité de Nolan à son inspirateur. Ils ont noté que la construction du récit, diffractée, faite d’allers et retours dans le temps et l’espace, était la même que dans l’œuvre d’Homère. Ils ont aussi souligné que le récit était habité par la hantise du déclin, de la fin d’une ère (l’époque mycénienne) et du début d’une autre sous la menace des « peuples de la mer » et que cette hantise produisait un écho très fort avec les temps troublés dans lesquels nous pensons vivre.

Je me sens plus proche de la seconde catégorie d’auteurs, celle des analphabètes. Je n’ai pas eu la chance d’étudier le grec ancien ou L’Odyssée à l’école. J’en connais tout au plus, comme tout le monde, quelques épisodes parmi les plus célèbres : le cheval de Troie, le Cyclope, Circé, Calypso et le retour à Ithaque… Cette ignorance joue, je crois, à mon avantage. Elle m’évite de comparer l’adaptation à l’original. Une comparaison qui, structurellement, tourne souvent sinon toujours au désavantage de l’adaptateur.

Aussi je n’instruirai pas un procès en infidélité à Nolan. J’ai apprécié L’Odyssée pour ce qu’il était : un grand film, réalisé par un grand cinéaste, peut-être le plus grand qui soit depuis Kubrick : Oppenheimer, Tenet, Dunkerque, Interstellar, Inception… Chacun de ses films est un chef d’œuvre. Chacun fait l’événement. Et le dernier ne dépare pas dans cette impressionnante cinématographie. Tout y est : l’inspiration d’un récit qui fait partie du patrimoine commun de l’humanité, une panoplie impressionnante d’acteurs célèbres (outre ceux déjà cités, Robert Pattinson, Zendaya, Charlize Theron, Samantha Morton, Elliot Page, Mia Groth….) jusque dans les seconds rôles, des paysages, je l’ai dit, à couper le souffle… Que dire de la musique ? Qu’elle est, c’est vrai, un peu trop envahissante, mais qu’elle n’en est pas moins sacrément envoûtante.

Je pointe néanmoins un défaut très subjectif qui me retient d’attribuer à ce grand film une quatrième étoile qu’il mériterait pourtant. J’ai été impressionné. Je n’ai pas regardé ma montre – alors que nombreux sont ceux qui lui reprochent sa durée obèse. J’ai été happé de bout en bout. Mais je n’ai pas été ému. L’Odyssée a touché mon cerveau, mon œil, mon oreille, mais pas mon cœur.

La bande-annonce