La Filmothèque du Quartier Latin programme une rétrospective Coppola. C’est l’occasion de revoir ses palmes d’or (Le Parrain, Apocalypse now) et de combler les trous de sa filmographie.

C’est l’occasion surtout de réaliser la richesse de la filmographie de ce monstre sacré du Nouvel Hollywood écrasé par le prestige de ses deux chefs d’œuvre et souvent réduit à eux seuls.

Francis Ford Coppola fut aussi le peintre de l’Amérique des 60ies qu’il décrit avec une vingtaine d’années de décalage nimbée dans une aura nostalgique. Peggy Sue s’est mariée est sans doute le film le plus emblématique de cette veine ; mais le binôme Outsiders/Rusty James s’y rattache aussi. Tournés au début des années 80, ces deux films, adaptés de deux romans du même auteur, S.E. Hinton, peignent l’Amérique profonde, sa jeunesse désœuvrée, ses gangs qui s’affrontent dans des joutes puériles qui parfois tournent mal. Ces films-là souffrent de la notoriété de leurs illustres prédécesseurs : La Fureur de vivre, West Side Story…

Tourné une décennie plus tôt en 1969 sur la base d’un scénario qu’il avait lui-même écrit, Les Gens de la pluie appartient à un genre différent. Il a un parfum cassavétien. Son histoire se réduit à pas grand chose : une femme enceinte étouffe auprès de son mari et décide brutalement de le quitter. Sur la route, elle prend en stop un ancien joueur de football américain trépané à la suite d’un grave accident.

Quand il tourne Les Gens de la pluie, Coppola n’a pas encore trente ans. Mais il fait déjà preuve d’une étonnante maturité dans la façon de placer sa caméra, dans le montage de son film, dans l’utilisation de la musique. Autre qualité de Coppola : savoir s’entourer d’excellents acteurs et faire éclore leur talent. James Caan et Robert Duvall encore tout jeunes sont à l’affiche des Gens de la pluie. Matt Dillon, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estevez et Tom Cruise dans un rôle minuscule sont, pardonnez-moi du peu, à celle d’Outsiders, à l’aube de brillantes carrières.

La bande-annonce des Gens de la pluie
La bande-annonce de Outsiders

À une époque indéterminée qui pourrait être la nôtre ou quarante ans plus tôt, un virus dangereux se répand. Il calcifie lentement ses victimes les transformant inexorablement en statue de marbre. Il se transmet par le sang.
Alpha (Melissa Boros) a treize ans. Sa mère (Golshifteh Farahani) panique le jour où Alpha revient d’une soirée un tatouage sur le bras, peut-être dessiné avec une aiguille infectée. L’oncle d’Alpha (Tahar Rahim) toxicomane est rongé par la terrible maladie.

Alpha a fait beaucoup parler de lui. C’est le troisième long-métrage de Julia Ducournau dont Grave, le premier, avait suscité un grand vent d’air frais dans le cinéma gore et dont le deuxième, Titane, avait remporté la Palme d’or en 2021. Autant dire qu’Alpha, en sélection en mai dernier à Cannes, était attendu au tournant. Les festivaliers ont eu la dent dure qui l’ont taillé en pièces.

Ils n’avaient pas totalement tort. Alpha a beaucoup de défauts. Des défauts qu’on aurait passés à un premier film d’un réalisateur inconnu mais qu’on ne pardonne pas au film qui suit immédiatement une Palme d’or. D’autant qu’il s’agit de défauts réparables : une musique envahissante, des effets spéciaux ratés, des scènes mal filmées (celle par exemple où la mère d’Alpha essaie d’endiguer la foule de patients qui se pressent devant l’hôpital). Le principal est peut-être d’avoir voulu trop en mettre : la maladie et la peur de l’épidémie, le harcèlement scolaire, la toxicodépendance, la monoparentalité, l’homosexualité et l’homophobie…. C’est beaucoup. C’est trop pour un film qui trop embrasse et mal étreint.

Mais ils n’avaient qu’à moitié raison. Alpha n’en a pas moins en effet plusieurs qualités. Le premier est l’originalité de son scénario qui, sans l’identifier clairement, reconstitue la chromatique marronnasse des années SIDA, en y laissant planer, avec cette poussière rouge omniprésente, des airs de fin du monde. Il vaut aussi par sa direction d’acteurs. Il faut saluer la révélation Melissa Boros, mais surtout l’interprétation incroyable de Tahar Rahim, méconnaissable, qui a perdu vingt kilos pour le rôle. Il mérite haut la main le prochain César du meilleur rôle masculin.

Sans doute Alpha n’est-il pas au niveau de Grave ou de Titane. Mais il n’en est pas moins un film (d)étonnant qui mérite d’être vu… en attendant le prochain de Julia Ducournau.

La bande-annonce

Ruth Goldman est une octogénaire encore ingambe qui, après avoir toute sa vie travaillé en cuisine, aime encore mitonner de savoureux repas. Mais, souffrant d’Alzheimer, elle doit quitter son domicile pour aller finir ses jours dans une luxueuse maison de retraite.

Le pitch d’À feu doux n’a rien de bien euphorisant. On se demande quel public il vise sinon le troisième âge. J’étais d’ailleurs quasiment le plus jeune spectateur de la salle hier soir – ce qui m’arrive de plus en plus rarement. Sans doute faut-il avoir, avoir eu ou être sur le point d’avoir un parent en EHPAD pour y être particulièrement sensible. Tel est mon cas hélas.

Le sujet de la vieillesse et de la dépendance est à la mode : Un beau matin, Tout s’est bien passé, Falling, Supernova, The Father… Pour moi, le meilleur film sur ce thème reste Loin d’elle de Sarah Polley, adapté d’une nouvelle de Alice Munro, prix Nobel de littérature. Son héroïne, frappée par la maladie d’Alzheimer, est placée en maison de retraite par son mari dont elle perd inexorablement le souvenir, au point de tomber amoureuse d’un autre résident.

Rien de tel dans À feu doux même si Ruth y ressent la frustration du sevrage de toute sensualité et y vibre au seul contact de la main de son docteur. Avec une grande finesse, Sarah Friedland, qui s’est longuement documentée, montre la lente dégradation des fonctions cognitives de Ruth, par exemple dans sa façon de choisir son vêtement et de le passer.

Cette précision documentaire est d’ailleurs paradoxalement le principal défaut du film, qui lentement égrène les différents symptômes de la maladie et ses stades successifs. Je me suis demandé comment il se terminerait et comment il traiterait l’issue inéluctable de cette fatale trajectoire. Je n’aurais pas aimé qu’il se close avec son avant-dernière scène trop optimiste et j’ai apprécié qu’on lui rajoute la toute dernière.

Mais de toutes, c’est la première qui ouvre le film que j’ai trouvée la plus intéressante. On y voit Ruth préparer un repas et accueillir un invité dont elle a manifestement perdu la mémoire de l’identité. On comprendra ensuite qu’il s’agit de son fils et de son dernier repas chez elle avant son départ pour cette maison de retraite dont elle ne sortira plus. L’écriture de cette scène est remarquable car elle semble construite sur un double mystère (qui est cet invité et vers quelle destination se rendent ils ?) qui n’en est pas un pour tous les spectateurs qui connaissent déjà le sujet du film. « Je fais semblant de croire que vous ignorez ce que vous savez déjà » pourrait être le non-dit de cette scène maligne.

La bande-annonce

Sarah, une kickboxeuse en fin de carrière, se voit proposer de coacher en Jordanie les trois sœurs d’un richissime homme d’affaires. Arrivée sur place, elle découvre vite que ses élèves ont peu d’appétence pour la discipline qu’elle est censée leur enseigner et cherchent plutôt à faire d’elle la complice du plan d’évasion qu’elles sont en train de préparer.

Moon (Lune) est un film au titre passablement incompréhensible – sinon que la réalisatrice, autrichienne d’origine kurde, avait intitulé son film précédent, inédit en France Sonne (Soleil). Son sujet est sacrément original et sa bande-annonce m’avait donné envie de le voir.

Dans quel sens Moon allait-il tirer son point de départ ? vers le portrait, en se focalisant sur le personnage de Sarah ? vers le thriller, son enjeu étant les modalités et l’issue de ce plan d’évasion ? vers le drame, la focale étant plutôt l’opposition entre ces sœurs et leur frère ? vers le film politique ou féministe, en décrivant une société musulmane qui dénie toute autonomie aux femmes ?

Le problème est que Moon ne prend jamais vraiment son parti et s’arrête entre deux eaux. Le scénario avait pourtant des ficelles à tirer. Il n’en tire aucune et s’enlise vite. Sa fin est particulièrement déconcertante. Se plaindre des canons hollywoodiens qui imposent qu’il soit répondu à chaque question posée n’autorise pas pour autant à laisser le spectateur dans le noir le plus complet, seul face à ses interrogations.

La bande-annonce