Johnny a dix ans. Sa mère l’élève seule, avec son frère aîné et sa sœur benjamine. Mais le travail de sa mère dans un débit de tabac, sa vie sentimentale agitée et son penchant pour la bouteille obligent Johnny à assumer des responsabilités qui ne sont pas de son âge.
Johnny est en CM2 l’élève de Monsieur Adamski, un enseignant fraîchement débarqué à Forbach, en Moselle, près de la frontière allemande. Le jeune garçon, brûlant du désir d’apprendre, a tôt fait de devenir le « chouchou » de son maître que sa fragilité émeut.

Samuel Theis avait co-réalisé en 2014 un film exceptionnel, Party Girl, tourné à Forbach, et interprété par sa propre mère, Anéglique Litzenburger – qui fait un rapide caméo dans l’un des premiers plans de Petite Nature – qui racontait l’histoire d’une vieille prostituée en bout de course hésitant à se ranger des voitures. Huit ans plus tard, il réalise son second, toujours à Forbach et toujours en partie autobiographique. Samuel Theis ne cache pas en effet qu’il a mis beaucoup de lui dans le personnage de Johnny, un gamin issu d’un milieu difficile qui réussira – comme Samuel Theis lui-même – à s’élever par l’école.

Tel est en effet le premier sujet de Petite Nature qui m’a fait penser à Eddy Bellegueule que je suis étonné qu’aucune critique ne mentionne. Certes, Johnny est un chouïa plus jeune que l’Eddy d’Edouard Louis. Mais le milieu dont il vient est le même, pauvre et violent – même si la mère de Johnny est plus une Fantine qu’une Thénardier. Et Johnny comme Eddy rêve de le quitter – je vous laisse avec le dernier plan pour savoir s’il y parviendra.

Le deuxième sujet est l’Education. Il est incarné par Monsieur Adamski, le « maître » de Johnny. « Maître », un terme qui fleure bon sa IIIème République et dont je ne savais pas qu’il était encore utilisé dans les écoles primaires. Le personnage est incarné à la perfection par Antoine Reinartz, un acteur qu’on a déjà souvent vu (Arthur Rambo, Chanson douce, Roubaix, une lumière, 120 b.p.m., etc.), mais qui peine à se frayer un chemin jusqu’au haut de l’affiche. Son investissement dans son travail, l’attention qu’il porte au jeune Johnny, la générosité avec laquelle sa compagne et lui le prennent sous sa coupe devraient faire chaud au cœur à tous les enseignants qui s’y reconnaîtront peut-être et à tous les parents d’élève qui espèrent que les professeurs de leurs enfants lui ressemblent.

Le troisième sujet est diablement glissant. Les critiques que j’aie lues en font le moyeu du film alors que, selon moi, il n’en constitue qu’un des rayons. Il s’agit de l’attirance qu’éprouve Johnny pour son maître. On imagine d’abord que Johnny se cherche un père de substitution. On comprend bientôt qu’il y a plus que cela. Le film pourrait basculer dans le scabreux ou se retrouver dans l’impasse. Il réussit à l’éviter. Ce n’est pas la moindre de ses qualités.

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Ali (Adeel Akhtar) vient du Pakistan. Passionné de musique, cet ancien DJ ronge son frein en assurant la maintenance de quelques logements bon marché qui appartiennent à sa famille. Sa femme Runa est sur le point de le quitter ; mais il a obtenu d’elle qu’elle maintienne encore pour quelque temps l’illusion de leur union afin de donner le change à sa famille, très présente.
Ava (Claire Rushbrook) est assistante scolaire. La cinquantaine, d’origine irlandaise, elle vient de perdre son mari. Elle veille jalousement sur ses trois enfants, désormais majeurs, et sur ses petits-enfants.
Ali et Ava habitent Bradford, dans le nord minier et pluvieux de l’Angleterre, à quelques blocs de distance l’un de l’autre. Les hasards de la vie les feront se rencontrer.

Clio Barnard est une réalisatrice britannique dont le cinéma s’inscrit dans la veine naturaliste des Ken Loach, Jake Garvin (Hector), Francis Lee (Seule la terre), Paddy Considine (Tyrannosaur), Gaby Dellal (Une belle journée), etc. Le Géant égoïste en 2013 puis Dark River en 2017 avaient révélé son talent. Elle ne le force pas dans ce troisième film un peu trop convenu, qui zigzague entre comédie romantique et film social.

On sait par avance ce qu’il adviendra des deux héros, de l’attraction qu’ils éprouvent l’un pour l’autre, des obstacles qu’ils devront dépasser, Ali avec sa famille indienne conservatrice, Ava avec son fils qui a hérité d’un père néo-nazi sa colère et sa violence.

Ali & Ava est sorti une semaine seulement après Ils sont vivants qui mettait en scène un couple similaire. Le personnage de Béatrice, comme celui d’Ava, devait vaincre les préjugés de sa famille pour faire accepter Mokhtar, le réfugié iranien dont elle était tombée amoureuse. Ce hasard de calendrier a desservi Ali & Ava qui est déjà quasiment disparu des écrans une semaine plus tard.

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Georges (Gérard Depardieu) est une star de cinéma vieillissante qui vit seul dans sa luxueuse villa en plein Paris, mange trop, dort mal, peine à se souvenir du texte qu’il doit appendre pour son prochain film. Son seul lien avec le monde extérieur est Lalou, son garde du corps, qui doit s’abstenter quelques semaine pour enterrer son père au pays. Lalou est remplacé par une employée de la société chargée de la protection rapprochée de Georges : Aïssa (Déborah Lukumuena), une imposante jeune femme de vingt-quatre ans, qui pratique la lutte amatrice. Si Georges lui réserve un accueil plutôt frais, il va vite s’attacher à elle.

Constance Meyer a du culot. Pour son premier film, elle s’est lancé un double pari. Le premier est de filmer Gérard Depardieu, le monstre sacré du cinéma français, dans un rôle quasi documentaire : celui d’un immense acteur en bout de course. Le second est de lui opposer un autre personnage aussi « robuste » que lui, en la personne de la jeune actrice Déborah Lukumuena. Sacré culot de lui donner la moitié de l’affiche et d’y mettre son nom à égalité avec celui de notre Gégé national !

Robuste courait le risque de raconter une histoire cousue de fil blanc et courue d’avance. Ce risque là n’est qu’à moitié évité. Comme l’annonçait le pitch, Gérard (oups… je voulais dire Georges) et Aïssa vont lentement s’apprivoiser. Rien n’advient dans leur relation qui nous surprenne et qui, par conséquent, ne nous bouleverse.

En revanche, Constance Meyer relève haut la main le double pari qu’elle s’était lancée. Gérard Depardieu – si l’on oublie un instant ses inutiles provocations russo-dubaïotes – est impressionnant dans un rôle autobiographique qui évite tout à la fois la parodie, l’égocentrisme et l’auto-dépréciation. Déborah Lukumuena l’est peut-être tout autant. D’autres qu’elle se seraient laissés démonter face à la statue du Commandeur. Elle non. Reste toutefois à déterminer si son aplomb constitue une des nombreuses facettes d’un jeu qui en révèlera d’autres dans ses prochains films.

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Médéric (Jean-Charles Clichet) est un geek clermontois, maladroit et célibataire, amateur de course à pied. Alors qu’un attentat meurtrier vient de frapper la capitale auvergnate et que la paranoïa gagne ses habitants, Médéric noue une idylle improbable avec Isadora (Noémie Lvovsky), une prostituée dans la force de l’âge, aliénée par un mari violent.

Alain Guiraudie est un réalisateur hors normes. Communiste, homosexuel, aveyronnais, il s’est fait connaître en 2013 avec L’Inconnu du lac – dont l’affiche polémique avait été retirée à Versailles et à Saint-Cloud. En 2016, Rester vertical divisait la critique. Zéro étoile pointé dans mon blog et un commentaire lapidaire :  » Rester vertical est peut-être un bon film. Mais je l’ai détesté. »

Viens je t’emmène n’aura pas suscité de ma part une telle hostilité. Mon jugement n’en est pas pour autant enthousiaste.

J’ai trouvé en effet que les deux récits qui y étaient entremêlés peinaient à se rencontrer.

D’un côté, c’est l’histoire d’amour qui se noue entre un célibataire maladroit et une prostituée aux orgasmes retentissants. Cette histoire d’amour qui n’a rien de romantique est joyeusement dionysiaque. Elle est l’occasion de plusieurs scènes de sexe systématiquement interrompues par un facteur extérieur : le flash télévisé qui annonce l’attentat, l’arrivée impromptue du mari d’Isadora, un appel téléphonique de l’associée de Médéric (Dora Tillier méconnaissable), etc. Noémie Lvovsky, dans une improbable fourrure rouge renard, y prend, comme toujours, sa part à la perfection en jouant du charme gouailleur qu’elle possède.

De l’autre, c’est une histoire plus politique qu’Alain Guiraudie nous raconte en montrant le poison délétère que le terrorisme distille dans une ville de province qui se claquemure pour se protéger d’un meurtrier en cavale. L’action se recentre sur l’immeuble où habite Médéric et où il a accepté d’héberger temporairement Sélim, un jeune Maghrébin qui se dit à la rue et qui pourrait en fait être recherché par la police. Cet hôte inopiné excite les réactions contrastées des voisins de Médéric : certaines sont franchement haineuses, d’autres sont plus empathiques.

Alain Guiraudie avait la matière pour faire deux films, tout aussi stimulants l’un que l’autre. L’émulsion qu’il a essayé de concocter n’est pas franchement réussie.

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Deux années ont passé à Gotham City. Les élections municipales approchent qui opposeront le maire sortant et une jeune Afro-américaine réformiste. Batman, le justicier masqué, prend toujours sa part dans la lutte contre la criminalité qui gangrène la mégalopole ; mais sa tâche semble sans fin.
Un tueur sadique le défie, qui enchaîne les crimes, tous plus sadiques les uns que les autres, sur les hautes personnalités de la ville dont il dévoile la corruption. Pour le traquer, Batman  (Robert Pattinson) doit se muer en détective, avec l’aide de son toujours fidèle majordome (Andy Serkis), du lieutenant Gordon de la GCPD (Jeffrey Wright) et celle, plus inattendue, de Catwoman (Zoë Kravitz).

Batman revient. Si on compte bien, The Batman est le dixième film de la franchise Warner/DC Comics à lui être consacré. Je me souviens du premier, sorti en France en septembre 1989 et réalisé par Tim Burton. Michael Keaton (dont la ressemblance frappante avec Julien Lepers m’a toujours empêché de le prendre au sérieux) y endossait le costume, sans doute trop grand pour lui, de Bruce Wayne ; Jack Nicholson, dans le rôle du Joker lui volait la vedette. Après les deux films, oubliables et oubliés, tournés par le besogneux Joel Schumacher avec Val Kilmer et George Clooney, Batman connut sa plus incandescente incarnation à l’écran sous la direction de Christopher Nolan. The Dark Knight en 2008 constitue à ce jour le plus grand succès critique et public (un milliard de recettes au box-office à travers le monde !) de la saga, amplifié par l’aura funèbre que lui a conférée pendant la post-production le suicide de Heath Ledger, qui y reprenait le rôle du Joker.

Après Christopher Nolan, Zack Snyder a essayé, avec Ben Affleck, de mélanger Batman à d’autres personnages de son « univers » (les initiés parlent de crossover). Matt Reeves, révélé par Cloverfield et réalisateur de quelques unes des suites (ou des reboots ? mon esprit s’égare) de La Planète des singes, a été recruté après la défection de Ben Affleck qui a renoncé à passer derrière la caméra tout en interprétant le rôle titre. C’est Robert Pattinson, le chouchou de ses dames, qui lui succède dans une prestation hélas bien fade. Quelques acteurs célèbres l’entourent mais sont tellement grimés qu’on les reconnaît à peine : ainsi de Colin Farrell méconnaissable dans le rôle du Pingouin (j’ai un instant cru qu’il s’agissait de Robert de Niro).

Cette longue introduction pour dire que le dixième Batman arrive sur nos écrans après une longue et pénible gestation, un tournage interrompu en plein Covid en mars 2020, qui reprit en septembre avant que Robert Pattinson ne contracte le Covid, pour s’achever début 2021 seulement et une post -production de près d’un an.

Le jeu en valait-il la chandelle ? Hélas non.
Certes, The Batman prend le pari osé de la sobriété et du retour aux sources. On est loin des délires pyrotechniques des films les plus mirobolants de l’univers cinématographique Marvel. Le scénario gagne en profondeur, rappelant les chefs d’oeuvre du film noir des années cinquante. L’intrigue en a la même complexité sinusoïdale, les ambiances, pluvieuses et nocturnes, sont tout aussi envoutantes. Mué en détective, Batman porte la cape comme Humphrey Bogart le trench coat et affiche la même impassibilité stoïcienne.

Le film dure 2h55. Ce serait lui faire un reproche injuste de lui reprocher sa longueur excessive. car le scénario est suffisamment bien rythmé et recèle suffisamment de rebondissements pour qu’on ne regarde pas sa montre. Mais si le plaisir qu’on prend sur le moment est grand, la marque que laisse The Batman se révèle, dès la sortie de la salle, bien fugace, comme ces vins californiens trop charpentés à la majestueuse attaque mais cruellement dépourvus de longueur en bouche.
J’ai vu The Batman hier soir ; je peine à m’en souvenir ce matin ; je l’aurai oublié demain….

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Le documentariste suisse Gabriel Tejedor est allé planter sa caméra à Magnitogorsk, à la frontière de l’Europe et de l’Asie, dans cette immense cité sidérurgiste. Pendant plus d’une année, il a attaché ses pas à ceux de trois familles et en a filmé la vie quotidienne.

Après deux documentaires inédits en France, le premier en 2014 sur l’ancien bagne de la Kolyma, le deuxième en 2017 sur les élections présidentielles en Biélorussie, Gabriel Tejedor poursuit son exploration impressionniste des débris de l’ancien empire soviétique. Son documentaire ressemble beaucoup à celui sorti il y a trois ans de François-Xavier Destors dans la cité minière de Norilsk, au nord du cercle polaire arctique.

L’un et l’autre décrivent un environnement ingrat, une immense cité industrielle bâtie au milieu de nulle part, toute entière organisée autour d’une seule fonction : la production métallurgique. Le climat y est extrêmement ingrat – les minimas hivernaux à Magnitogorsk sont presqu’aussi rigoureux qu’à Norilsk – et la pollution y fait des ravages. Si les salaires confortables garantissent un revenu supérieur à celui que touchent les salariés dans le reste de la Russie, c’est bien là le seul avantage comparatif de la vie dans ces cités ouvrières sans charme.

Après le long plan séquence qui ouvre sur le film en circulant dans un paysage industriel steam punk encombré par un amas tentaculaire de tuyaux et de conduites, Kombinat s’éloigne de l’usine – où Gabriel Tejedor n’a peut-être pas eu toutes les autorisations de tournage – pour se focaliser sur la vie quotidienne de trois familles de Magnitogorsk. Lena, fille de métallurgistes, y dirige un cours de salsa avec son compagnon. Sasha est un de ses élèves les plus fidèles. C’est un métallurgiste pur et dur, marié, père d’une adolescente boudeuse, dont ces séances de danse semblent être le seul rayon de soleil dans une vie de dur labeur. Son frère Guenia est métallurgiste comme lui. La fille de Guenia semble souffrir d’un retard mental qui l’incite avec son épouse à organiser son départ de Magnitogorsk pour un environnement moins hostile.

Alors que la Russie est au centre de l’actualité, Kombinat nous donne l’occasion de plonger dans la vie quotidienne de Russes ordinaires. Leur vie banale ne donne guère l’occasion de longues discussions politiques. On ne saura guère ce qu’ils pensent de leurs dirigeants, non pas que la censure les fasse taire, mais simplement parce qu’ils ne s’en préoccupent pas. Tout au plus, voit-on dans leur quotidien (les émissions télévisées qu’ils regardent, les slogans volontaristes que diffuse MMK, la société propriétaire de l’usine, et les fêtes qu’elle organise) des signes de l’embrigadement dont ils sont l’objet. Comme au temps glorieux du communisme, les mêmes valeurs sont exaltées, recouvertes d’une large couche de chauvinisme patriotique.

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Cassandre (Adèle Exarchopoulos) a vingt-six ans. Elle est hôtesse de l’air dans une compagnie low cost basée aux Canaries. Chaque jour, elle répète la même routine : elle se maquille, tire ses cheveux dans un chignon impeccable, endosse son uniforme et arbore un sourire de façade pour servir un mauvais café à des hommes d’affaires méprisants ou des touristes alcoolisés. Le mutisme de Cassandre est l’armure qu’elle s’est construite pour soigner une blessure enfouie.

Le premier film d’Emmanuel Marre et de Julie Lecoustre réussit un pari enthousiasmant : nous entraîner dans le monde si particulier d’une profession jamais, à ma connaissance, filmée à l’écran et pourtant si photogénique, les PNC. Qui prend l’avion, pour son travail ou ses loisirs, a un jour ou l’autre croisé des hôtesses de l’air ou des stewards, a admiré leur parfaite élégance et s’est gentiment moqué du flegme inaltérable avec lequel ils présentent des consignes de sécurité que personne n’écoute. Une question demeurait sans réponse : qu’y a-t-il derrière le chignon impeccable et le sourire Ultra Brite ?

Les deux premiers tiers du film sont remarquablement réussis qui suivent pas à pas Cassandre d’un vol à l’autre. Le danger était de sombrer dans les clichés en enchaînant les anecdotes attendues : l’alcoolisme dégobillant d’un passager ivre, la drague insistante d’un autre, les bagages trop volumineux d’une famille qui a refusé de les enregistrer en soute, etc. Or, les anecdotes que choisit de raconter Rien à foutre ne sont pas celles auxquelles on s’attend : celle par exemple de cette jeune passagère à laquelle on exige le règlement d’un supplément bagage dont elle n’a pas les moyens de s’acquitter, celle de cette passagère plus âgée dévorée de chagrin et que Cassandre essaie de réconforter…

Rien à foutre insiste surtout sur les conditions de travail ingrates auxquels sont soumis ces personnels, écartelés entre les impératifs de sécurité qu’ils sont censés faire respecter et des objectifs commerciaux qui constituent en fait leur principal intérêt du point de vue de la compagnie qui les emploie et qui veut compenser les prix écrasés des billets qu’elle vend par les ventes effectuées à bord. Sont particulièrement rudes les face-à-face de Cassandre avec son supérieur comparés aux scènes les plus dures de Stéphane Brizé et de Vincent Lindon qui, elles, semblent bien douces.

Le défaut de Rien à foutre est de s’écarter de son sujet dans son dernier tiers. Pour comprendre la psychologie de son héroïne, le film quitte les aéroports et les tarmacs pour un long retour au pays natal, dans une Belgique pluvieuse. On y apprend le drame qui vient de frapper Cassandre et on l’accompagne dans sa lente cicatrisation. Cette dernière partie n’est pas calamiteuse ; mais elle est beaucoup plus convenue que la première dont les réalisateurs n’auraient pas dû dévier.

Rien à foutre ne m’aura pas enthousiasmé, même si j’allais le voir avec un biais très subjectif pur Adèle Exarchopoulos que j’adore. Une scène du film l’a sauvé, en son milieu, assez stupéfiante. Vous a-t-elle autant frappé que moi ?

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