Une pauvre femme esseulée (Olivia Colman), que la mort de ses parents et son métier dégradant ont relégué aux marges de sa communauté, commande au vannier du village (Peter Dinklage) un mari d’osier. La créature (Alexander Skarsgård) qui se révèle un amant fougueux et un mari doux et prévenant a tôt fait d’exciter la jalousie de ses voisines.

The Wicker Man est un film iconique de 1973 qui a initié un genre : le folk horror. Il n’a quasiment rien à voir avec ce film-ci sinon son titre très proche qui renvoie à l’osier dont le dieu païen de 1973 et la créature frankensteinienne de 2026 sont faits.

Avec Wicker, adapté d’une nouvelle de l’autrice anglaise Ursula Wills-Jones, on est loin du folk horror et du côté du conte volontiers satirique et intemporelle. Wicker se déroule dans un petit village anglais au Moyen Âge, au sein d’une communauté que rien ne semble relier au monde extérieur. Cette communauté pas vraiment hiérarchisée est constituée d’hommes et de femmes anonymes qui s’adressent l’un à l’autre en utilisant l’intitulé de leur profession : le tailleur, le boucher, le boulanger… Cette communauté strictement patriarcale place les femmes dans une position subordonnée et les ravale à leur statut d’épouse et de mère.

C’est contre ces règles que l’héroïne, solitaire et excentrique, s’érige. Elle le fait en instillant au récit une dimension fantastique qui fait tout son sel : pour narguer ses voisins et pour combattre sa solitude, elle passe commande au vannier d’un homme d’osier. Sa constitution mis à part, ce sera un homme comme un autre, sinon qu’il se révèle exempt des défauts rédhibitoires qu’accumulent tous les mâles du village : l’ivrognerie, la forfanterie, la brutalité et par dessus tout le machisme qui les conduisent à considérer les femmes comme des inférieures et à traiter la leur comme leur servante.

La charge est drôle. Mais au mitan du film, quand le cadre semble avoir été posé, quand le si séduisant homme d’osier a trouvé sa place auprès de sa femme ravie, quand tout le village, étonné et envieux, ravale sa jalousie, on se demande de quoi sera fait sa seconde moitié. Le scénario sort de l’impasse dans laquelle on craignait qu’il s’encalmine et nous réserve quelques jolies surprises jusqu’à la scène finale.

Wicker ne laissera pas une trace marquante dans la mémoire de ses spectateurs et encore moins dans l’histoire du cinéma. Il n’en constitue pas moins un film ironique et sympathique, servi par une interprétation impeccable (quel bonheur de retrouver Peter Dinklage qu’on craignait qu’il se soit panthéonisé à tout jamais dans le rôle de Tyrion Lannister).

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Juliette (Marion Aussilloux) affiche tous les signes de la réussite : un poste prestigieux dans la finance, une belle maison avec piscine dans les hauts de Marseille, une vie sexuelle débridée… Mais ses parents, d’origine modeste, qui se sont sacrifiés pour elle, sentent bien que quelque chose cloche dans sa vie. Le viol par un collègue de travail dont Juliette est victime après une soirée trop arrosée va servir de déclencheur et va la conduire à changer de vie.

Robert Guédiguian est de retour avec son vingt-cinquième long métrage. Si Jacques Boudet n’est plus, la petite troupe de ses acteurs fétiches a, comme toujours, répondu présent : Ariane Ascaride bien sûr, Gérard Meylan, Jean-Pierre Darroussin mais aussi les plus jeunes, Robinson Stévenin, Lola Naymark et Grégoire Leprince-Ringuet qui ont déjà tourné une demi-douzaine de fois sous sa direction. Marion Aussilloux, nouvelle venue dans la troupe puisque c’est seulement son deuxième film après La Pie voleuse, se voit confier le rôle titre. Elle y est excellente même si elle ne parvient pas tout à fait à faire oublier Anaïs Demoustier qui avait tourné quatre fois avec Guédiguian avant de prendre ses distances.

Nous sommes donc en terrain connu, sous le chaud soleil marseillais et son accent chantant. Comme chez Verlaine, le Guédiguian nouveau n’est ni tout à fait le même ni tout à fait un autre. Le « petit théâtre marxiste du prolétariat marseillais » (l’expression est de Jacques Mandelbaum dans Le Monde) que le réalisateur septuagénaire chronique depuis près d’un demi-siècle prend ici des couleurs féministes post #MeToo avec un portrait de femme indépendante, transfuge de classe. Le viol dont elle est la victime percute deux autres événements : la découverte par sa mère, pied-noir d’Algérie, de la vraie identité de sa propre mère et la rencontre de Juliette avec les membres d’une association caritative, dirigée par le séduisant Christian (Grégoire Leprince-Ringuet), qui héberge des jeunes mères enceintes sans ressources (on pense au dernier film des Dardenne, Jeunes Mères).

Le viol et ses séquelles, l’accueil des plus fragiles et la nécessaire solidarité qui leur est due, les blessures jamais cicatrisées de la colonisation de l’Algérie : la barque est lourdement chargée. C’est d’ailleurs un défaut fréquent chez Guédiguian. Elle menace de prendre l’eau. D’autant que le film baigne dans une bien-pensance mièvre où la quasi-totalité des personnages incarne chacun à leur façon une facette du Bien.
Deux personnages secondaires font exception et donnent un peu de relief à un film qui en manque cruellement : le voisin de Juliette, interprété par Jean-Pierre Darroussin, qui cache derrière sa bienveillance une âme noire et Vera, une mère célibataire d’origine ukrainienne qui abuse de l’hospitalité de Christian.

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Maja a connu précocement la célébrité en devenant une chanteuse célèbre et adulée. Mais sa chute fut aussi brutale que son ascension. À vingt-neuf ans, sans argent ni contrat, elle se voit réduite à revenir vivre à Oslo chez sa mère qui lui trouve un poste de surveillante dans le lycée où elle enseigne. Maja est en pleine dépression dont l’aideront peut-être à sortir Johannes (Anders Danielsen Lie), un professeur plein d’empathie, Oscar (Snorre Kind Monson), l’informaticien hâbleur ou Aida (Embla Berntsen), la lycéenne qui adore sa musique.

Low Expectations est un film organisé autour de son héroïne, l’étonnante chanteuse norvégienne Marie Ulven, plus connue sous le nom de Girl in Red. Cette jeune fille, née en 1999, est devenue une icône internationalement célèbre, grâce à ses chansons, qu’elle avait écrites dans sa chambre d’adolescente dans un style éloquemment qualifié de bedroom pop. Elle y parle de son homosexualité et de sa détresse.

Un film avec une pop star pourrait avoir l’air d’un outil promotionnel au service de sa prochaine tournée. Il n’en est rien. Ou alors la démarche est plus subtile. Car Eivind Landsvik, le massif réalisateur norvégien qui l’a filmée, n’a pas donné à son actrice star le beau rôle. Low Expectations est un film profondément triste sur une jeune femme en pleine dépression.

On imagine qu’il nous racontera une rédemption. On s’attend à ce que Maja reprenne lentement goût à la vie, grâce à l’humanité de Johannes, aux blagues d’Oscar et à l’amour d’Aida. Il n’en est rien. Le film, intelligemment, ne tire pas les fils que le scénario avait tissés. Je serai bien en mal de lui dresser le reproche que j’adresse si souvent : il n’est pas prévisible.

Pour autant, à macérer dans le grand trou noir de la dépression, sans s’autoriser le moindre espoir – je ne comprends pas la fin du film comme autorisant un tel espoir mais je me trompe peut-être – Low Expectations semble prendre un plaisir sadique à maintenir la tête du spectateur dans le sac. Les fans enamourés, si jeunes si gender fluid, qui étaient venus voir en nombre Girl in red à l’avant-première parisienne du film semblaient bien groggys à la fin du film.

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Halloween approche. Toute la ferme s’y prépare. Les moutons cultuvent en cachette des plants de citrouille. Le fermier, nostalgique de ses jeunes années, rêve de se rendre au bal. Toujours aussi inventif, Shaun concocte un sérum de croissance pour les citrouilles. Mais le fermier, par inadvertance, le confond avec sa lotion capillaire. Le résultat est étonnant : il se transforme en monstre hirsute qui terrifie la paisible cité de Mossingham.

Les très anglais studios Aardman ont créé Chicken Run et Wallace & Gromit. En utilisant le même procédé de stop motion (personnages en pâte à modeler animés image par image), ils ont produit à partir de 2007 pour la télévision britannique la série Shaun le mouton qui totalisera quelque cent cinquante épisodes de six minutes. La série, diffusée dans le monde entier, fut une telle réussite qu’elle a connu en 2015 une première adaptation cinématographique. Le succès de Shaun le mouton, le film a entraîné logiquement quatre ans plus tard la sortie d’une suite, Shaun le mouton, le film : La ferme contre-attaque. Cette Bêêête d’Halloween est le troisième épisode de la franchise.

J’ai une aversion instinctive pour les sequels. Il s’agit souvent pour les producteurs de capitaliser sur le succès d’une première œuvre en escomptant un public captif. La suite rencontre-t-elle un succès aussi grand que l’opus initial, on mettra en route un troisième volet. C’est précisément ce qui se passe avec Shaun le mouton.

Pour autant, force est de constater que les studios Aardman ont gardé le feu sacré des débuts, que leur création est toujours aussi originale et drôle. Leur troisième opus est mené à un tempo d’enfer. Il enchaîne les scènes, toutes plus drôles les unes que les autres. Il multiplie les clins d’œil cinéphiliques : Frankenstein, Le Silence des agneaux, Psychose, le clip Thriller de Michael Jackson, Ghostbusters…

Accessible aux enfants dès cinq ans, Shaun le mouton, la Bêêête d’Halloween fera aussi pouffer de rire les adultes. Pas la peine de kidnapper un gamin pour aller le voir et vous servir d’alibi : les cinémas acceptent les adultes non accompagnés.

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Jeanne (Marion Cotillard) vit en Espagne avec Daniel (Leonardo Sbaraglia) et lui cache son passé. Une relation fusionnelle l’unit à son filleul, Mateo. Le jour où Mateo disparaît, la police soupçonne Jeanne qui s’enfuit brutalement, passe en France et retourne dans la communauté religieuse, dirigée d’une main de fer par Marc (Denis Ménochet), où elle a grandi.

Le dernier film de Guillaume Canet a été projeté à Cannes hors compétition. Le film a fait parler de lui. D’une part parce qu’il est l’œuvre d’un des couples les plus glamour du cinéma qui, à l’approche de la cinquantaine, vient de se séparer. D’autre part en raison des réactions pour le moins mitigées qu’il a suscitées : trop long, caricatural….

Aussi je redoutais le pire, d’autant que je n’ai jamais été un grand fan de Marion Cotillard. Ma fidélité à Guillaume Canet – qui en horripile certains mais que je trouve aussi séduisant devant la caméra (La Belle Epoque, Le Grand Bain…) que doué derrière (Ne le dis à personne, Les Petits Mouchoirs…) – a prévalu.

Le sujet de Karma, le mal nommé, est l’emprise que les gourous des sectes religieuses exercent sur leurs fidèles. Le sujet n’est pas neuf. Le cinéma américain l’a traité avec brio : La Nuit du chasseur ou, plus près de nous The Master et Martha Marcy May Marlene. Côté cinéma français, on se souvient des Eblouis avec un Jean-Pierre Darroussin à contre-emploi dans le rôle du gourou d’une secte.

Ici, c’est Denis Ménochet, son impressionnante stature, son cou de taureau, qui, en méchant absolu, vole la vedette à Marion Coutillard. Dès qu’il apparaît, le film prend une tout autre dimension.

Certes, les autres personnages sont un peu trop, caricaturaux : ainsi de ses deux acolytes, serviles et menaçants. Mais Karma est sauvé par son scénario ingénieux, riche en rebondissements, certes pas toujours crédibles, mais suffisamment surprenants pour tenir le spectateur en haleine pendant les deux heures vingt du film.

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Etudiante en Belgique, Elsa revient au Costa Rica. Elle y retrouve sa sœur cadette Amalia. La jeune femme, hantée par des visions, laisse la maison familiale, qu’elle ouvre aux tout venants, tomber dans l’abandon. Leurs parents se désintéressent du sort d’Amalia : son père entretient une liaison avec une ancienne étudiante aussi jeune qu’elle, sa mère, une poétesse renommée, fait la promotion de son premier livre, une réédition de ses poèmes érotiques de jeunesse.

Valentina Maurel est une réalisatrice franco-costaricienne. Son père est un écrivain français, sa mère une célèbre poétesse costaricienne (l’un de ses vers, « Tu naîtras. Mais pour toujours je suis ton animal maternel », a inspiré le titre du film). Valentina Maurel a grandi au Costa-Rica avant de venir en France et d’étudier en Belgique. On mesure la part probable d’autobiographie qu’elle a mise dans le personnage d’Elsa.

Ton animal maternel dissèque les trois personnages féminins, leurs trajectoires individuelles et la relation intime qui les unit au-delà de leurs différences. Elsa est une femme raisonnable, trop peut-être, qui étouffe ; Amelia est un personnage border line que sa folie douce menace de faire déraper ; Isabel, la mère, est des trois la plus complexe. Elle veut à tout prix conserver une jeunesse qui la fuit, est lucide sur le manque d’audience de son art, entretient avec ses deux filles une relation contrariée.

Sans doute l’écriture et le tournage de ce film ont-ils constitué pour Valentina Maurel une catharsis bénéfique. Mais le spectateur, faute d’y trouver sa place, court le risque de vite s’en désintéresser.

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En Algérie en 1955, au lendemain du déclenchement de la guerre d’indépendance, Khadidja, neuf ans, a quitté sa famille en Kabylie, pour rejoindre son grand frère, Malek, marchand des quatre saisons à Alger, et s’inscrire à l’école. Mais le grand frère, en cheville avec le FLN, est immédiatement arrêté par la police. La gamine débrouillarde trouve refuge auprès de Lyes, un enfant des rues, et de ses deux amis, Philippe et Ahmed. Elle n’a qu’une idée en tête : faire libérer son frère.

Petite Casbah est au départ une série de six épisodes commandée par France Télévisions au studio drômois Andarta Pictures. Alice Zeniter, la célèbre écrivaine, lui apporte sa caution en co-signant son scénario. Le succès de la diffusion de la série sur France 4 en octobre 2024 a donné l’idée à ses concepteurs d’en tirer un long métrage pour le cinéma – ainsi qu’une bande dessinée en trois tomes et des romans jeunesse publiés chez Bayard.

Le produit est destiné aux enfants à partir de six ans. Ses couleurs vives, son scénario rebondissant, son ambiance « Club des Cinq » les combleront. Et les valeurs promues par le film, l’amitié, la solidarité, le refus de l’injustice, auront la caution des adultes qui les accompagneront.

Les adultes qui, comme moi, n’ont pas cet alibi, trouveront la recette un peu mièvre et hésiteront peut-être à s’y frotter seuls. Il est grand temps que mes enfants me fassent des petit-fils et des petites-filles pour que je les emmène au cinéma !

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