La Vache ★★☆☆

Un paysan algérien  traverse la France à pied pour participer au Salon de l’agriculture où sa vache a été autorisée à concourir.
On imagine volontiers le scepticisme des producteurs auxquels le réalisateur Mohamed Hamidi est allé présenter son projet. Et on admire d’autant plus leur audace à avoir accepté de financer ce feel-good movie qui, grâce à un bouche à oreille enthousiaste, s’est transformé en succès public début 2016.
Comme Fernandel et Marguerite, Fatah et Jacqueline marchent. Leur parcours est ponctué de rencontres : un beau-frère à Marseille qui a fait sa vie en France contre l’avis de sa famille (Jamel Debbouze à contre-emploi), un comte désargenté qui n’a plus les moyens d’entretenir son domaine (Lambert Wilson), des agriculteurs en colère qui déversent des seaux de purrin devant la sous-préfecture… Pendant ce temps, au bled, en Algérie, la famille et les amis suivent à distance la progression de Fatah et de sa vache‎.
« La Vache » n’est pas un chef d’œuvre et n’en a pas la prétention. Sa modestie revendiquée n’est pas le moindre de ses atouts. Du coup, on pardonne aux personnages qui frisent la caricature, à l’intrigue prévisible. Et on se laisse porter par la joie communicative de son épilogue.La bande-annonce

Zootopie ★★★☆

Dans le monde de l’animation, il y a Pixar… et il y a les autres.
Rachetée par Walt Disney‎, la fine équipe qui avait révolutionné le monde de l’animation il y a une vingtaine d’années n’a rien perdu de sa créativité.
Elle en fait une fois de plus la preuve.
Là où les autres studios se contentent d’enfiler les sequels comme on enfile les perles (voir l’affligeante succession des ‎Kung-Fu panda ou des Ice Age), Pixar se réinvente à chaque film.
Dans Zootopia, les disciples de John Lasseter invente un univers peuplé de toutes les espèces animales et menacé par la discorde. Toute allusion à l’Amérique du melting pot et de son vivre-ensemble ne serait pas tout à fait fortuite.
C’est à une lapine maline, associée à un renard débrouillard, qu’incombera‎ la responsabilité de rétablir la paix civile.
‎Les plus jeunes adoreront la musique de Shakira. Les autres apprécieront la voix sexy de Idris Elba (le futur James Bond ?), les références au Parrain et à Breaking Bad ou la citation de FD Roosevelt. Tous riront aux larmes à la scène du paresseux, qu’une bande annonce hors norme avait déjà rendu célèbre.

La bande-annonce

Crache cœur ★★☆☆

Des coming-of-age movies, on en a vu treize à la douzaine. Ces films qui décrivent l’adolescence – évidemment compliquée – des garçons et plus encore des filles, on en a vu dans le cinéma français autant sinon plus que dans le cinéma américain qui n’en est pourtant pas avare (Juno, Boyhood, Le Lauréat, Ghost World, Virgin Suicides…) Certains constituent d’ailleurs des réussites remarquables et remarquées : La Vie d’Adèle, Gangs de filles ; d’autres, qui n’ont pas connu un tel succès, l’auraient mérité : Naissance des pieuvres (qui révéla Adèle Haenel), L’Année suivante (qui révéla Anaïs Demoustier), Dans les cordes (qui révéla Soko), Belle Épine (qui révéla Léa Seydoux), Respire (qui ne révéla personne)…

La jeune réalisatrice Julia Kowalski courait le risque de voir son premier film comparé à ces belles – et nombreuses – réussites. Elle ne réussit qu’à moitié à relever ce défi.

À son crédit, un parti pris original : l’anti-LOL ou, pour le dire autrement, le refus de filmer une jolie adolescente, fraîche et désirable. Loin des clichés, Rose (Liv Henneguier) est une ado revêche et mal dans sa peau, autrement plus crédible que les héroïnes stéréotypées que le cinéma américain nous a trop souvent servies. Son désir peine à se fixer : est-elle attirée par Roman, le bad boy du lycée ? ou par le père de celui-ci recruté pour refaire le rez-de-chaussée de sa maison ?

À son débit, des personnages secondaires trop stéréotypés (le père compréhensif, la meilleure copine girly) et une intrigue qui se conclut, comme tous les films du genre, de manière hélas trop prévisible, avec une héroïne plus forte des expériences traversées.

La bande-annonce

Un jour avec, un jour sans ★★☆☆

Un jour avec, un jour sans, c’est Smoking, No Smoking made in Korea. Ou, pour le dire autrement à ceux qui auraient oublié le César du meilleur film 1994, deux versions d’une même histoire.

Cette histoire est la même que celle que raconte Hong Sang-soo dans tous ses films  : un homme rencontre une femme. Ici un réalisateur de cinéma – double autobiographique de l’auteur – qui, arrivé un jour trop tôt au festival où il présente son film, fait la connaissance, au détour de la visite d’un temple, d’une artiste-peintre.

L’histoire de cette rencontre, sans grand intérêt ni rebondissement dramatique, traîne en longueur pendant près d’une heure. À ce stade, je n’étais pas loin de partager le coup de gueule du Nouvel Obs : « Vaut mieux rester à la maison regarder le robinet goutter. Au moins, il se passe quelque chose. » Ou, comme je l’avais écrit dans ma critique d’un précédent film de Hong San-Soo : « On s’ennuie, mais avec élégance. »

Or le film s’arrête… pour recommencer. La même histoire se répète. La même ? pas tout à fait. Et on se prend à chercher les différences – en essayant tant bien que mal, bien que le sommeil gagne, à se remémorer la première partie du film. Hong San-soo est beaucoup trop subtil pour que les deux parties s’opposent pièce à pièce. Contrairement à ce que le titre pourrait laisser penser, il ne s’agit pas de raconter une histoire qui tourne mal, puis la même qui tourne bien. Il s’agit au contraire, par des voies différentes, d’arriver au même résultat. Ou par les mêmes voies d’arriver à un résultat différent.

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Ce sentiment de l’été ★★★☆


Ce sentiment de l’été, c’est d’abord la nostalgie de ce qui était et qui n’est plus. Ce sentiment de l’été est un très beau film lacanien sur le « travail de deuil ». Sur le chemin de son bureau, Sasha, trente ans à peine, tombe, terrassée par un mal dont on ne saura rien (AVC ? crise cardiaque ?). Son décès subit laisse en miettes un compagnon et une sœur cadette qui doivent lentement réapprendre à vivre. Le film annonce leur inéluctable rapprochement mais son épilogue nous évitera cette conclusion cousue de fil blanc.

Ce sentiment de l’été, c’est aussi, comme Conte d’été de Rohmer, au pied de la lettre, un film de saison. Son histoire se déroule l’été, à trois ans d’intervalle, dans trois villes différentes : Berlin où Sasha travaillait, Paris où sa sœur habite et New York d’où son compagnon est originaire.

L’originalité assumée du scénario tient dans cette tension : comment filmer la mort dans la torpeur estivale ? comment filmer le deuil dans la liesse vacancière ? Avec une grande subtilité, Mikhaël Hers parvient à maintenir son film sur un fil. Le fil paradoxal d’un chagrin lumineux et d’un retour à la vie nostalgique.

La bande-annonce

 

Dans ma tête un rond-point ★☆☆☆


La production cinématographique en provenance d’Afrique du Nord connaît une vitalité qu’il est difficile de ne pas relier aux « printemps arabes ». En témoignent les succès polémiques de Much loved (Maroc), À peine j’ouvre les yeux (Tunisie) ou Après la bataille (Égypte).

Par construction, l’Algérie, qui n’a pas connu son « printemps arabe », devrait occuper une place à part dans ce paysage. Pourtant, elle aussi voit surgir depuis quelques années des œuvres, documentaires ou de fiction, qui portent sur la société un regard étonnamment critique. Mention spéciale aux films réalisés par Merzak Allouache : Les Terrasses (2013) et Nadir Moknèche : Le Harem de Madame Osmane (2000), Viva Laldjérie (2004) et Délice Paloma (2007). Et aux documentaires de Malek Bensmaïl : La Chine est encore loin (2008) et Contre-Pouvoirs (2015).

Le documentaire de Hassen Ferhani s’inscrit dans ce courant. Il a été entièrement tourné aux abattoirs d’Alger. Pourtant, rien n’est dit sur le travail de la viande. C’est aux hommes et à leur vie que le réalisateur s’intéresse, non aux animaux et à leur mort. Ville dans la ville, les abattoirs sont un microcosme de la société algérienne. On y parle d’amour et de politique, de musique et de football.

La lenteur de la mise en scène doit nous faire toucher du doigt l’immobilisme de l’Algérie contemporaine. Le problème est que l’immobilisme n’est pas une qualité cinématographique. Intrigué pendant la première partie du film, on s’ennuie ferme pendant la seconde.

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Homeland : Irak année zéro ★☆☆☆

D’une guerre, on connaît la plupart du temps les circonstances qui l’ont provoquée, les combats qui l’ont rythmée, les faits d’armes, glorieux ou insignifiants, qui l’ont marquée. En revanche, reste méconnue la vie des vrais gens. Cette méconnaissance est lentement levée, s’agissant par exemple de la Seconde Guerre mondiale. Les cinéastes, comme les universitaires, après avoir étudié l’histoire politique et militaire, se sont mués en sociologues : Lacombe Lucien (sur un scénario de Patrick Modiano) ou la série Un village français nous rendent palpables les dilemmes des « vrais gens » sous l’occupation allemande.

Cette méconnaissance reste profonde encore s’agissant des conflits récents qui ont opposé l’occident à d’autres régions du monde. Comment vivaient les Ivoiriens pendant l’opération Licorne ? les Libyens pendant l’opération Harmattan ? Grâce à Abbas Fahdel, le voile se lève (au propre comme au figuré) sur la vie de la classe moyenne irakienne avant et après l’invasion américaine de 2003. Le documentariste franco-irakien a planté sa caméra chez sa sœur, à Bagdad, captant les faits quotidiens les plus banals d’une famille élargie : un père, une mère, cinq enfants, dont le petit Haidar, le plus jeune, le plus turbulent, dont on apprend vite le destin fatal, d’innombrables cousins…

Abbas Fahdel rend palpable des sentiments très simples : l’attente de la guerre, les préparatifs avisés (creuser un puits dans le jardin pour s’assurer un approvisionnement en eau potable, envoyer les enfants en province auprès de leurs cousins) ou risibles (acheter des couches-culottes… pour se protéger des attaques chimiques), les réactions à la victoire américaine qui oscille entre le soulagement d’être débarrassé de Saddam Hussein et de son régime tyrannique, et très vite l’inquiétude face à l’insécurité grandissante et la rancœur face aux promesses non tenues.

Tout cela est très bien venu, filmé avec beaucoup de finesse. Mais pourquoi ce documentaire doit-il durer cinq heures vingt-quatre? Qu’apporte au propos de l’auteur cette durée hors norme, excessive ? N’aurait-il pas pu en dire autant, ou à peine moins, en l’amputant de deux ou trois heures ?

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Deadpool ★☆☆☆

Avec plus de 3,7 millions d’entrées, Deadpool comptera probablement parmi les dix meilleurs films au box-office 2016 en France (devant The Revenant et derrière… Les Tuche 2... soupirs). Un film de super-héros de plus du même acabit que Avengers, X-Men ou Spider-Man ? Ou un délire comique de la trempe des plus drolatiques comédies de Judd Apatow et consorts ?

En fait un peu des deux. Deadpool est un personnage secondaire des X-Men auquel est consacré un film entier. Il commence par une scène spectaculaire, un carambolage sur une autoroute filmé avec virtuosité. Mais, après un long flash-back expliquant comment on en est arrivé là, le film retrouve des chemins balisés : Deadpool, aidé de deux X-Men, veut libérer sa fiancée kidnappée par deux méchants très méchants.

Quant à l’humour de Deadpool parlons-en. Il n’est pas facile à comprendre. La VO va à tout à l’allure. Et je ne suis pas sûr d’avoir l’esprit suffisamment vert pour apprécier encore les blagues pipi caca.

Loin de révolutionner le film de super-héros, Deadpool confirme son évolution vers une forme moins sérieuse, moins premier degré. L’humour et l’autodérision qui affleuraient déjà mais n’étaient qu’accessoires dans les premiers films de super-héros en deviennent désormais des composantes essentielles dans Kick-Ass ou Les Gardiens de la Galaxie au point de reléguer l’intrigue au second rang. Deadpool ne fait rien d’autre.

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Nahid ★★★☆


Je n’ai jamais mis les pieds en Iran ; mais grâce à Jafar Panahi (Sang et Or, Hors jeu, Taxi Téhéran), Asghar Farhadi (Une séparation, À propos d’Elly), Mehran Tamadon (Iranien), Sepideh Farsi (Red Rose), ce pays m’est devenu familier. Ou plutôt une certaine image de l’Iran filmé par des cinéastes jouant au chat et à la souris avec la censure.

À cette liste déjà longue de réalisateurs sensibles et critiques, il faut ajouter Ida Panahandeh qui signe à 35 ans son premier film. Celui-ci a reçu un accueil chaleureux à Cannes dans la section Un certain regard.

La filiation avec le film berlino-césaro-oscarisé d’Asghar Farhadi est évidente. Elle ne se réduit à son interprète principale, l’émouvante Sareh Bayat, et à son distributeur. Une séparation évoquait – notamment – un divorce. Nahid commence là où Une séparation se termine. C’est l’histoire de l’après-divorce. L’héroïne, Nahid, a obtenu la garde de son fils, un adolescent turbulent, à la condition de rester célibataire. Mais elle  rencontre Masoud et en tombe amoureux.

L’Iran n’a pas le monopole des violences faites aux femmes. Avec Le Procès de Viviane Amsalem, Ronit Elkabetz avait peint les difficultés d’une femme israélienne pour divorcer selon la Loi juive.

Nahid aurait pu être un énième film à charge contre l’étouffement dans lequel la société iranienne maintient les femmes. Il évite cette simplicité en peignant un portrait de femme autrement plus subtil. Car Nahid n’est pas une sainte. Loin de là. Elle ment à son propriétaire qui lui réclame son loyer. Elle met à la porte son fils qu’elle ne supporte plus. Elle vole jusqu’à sa propre mère, avant d’être prise de scrupules. Au contraire, Masoud, est un ange de patience, qui offre à Nahid son amour et son argent sans rien attendre en retour.

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Tempête ★★★☆


La pêche hauturière, le « grand métier » est décidément un sujet à la mode. Après Léviathan et Seuls, ensemble, deux documentaires l’un et l’autre remarquables sur la dureté de ce métier exercé sous les plus septentrionales latitudes, c’est par le biais de la fiction qu’il nous est présenté. Une fiction très documentée, qui refait jouer à un père et à ses deux enfants leur véritable histoire.

Dominique, dit « Dom », pratique le « grand métier » : une marée de deux semaines, deux jours de repos à terre, en Vendée, et le départ à nouveau. Difficile dans ses conditions pour lui de mener une vie de famille. Il vient de divorcer et peine à conserver avec sa fille et son fils des liens normaux. Lorsque son aînée tombe enceinte, la juge aux affaires familiales lui intime de renoncer à son métier s’il veut conserver la garde de ses enfants. Dom décide alors de s’installer à son compte et d’acheter un bateau qu’il pourra sortir selon un agenda plus compatible avec une vie de famille.

Samuel Collardey – dont j’avais beaucoup aimé les deux premiers films L’apprenti et Comme un lion – cadre au plus près son personnage, avec une empathie et une humanité qui rappellent le cinéma social d’un Maurice Pialat ou d’un Ken Loach. Dominique Leborne, dans son propre rôle, est une révélation. Le prix Orrizonti du meilleur acteur qui lui a été attribué à Venise était amplement mérité. Ses faux airs de Reda Kateb, son sourire lumineux, sa « résilience » aux malheurs de la vie – pour utiliser un terme à la mode – font merveille.

Tempête a un titre trompeur. Pas de catastrophe dans le vie de Dom. Mais une suite de difficultés qu’il a du mal à résoudre. Une fois sur les rails, le film aurait pu sans forcer son talent s’acheminer jusqu’à un happy end convenu et attendu. Il évite cette facilité et se conclut de façon surprenante.

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