Collin est Noir. Il est, pour trois jours encore, en liberté conditionnelle et doit se soumettre à une stricte discipline pour espérer retrouver une vie normale. Son meilleur ami, Miles, un Blanc d’origine hispanique, qui n’a pas les mêmes raisons que Collin de craindre les foudres de la justice, l’entraîne sur la mauvaise pente. Alors qu’il enfreint le couvre-feu auquel il est assujetti après une nuit de beuverie, Collin est le témoin involontaire de violences policières : les dénoncer mettrait en péril sa conditionnelle mais ne rien dire serait une insulte à l’exigence de justice.

Le résumé que je viens de faire de Blindspotting pourrait laisser penser qu’il s’agit d’un thriller autour d’une bavure policière et du dilemme dans laquelle elle place son héros. Or Blindspotting n’est pas cela, ou plutôt n’est pas que cela. Les deux co-scénaristes, Daveed Diggs et Rafael Casal, qui en interprètent les deux rôles principaux, avaient l’histoire en tête depuis une dizaine d’années et ont chargé la barque au risque de la faire sombrer : Blindspotting évoque donc non seulement les violences policières mais aussi la gentryfication d’Oakland et les discriminations dont sont victimes ses minorités visibles. Le tout sur le mode mineur d’une chronique urbaine façon Spike Lee.

On pourra certes se laisser prendre au charme et à la coolitude de ces deux héros. Mais on pourra tout autant considérer que leurs mésaventures manquent de relief et se laissent oublier sitôt vues.

La bande-annonce

Zain a douze ans. Il comparaît devant un tribunal. On ne sait à ce stade encore rien des faits qui lui sont reprochés. Mais le jeune accusé utilise un moyen de défense original : il met en cause ses parents auxquels il reproche de l’avoir mis au monde
Flashback : Dans un immeuble insalubre d’un quartier misérable de Beyrouth s’entasse la famille de Zain. Le gamin débrouillard n’a jamais mis les pieds à l’école et vit d’expédients. Il est très attaché à Sahar, sa sœur aînée qui, la puberté venue, est promise en mariage à un commerçant du quartier. De rage, il quitte le foyer familial. Dans son errance, il rencontre Rahil une Éthiopienne sans papiers qui vient d’avoir un bébé. Mais Rahil est prise dans une rafle policière. Zain doit se débrouiller seul avec le petit Jonas.

Prix du Jury à Cannes où les bookmakers lui promettaient la Palme, Capharnaüm divise la critique comme le public. D’un côté, les POUR saluent une œuvre bouleversante sur l’enfance maltraitée. De l’autre, les CONTRE dénoncent un misérabilisme larmoyant.

Les deux ont raison. Capharnaüm est une œuvre bouleversante d’un misérabilisme larmoyant. Comment ne pas être transcendé par l’énergie de ce Gavroche libanais, par la résilience de cette (trop) jolie Éthiopienne et par les joues rebondies du petit Jonas ? Comment ne pas non plus être gêné par cette surenchère d’avanies, par ce catalogue de la misère humaine dont les images trop léchées et la musique sursignifiante feraient presque penser à une pub pour le HCR ?

La bande-annonce

Avant d’être une rock star et une icône gay, Farrokh Bulsara, alias Freddie Mercury, était bagagiste à Heathrow. Bohemian Rhapsody nous raconte son histoire : la rencontre avec Brian May et Roger Taylor du groupe Smile, la formation du groupe Queen, l’enregistrement de Bohemian Rhapsody en 1975 et les premiers succès, les querelles d’ego au sein du groupe, les frasques de plus en plus queer de Freddie,  l’apothéose à Wembley au Live Aid de 1985 – élu meilleure performance live de tous les temps.

Sorti fin octobre, Bohemian Rhapsody caracole depuis plusieurs semaines en tête du box office et tangentera les quatre millions de spectateurs en France. Les raisons du succès interrogent : le scénario ? l’interprétation ? la musique ?

Le scénario, platement chronologique, n’est guère original. Il raconte, comme tant d’autres biopics avant lui, la vie d’une rock-star en quatre tableaux : l’ascension, la gloire, la chute et la rédemption. Chacun a ses passages obligés. Le premier voit un jeune Freddie/Farrokh s’émanciper d’une famille indienne conservatrice qui réprouve son goût pour la musique. Le deuxième nous fait assister au succès fracassant des premiers hits, dès le milieu des 70ies. Le troisième met en scène un Freddie de plus en plus dépravé présider à des soirées aussi Queen que queer. Le quatrième enfin, le clou du spectacle, est la reconstitution méticuleuse des vingt minutes d’anthologie passées sur la scène du Wembley Stadium le 13 juillet 1985, qui coïncide miraculeusement avec la reconstitution du groupe, la rencontre avec son amant et la découverte de son mal. Et peu importe que le scénario prenne quelques libertés avec la réalité – Mercury n’apprendra sa séropositivité qu’après le Live Aid.

Dans le rôle titre, la production – lancée dès 2010 et qui connut bien des rebondissements – avait d’abord annoncé Sacha Baron Cohen – dont la ressemblance avec Freddie Mercury est en effet frappante. Puis Ben Whishaw. C’est finalement Rami Malek, le héros de la série Mr Robot qui fut retenu. Toutes dents dehors (Mercury avait quatre incisives supplémentaires qui lui donnaient une tessiture exceptionnelle), à force de prothèse et de maquillage, il entretient avec le chanteur de Queen une ressemblance sidérante. Sur la scène, il a les mêmes postures que lui, jambes écartés, poings tendus, muscles bandés.

Mais c’est évidemment la musique qui a le plus beau rôle. La BOF rassemble les plus beaux morceaux de Queen : de Bohemian Rhapsody à Radio Ga Ga en passant par We Are the Champions, We Will Rock You et Another One Bites the Dust. L’effet euphorisant est immédiat et il est difficile d’y résister. Si on aime Queen, on tombera automatiquement sous le charme. Si on y est moins sensible, si on considère que Queen est au rock, ce que Wagner est à la musique classique, à savoir que ses chansons martiales et beuglantes donnent irrépressiblement envie d’envahir la Pologne, on émettra quelques réserves sur ce long clip vidéo sans originalité.

La bande-annonce

Dans les montagnes du Bhoutan, une nonne boudhiste vient de disparaître. Le détective Kinley est chargé de l’enquête. Les villageois accusent Choden, une femme aussi belle que mystérieuse. Sa fuite dans la forêt semble signer sa culpabilité. Kinley part à ses trousses. Mais Choden est une « dakini », mi-femme mi déesse, qui a la capacité de dialoguer avec l’au-delà.

Dakini nous vient du Bhoutan, un minuscule royaume niché au pied de  l’Himalaya, entre Inde et Chine. Son cinéma est à la mesure du pays : minuscule et inconnu. Le seul réalisateur à en avoir franchi les frontières était Khyentse Norbu qui avait signé en 1999 un film gentillet, La Coupe, sur deux enfants tibétains passionnés de football. Il faut désormais compter sur Dechen Roder.

Son film est un mélange curieux. Son pitch a l’apparence d’une enquête policière. Le duo formé entre les deux héros laisse augurer une romance convenue. Son titre et son affiche – avec ses beaux caractères alphasyllabaires – louchent vers l’exotisme.

Malheureusement Dakini échoue sur tous ces terrains. L’enquête policière emprunte de telles méandres qu’elle finit par perdre le spectateur en cours de route. La romance est si fade qu’elle peine à émouvoir. Quant à l’exotisme, le Bhoutan filmé par Dechen Roder, ses cieux bas et gris, ses villages sans charme, s’avère nettement moins joli que celui qu’on avait fantasmé. Seule consolation : l’époustouflante beauté de l’héroïne Sonam Tashi Choden aux faux airs de Gong Li. Souhaitons-lui une carrière aussi riche.

La bande-annonce

Chaque année depuis 1990, le Grand Bal de l’Europe réunit à Gennetines dans l’Allier pendant deux semaines des milliers de participants de tous âges et de tous milieux. Durant la journée, ils apprennent en atelier la technique des danses traditionnelles : polka, mazurka, bourrée, gavotte, quadrille… Le soir c’est le grand bal qui les réunit tous dans des virevoltes qui durent jusqu’à l’aube.
Laetitia Carton, une habituée du festival, les a filmés.

Il y aurait eu bien des façons de filmer ce Grand Bal. L’une aurait été d’en raconter l’histoire en interviewant les organisateurs de la manifestation et en questionnant leur entreprise. L’autre aurait été d’en faire la sociologie, afin d’insister sur sa mixité sociale ou au contraire de souligner telle ou telle surreprésentation. Un autre angle d’approche encore, celui de l’héroïsation, aurait été de s’inscrire dans les pas d’un ou deux participants – comme Guillaume Brac l’a fait dans L’Île au trésor pour nous faire découvrir l’Île de loisirs de Cergy-Pontoise.

Le parti pris de Laetitia Carton est plus audacieux. Elle ne s’adresse ni à notre raison ni à notre cœur mais à notre sensualité. Elle choisit de ne rien nous expliquer mais de nous faire ressentir intimement la transe de la danse. Elle y réussit admirablement en plaçant sa caméra au centre de la piste de danse. Depuis ce poste d’observation privilégié, nous sommes immergés dans la danse, noyés dans sa musique, submergés par son mouvement.

Le Grand Bal nous fait partager le sentiment de plénitude, d’épanouissement que ressentent les danseurs. Peu importe leur origine sociale, leur âge, leur sexe et même leur aptitude à la danse, tous semblent atteindre – et nous avec eux – une forme d’extase chamanique.

Le film n’est pas seulement poétique. Il est aussi politique. Car ce Woodstock à l’envers propose une autre relation au corps, au besoin de toucher et d’être touché délesté de toute violence érotique, aux relations entre les sexes, au rapport au temps qui semble se dilater jusqu’au bout de la nuit dans les « bœufs » qui prolongent les bals.

Les images sont accompagnées de la voix off de la réalisatrice qui lit des textes d’une fulgurante beauté. Je lis ici ou là qu’elle serait inutilement démonstrative. Je l’ai trouvée au contraire parfaitement adaptée.

Sans doute, on pourrait reprocher à ce Grand Bal de n’avoir ni début ni fin, de durer un chouïa trop longtemps, en un mot, de tourner en rond comme ses danseurs. Mais la critique serait bien mesquine pour un documentaire si délicat, si souriant, si euphorisant.

La bande-annonce

Le capitaine de police Jean Santi (Vincent Elbaz) vient de mourir. Ses collègues, qui lui érigent une statue, et sa veuve Yvonne (Adèle Haenel) qui raconte à son fils ses faits d’armes glorieux pleurent le disparu. Mais la vérité est moins belle : Santi était un ripou. Yvonne est dévastée par cette révélation. Elle va tenter de racheter les fautes de son mari en portant assistance à Antoine (Pio Marmai) qu’il avait fait injustement incarcérer.

Avec son neuvième long métrage, Pierre Salvadori poursuit une œuvre entamée il y a un quart de siècle avec une comédie décalée et attachante réalisée avec trois acteurs trop tôt disparus : Jean Rochefort, Marie Trintignant et Guillaume Depardieu. Cible émouvante (1993) contenait déjà les ingrédients qui font l’originalité de En liberté ! : un sujet original, des personnages aussi drôles que dépressifs, des situations loufoques…

L’équilibre est délicat à trouver entre la comédie grasse et le drame sentimental. Pierre Salvadori y est parvenu quasiment à chaque coup, notamment dans … comme elle respire (1999), sans doute la meilleure prestation de Marie Trintignant dans le rôle d’une mythomane loufoque.

L’affiche de En liberté ! qui annonce fièrement « la comédie de l’année » voudrait nous faire croire que la recette fonctionne toujours. Une moitié de la salle s’y retrouvera qui rira aux éclats des gags décalés dans lesquels un scénario ébouriffant entraîne des acteurs tous parfaits au premier rang desquels Adèle Haenel bien sûr mais sans oublier Damien Bonnard qui la dévore avec des yeux de merlan frit.

Mais une autre ne marchera pas, qui aura déjà vu les meilleurs moments du film dans sa bande annonce et qui ne se ralliera jamais vraiment à une histoire trop tirée par les cheveux pour rester crédible. Hélas c’est à cette seconde moitié là que j’appartiens.

La bande-annonce

Jackson Maine (Bradley Cooper) est une star rongée par l’alcool. Un soir, à la recherche d’un verre, il échoue dans un rade et y découvre Ally (Lady Gaga) dont la voix puissante l’impressionne.
Réunis par la passion de la musique, Jack et Ally se mettent en couple. Mais, tandis que la carrière d’Ally décolle, Jack ne parvient pas à échapper aux démons qui le rongent.

Une étoile est née est au départ un film tourné en 1937 qui obtint sept nominations aux Oscars. Son remake de 1956 avec Judy Garland et James Mason l’a surpassé – même s’il n’a remporté aucune statuette. Quand à son deuxième remake en 1976, tout entier à la gloire de Barbara Streisand, il est tombé dans l’oubli.

Pourquoi vouloir aujourd’hui en tourner un nouveau remake ? L’idée aurait été caressée par Clint Eastwood, en confiant à Beyoncé le rôle principal. Mais le projet fut abandonné à cause de la grossesse de la chanteuse – tandis que les noms de Christian Bale, de Leonardo diCaprio, de Will Smith ou de Tom Cruise circulaient pour interpréter son partenaire à l’écran. Finalement le projet est échu à Bradley Cooper, bombardé à la fois réalisateur, co-scénariste, co-producteur et acteur principal.

À trente-deux ans, alors que sa carrière se cherche un second souffle voire que Lady Gaga fait déjà figure de has been, la star américaine, d’origine italienne, interprète le rôle d’Ally. Avoir choisi l’actrice la plus sophistiquée, la plus excentrique, la plus maquillée qui soit est un choix surprenant pour un personnage censé, comme Judy Garland en son temps, représenter l’innocence et l’authenticité. Mais la vérité oblige à reconnaître que, pour son premier rôle significatif au cinéma, la star new yorkaise crève l’écran.

Il s’agit hélas du seul atout du film, qui s’étire interminablement durant plus de deux heures. La BOF a beau être en tête des ventes aux États-Unis et au Royaume-Uni, j’avoue – avec une pointe de snobisme assumée – n’y voir aucun intérêt. Quant au scénario, qu’on connaît déjà trop bien, il déroule imperturbablement son histoire connue d’avance jusqu’à son inévitable dénouement.

La bande-annonce