Maria et Sigmund se sont passionnément aimés. Mais sept ans et deux enfants plus tard, le couple est usé. Maria peine à assumer seule les charges du foyer ; Sigmund tolère de moins en moins les brusques accès de colère de Maria. C’est lui qui prend l’initiative de rompre. Maria ne le supporte pas.

Loveable est un film sur le désamour (un terme qui fut à la mode il y a une dizaine d’années avant de l’être moins). Ses dix premières minutes décrivent le coup de foudre entre Maria et Sigmund. Elles sont euphorisantes. Mais le reste du film qui s’inscrit dans un tout autre registre est plus plombant.

Loveable raconte l’histoire du point de vue de Maria qui étouffe de colère et éclate de chagrin. Le film touche un nerf sensible en montrant ce que nous avons tous plus ou moins vécu un jour ou l’autre, homme ou femme, et qui nous a laissé.e brisé.e : une rupture amoureuse, le vide qu’elle crée, l’immense amertume qu’elle occasionne. Cette amertume peut prendre deux formes : la haine (il/elle m’a quitté.e parce qu’il/elle ne me méritait pas) ou l’auto-dénigrement (il/elle m’a quitté.e parce que je ne le.la méritais pas). C’est cette seconde branche qui est ici, fort intelligemment creusée : l’histoire de Loveable est celle de Maria qui se demande si elle est ou non « aimable ».

Ainsi posé, ce film norvégien signé par une réalisatrice d’origine islandaise est évidemment stimulant. Mais hélas, son traitement est tellement mal aimable que l’expérience s’avère traumatisante. Loveable est un feel-bad movie. J’ai trop souvent dit la suspicion que m’inspirent les feel-good movies, j’ai trop souvent écrit que le rôle du cinéma ne se limitait certainement pas à nous faire sentir bien pour m’en plaindre. Mais il y a des limites au masochisme…

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Ce film d’animation est l’adaptation du roman bien connu d’Amélie Nothomb, la célèbre écrivaine belge, qui y raconte sa petite enfance au Japon.

Le roman sorti en 2000 passait pour inadaptable. Car, comme son titre intimidant et passablement incompréhensible l’annonçait, il racontait une histoire difficile à mettre en image : l’égocentrisme radical et le sentiment d’omnipotence du nourrisson.

Le film co-réalisé par Maïlys Vallade et Lione-cho Han, produit par mon ami Henri Magalon, y parvient pourtant admirablement dans ses premières minutes. Les suivantes nous plongent dans un cadre édénique, une sorte de paradis perdu qui servira d’écrin aux premières années de la vie de la jeune Fabienne – qui prendra Amélie comme (pré) nom de plume : le Japon du Kansaï où son père était à l’époque consul général de Belgique.

Tout se passe autour de la maison des Nothomb : le père, diplomate donc, la mère, pianiste, le frère aîné, André, qui martyrise sa benjamine, et la sœur aînée, Juliette. La maison compte un membre de plus : la nounou, Nishio san, avec laquelle l’enfant développera une relation symbiotique qu’elle évoquera dans plusieurs de ses livres. Pour corser cet environnement un peu fade, les scénaristes ont inventé un autre personnage secondaire, dont je ne suis plus sûr qu’il figurât dans le roman : celui de la propriétaire, veuve de guerre inconsolée et xénophobe sur le chemin de la rédemption.

Projeté en sélection officielle (hors compétition) au festival de Cannes, grand prix du jury au festival d’Annecy, Amélie et la métaphysique des tubes possède deux atouts qui enthousiasmeront petits et grands : une animation féérique, haute en couleurs, et une musique spécialement composée pour l’occasion par Mari Fukuhara, qui fusionne les sonorités asiatiques et occidentales.

La bande-annonce

Matthias travaille pour MyCompanion, une société de service qui loue le compagnon idéal. Il accompagne une vieille dame qui veut parader à l’opéra, se fait passer pour un pilote d’avion auprès des camarades d’école d’un orphelin, sert de répétiteur à une femme qui hésite à se séparer de son mari… Mais à force de se glisser avec talent dans la peau des autres, Matthias est en train de perdre pied. Sa femme lui reproche d’être devenu une enveloppe vide.

Peacock nous vient d’Autriche. Il m’a rappelé les films glaçants d’Ulrich Seidl (Sparta, Rimini) ou de Jessica Hausner. Les critiques évoquent à son sujet Her de Spike Jonze dont le héros , interprété par Joaquin Phoenix, retrouvait goût à la vie au contact d’une intelligence artificielle sensuelle. Nous sommes dans la même dystopie, pas si futuriste, puisque des agences de location du même genre existeraient déjà au Japon.

Peacock nous donne à voir plusieurs situations dans lesquelles le recours à un compagnon de location s’avère utile ou au contraire désastreux. À accumuler les saynètes, il aurait couru le risque du film à sketches. Aussi suit-il un autre fil rouge : celui de la personnalité de Matthias qui, justement, n’en a plus à force d’emprunter celles des autres.

Cette perspective-là s’avère en fait décevante. Car elle se réduit à une alternative binaire : Matthias réussira-t-il à retrouver en lui l’élan vital qui semble l’avoir abandonné et, en rejetant un métier qui l’asservit, à recouvrer son identité ? La réponse, qui ne fait guère de doute, survient à l’issue d’une scène qui rappelle The Square de Ruben Östlund et qui est presque aussi malaisante.

La bande-annonce

Un célèbre romancier (Denis Podalydès), Pierre Chozène, ancien Prix Goncourt, fait appel à Baptiste Mendy, un jeune imitateur de talent (Salif Cissé), pour répondre à sa place aux sollicitations qu’il reçoit par téléphone. Le subterfuge, censé lui donner la quiétude indispensable à la rédaction de son prochain roman, dérape vite devant les interlocuteurs que Baptiste se voit obligé de gérer : le père atrabilaire de Chozène, sa fille qu’un journaliste courtise, son ex-femme qui lui réclame une augmentation de sa pension alimentaire, une ancienne maîtresse avec laquelle Chozène aimerait renouer…

Je ne serais pas allé voir ce Répondeur si quelques amis cinéphiles ne me l’avaient chaudement recommandé et si le bouche-à-oreille n’en avait fait, depuis sa sortie début juin, l’un des succès inattendus de ce mois décidément plus riche qu’escompté. Je craignais de voir une énième comédie franchouillarde dont le pitch me semblait peu crédible. Sur ce point-là, je ne suis toujours pas convaincu : quand on est déconcentré par les appels téléphoniques incessants qu’on reçoit, fermer son téléphone me semble une stratégie plus astucieuse qu’embaucher un imitateur !

Mais je dois reconnaître à cette comédie plus de finesse que je ne l’imaginais. Elle le doit évidemment à ses deux acteurs vedettes. On ne présente plus Denis Podalydès qui se coule à merveille dans le rôle de ce célèbre écrivain qui retrouvera, grâce à la liberté que Baptiste lui permet, l’élan vital qui le quittait. Salif Cissé est moins connu. On l’a découvert chez Guillaume Brac (À l’abordage). On l’a revu dans plusieurs seconds rôles (Spectateurs !, Juliette au printemps, La Vie de ma mère). Il est pour la première fois en tête d’affiche et s’en sort très bien avec sa ronde gentillesse, son charme fou et, bien sûr, ses talents d’imitateur – même si la consultation du dossier de presse nous apprend qu’il est doublé la plupart du temps.

Le scénario, inspiré d’un livre récent dont je me demande s’il lui est fidèle, dénoue l’une après l’autre les intrigues secondaires qu’il a tissées : avec le père de Chozène, avec son ex (Laure Atika), avec sa fille (l’étonnante Clara Bretheau). Le Répondeur ne révolutionnera pas le cinéma ; on ne le lui demandait d’ailleurs pas. Mais il fait passer le bon moment qu’on escomptait – ou, en ce qui me concerne, que je n’escomptais pas…. et c’est tout ce qu’on lui demandait !

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Enzo a seize ans. Il est issu d’un milieu favorisé qui le pousse à faire des études. Mais Enzo a choisi contre toute raison de suivre un CAP maçonnerie et de travailler de ses mains. En stage sur un chantier, il se rapproche de Vlad, un  jeune maçon ukrainien, pour lequel il ressent une attirance trouble.

Laurent Cantet est mort en avril 2024 des suites d’un cancer sans avoir fini la réalisation de son dernier film. C’est Robin Campillo, son ami de toujours rencontré à l’IDHEC au début des années 80 et qui avait cosigné plusieurs scénarios de ses films, qui a mené la tâche à bien. Le geste, profondément émouvant, justifie déjà à lui seul le détour au risque d’hypothéquer l’objectivité de la critique qu’on peut faire de ce film.

Enzo a été tourné à La Ciotat, une ville qui, depuis les frères Lumière a été rarement filmée. Je ne connais guère que L’Atelier, un précédent film de Laurent Cantet justement, qui l’ait choisie pour cadre. Pourtant la lumière méditerranéenne y est belle, les vues sur mer paradisiaques et les hautes falaises de la calanque de Figuerolles particulièrement impressionnantes.

Enzo s’inscrit parfaitement à l’intersection des cinémas de Cantet et Campillo. Cantet est un réalisateur de la juste place (comme Annie Ernaux en littérature) : quelle est ma place se demandent les jeunes héros de Ressources humaines, d’Entre les murs ou de Arthur Rambo. Campillo, lui, est un réalisateur de l’homosexualité (Eastern Boys, 120 bpm). Leur Enzo est un adolescent, à peine sorti de l’enfance, qui cherche sa place et découvre son homosexualité.

Le sujet est intéressant et il serait bien injuste de lui reprocher d’être mal traité. En particulier les deux parents d’Enzo évitent la caricature dans laquelle ils auraient pu sombrer (Elodie Bouchez et Pierfrancesco Favino, l’un et l’autre impeccables). Il encourt toutefois selon moi deux critiques.

La première est son hypothèse de base. J’ai trouvé le personnage peu crédible. J’ai du mal à croire – la faute à mes préjugés de classe ? – qu’un garçon de seize ans puisse se prendre de passion pour la maçonnerie et tourner le dos à l’avenir privilégié que ses parents ont dessiné pour lui.

La seconde, la plus rédhibitoire, est le tempo languissant du film où il ne se passe hélas pas grand-chose au point qu’on s’y ennuie ferme.

PS : Qui aura reconnu les ruines romaines où a été tournée la dernière scène ? Réponse en mp

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La documentariste Alexe Poukine filme un ingénieux dispositif mis en place dans certaines facultés de médecine en Suisse, en Belgique et en France pour aider les soignants à faire leur travail. Il s’agit d’un atelier théâtral où ils sont placés dans des situations qu’ils rencontreront inévitablement dans leur vie professionnelle : l’annonce à un patient d’un diagnostic fatal, la conduite d’une anamnèse, l’attitude à tenir face à un homme lourdement dragueur, la gestion délicate de la compagne d’un malade en soins palliatifs qui refuse de le voir mourir…

Alexe Poukine tenait un sujet en or qu’elle n’a peut-être pas aussi bien exploité qu’elle aurait pu le faire. Son documentaire manque des explications nécessaires permettant d’en comprendre les situations. Le jeu de rôles qui y est filmé fait-il partie de la formation (initiale ? continue ?) des médecins et des autres personnels de santé (une séquence met en scène une jeune infirmière mise au défi de stabiliser une patiente psychotique hospitalisée contre son consentement) ? Sont-ils confrontés à des acteurs (amateurs ? professionnels ?)  ou bien à des collègues ?

Ce dispositif aurait pu être hypothéqué par sa triple artificialité. 1. Le soignant, qui sait que le patient auquel il est confronté joue un rôle, trouvera-t-il moins difficile de lui annoncer une tumeur maligne dont il sait qu’il n’est pas affecté ? 2. Lui tiendrait-il dans l’intimité du dialogue singulier médecin-patient le même discours que celui qu’il tiendra se sachant observé par ses pairs et par des évaluateurs ? 3. La présence intrusive d’une caméra ne rajoutera-t-elle pas encore à l’artificialité du dispositif ?

Pour autant, les participants ne semblent pas en être gênés. Leur malaise, leurs hésitations, leur émotion transpirent à l’écran. Et ils sont terriblement communicatifs. Le spectateur, en empathie complète, se demande à son tour quelle aurait été son attitude dans telle ou telle situation. Les maladresses de tel ou tel – ainsi de l’étudiant qui répond « très bien » quand sa (fausse) patiente lui dit que son père est décédé d’un cancer – rendent ces situations plus touchantes encore.

Sauve qui peut – un documentaire au titre intelligemment polysémique – a toutefois le défaut dans son dernier tiers de changer de cap et d’évoquer la crise systémique de l’hôpital et les sous-effectifs chroniques qui rendent les gardes harassantes, acculent les personnels au burn out et interdisent une prise en charge optimale des patients. Pour pertinent que ce procès soit, on l’a déjà trop souvent filmé dans d’autres documentaires chez Antoine Page (Toubib), Sébastien Lifshitz (Madame Hoffmann), Nicolas Peduzzi (État limite) pour qu’il n’ait pas un goût de resucée.

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Professeure de piano dans le Calvados, Blandine a de longue date décidé de venir à Paris assister aux épreuves de natation des Jeux olympiques pour soutenir son idole, la nageuse Béryl Gastaldello. Ce voyage, qu’elle aurait dû entreprendre avec l’amie qui vient de la quitter, est aussi pour elle l’occasion de renouer avec sa demi-soeur et de rencontrer sa nièce.

Présenté dans la section « Perspectives » du dernier festival de Berlin, Le Rendez-vous de l’été est le premier long d’une jeune actrice française passée derrière la caméra. Il rappelle les dispositifs d’Eric Rohmer et de ses héritiers de la Nouvelle nouvelle vague française (on pense en particulier aux moyens-métrages de Guillaume Brac tels que ceux rassemblés dans Contes de juillet).

Son actrice principale, Blandine Madec, au physique sans âge, est bien loin des canons de la jeune première. Encombrée d’elle-même, elle pourrait passer pour une simple, comme on le disait au siècle dernier des personnes affichant un retard mental. Sa gentillesse désarmante, sa passivité face aux aléas de la vie ne la rendent pas moins profondément touchante.

J’ai craint un moment que Le Rendez-vous de l’été ressemble à un long clip vidéo en l’honneur des JO. Mais le film ne se réduit pas à cette dimension-là, même s’il ressuscite un peu la liesse chaleureuse qui a accompagné cet événement, à rebours des pronostics ronchons de tous les pisse-vinaigre.

Le Rendez-vous de l’été est un film miniscule, par sa durée (1h17), par son propos, par son ambition. Il n’en demeure pas moins un film charmant de bout en bout auquel je n’ai pas réussi à trouver un seul défaut et auquel je serais bien injuste, malgré la modestie de son propos, de ne pas donner les étoiles qu’il mérite.

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Le groupe Kneecap est devenu célèbre au « nord de l’Irlande » (North of Ireland selon l’expression utilisée par les républicains irlandais). C’est un groupe de rap volontiers provocateur qui exalte l’âme gaélique et défie l’occupant anglais. Ses chansons et ses concerts défraient la chronique musicale et judiciaire. Il forme un trio hétéroclite : un professeur de musique et deux jeunes ex-dealers. Righ Peppiatt aurait pu leur consacrer un documentaire ; mais il a opté pour un film de fiction en confiant aux trois chanteurs leur propre rôle.

Les apprentis acteurs s’en sortent très bien donnant à leurs personnages une euphorisante énergie façon Trainspotting et une vraie épaisseur sociale façon Ken Loach. Ils sont servis par une mise en scène punk et parfois foutraque qui emprunte à plusieurs registres : la voix off, le film d’animation, les images d’archives (on voit la marche de 2017 pour la loi sur la langue irlandaise), les inserts ludiques, les personnages en pâte à modeler…

Le biopic musical que Kneecap raconte est éminemment politique. Il entend évoquer Belfast différemment de l’image de carte postale à laquelle l’Irlande du Nord (Northern Ireland selon le terme officiel britannique) est souvent réduite. Il décrit « les enfants du cessez-le-feu », cette génération qui a grandi après les accords du Vendredi saint de 1998 qui a mis fin à la Guerre civile en Irlande du nord. Le combat est autant culturel que social. Il passe par la promotion de la langue gaélique. Il se mène sur deux fronts que montrent bien deux personnages du film : d’un côté l’occupant britannique symbolisé par une policière sadique qui se révélera être la tante de la petite amie de l’un des chanteurs, de l’autre les Républicains « historiques » incarnés par le père d’un autre chanteur, interprété par Michael Fassbender (qui fut, on s’en souvient, un Bobby Sands de légende dans Hunger de Steve McQueen).

Malgré toutes ces qualités, d’où vient mon jugement bien sévère ? De ce que je me suis ennuyé devant ce film. Aussi intéressant que soit le contexte qu’il raconte, aussi sympathique que soit son trio d’acteurs, Kneecap, sous des airs faussement révolutionnaires, m’a semblé très conventionnel. Dernier bémol hélas tellement prévisible qui explique mon manque d’enthousiasme : le rap n’est pas ma tasse de thé, ni mon verre de bière.

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Coralie (Alison Wheeler) convainc non sans mal Stéphane (Baptiste Lecaplain) de rejoindre la petite troupe d’acteurs qui va jouer à Avignon dans le off la pièce de boulevard créée par Serge (Lyes Salem), son compagnon. Dans la cité des Papes, Stéphane recroise Fanny (Elisa Erka), une actrice à laquelle le succès sourit, qui y joue Ruy Blas. Pour la séduire, il prétend qu’il est venu à Avignon interpréter le rôle principal du Cid dans une mise en scène élitiste.

Avignon a emporté le Grand Prix au dernier festival du film de comédie de l’Alpe d’Huez. Il a eu les honneurs d’une projection en avant-première au Forum des images devant le Club AlloCiné. Il arrive aujourd’hui sur les écrans précédé d’un bouche-à-oreille qui laisse augurer le feel good movie de l’été et le jackpot au box office.

Il serait injuste de dire qu’Avignon n’est pas réussi. Il met en scène des acteurs attachants, pour la plupart venus du stand-up : Lyes Salem y est comme d’habitude impressionnant et Rudy Milstein, dans le rôle d’un régisseur pataud, y crève l’écran. Il a pour cadre le festival d’Avignon dont les coulisses, étonnamment, n’ont guère été filmées (à l’exception d’un sketch du dernier Strip-tease et des répétitions horripilantes d’Isabelle Huppert et de Fabrice Luchini). Il se présente enfin comme une déclaration d’amour au théâtre amateur, sans distinction de genre, qui réjouira tous ceux qui sont montés sur les planches et désinhibera les amateurs d’Au théâtre ce soir, raillés pour leurs goûts d’ilotes (le réalisateur dit avoir été influencé par Le Goût des autres de Bacri & Jaoui).

Le problème d’Avignon – et c’est un handicap de poids – est d’être une comédie pas drôle. Le jeu des acteurs a beau être « frais » (moi aussi je cède aux modes du temps en utilisant des expressions branchées dont je ne suis pas sûr pour autant de maîtriser le sens), les situations sont convenues, les quiproquos bien lourdauds et le sentimentalisme un peu mièvre.

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