L’actrice israélienne Ronit Elkabetz est morte en 2016 des suites d’un cancer du poumon. Elle avait co-réalisé avec son frère cadet, Shlomi, une trilogie bouleversante librement inspirée de la vie de ses parents, Juifs séfarades immigrés du Maroc : Prendre femme (2004), Les Sept Jours (2008) et Le Procès de Vivian Amsellem (2014). C’est ce frère qui a remonté les images de sa sœur captées sur le vif avec sa caméra pour lui consacrer un documentaire en deux volets de près de deux heures chacun.

Ce long hommage documente les dix dernières années de la vie de Ronit, qui vit entre Paris et Israël. Paris symbolise pour elle la créativité, la liberté – une déclaration d’amour sacrément décapante pour les Parisiens scrogneugneux que nous sommes plus prompts à critiquer la saleté de notre capitale que sa beauté à laquelle seuls les étrangers semblent sensibles. Elle y a un bel appartement qu’elle partage avec son frère. Mais elle rentre régulièrement en Israël retrouver ses parents – qui vivent mal l’autobiographie à peine voilée que son frère et elle sont en train de tourner. C’est aussi en Israël qu’elle rencontre l’architecte qu’elle épouse en 2010 et dont elle a deux jumeaux en 2012 – que la mort de leur mère laissera orphelins quatre ans plus tard.

Cahiers noirs nous frustre en ne nous montrant de l’écriture et du tournage des trois films réalisés par Ronit et Shlomi que quelques séquences dissymétriques. Du tournage de Prendre femme, on ne verra rien pour se concentrer sur sa réception et les éloges qu’il a reçus (notamment du Masque et la Plume dont Ronit écoute, au comble de l’angoisse et bientôt de la joie, la critique intelligente et élogieuse). On saute par dessus Les Sept Jours. En revanche, on voit de longs extraits du tournage du Procès…

Quand elle tourne ce dernier film, Ronit Elkabetz est déjà gravement malade. On ne sait pas si elle sait que son mal sera irréversible ; mais le spectateur sait en la regardant qu’elle n’a plus que quelques mois à vivre. Ces images n’en sont que d’autant plus poignantes. Elles le sont tellement qu’à la longue elles en deviennent malaisantes. On aurait aimé plus de pudeur à ces Cahiers noirs.

La bande-annonce

Au Chili, en pleine dictature, un travesti vieillissant accepte de garder dans son appartement du matériel compromettant par amour pour un jeune révolutionnaire qui planifie un attentat contre le général Pinochet.

Je tremble ô matador est l’adaptation d’un roman autobiographique écrit en 2001 par un écrivain LGBT. Son sujet, son époque, son acteur principal nous rappellent les films de Pablo Larraín et notamment Santiago 73 Post Mortem où Alfredo Castro, déjà lui, interprétait le rôle glaçant d’un employé de la morgue de Santiago au moment du coup d’Etat qui porta Pinochet au pouvoir.

Dans Je tremble… Alfredo Castro est une fois encore magistral dans le rôle d’un vieux travesti décati. Le problème est que son rôle est par trop univoque : on a tôt fait de comprendre que sous ses airs de grande folle, il cache un cœur meurtri par des années d’humiliations et d’injures.
Sans doute le film souligne-t-il que les dictatures d’extrême droite comme les révolutions marxistes charrient les unes comme les autres un vieux fond d’homophobie. Mais cette analyse politique, aussi juste soit-elle, ne suffit pas à faire un film.

La bande-annonce

Dominique Chabol (Louis Talpe) est un cycliste vieillissant qui, depuis près de vingt ans, assure au sein de son équipe, le rôle de « domestique » pour le leader de son équipe : il le protège du vent, le tire dans sa roue… et s’efface avant le sprint final.
Lorsque le Tour de France prend en 1998 son départ d’Irlande, Dom est au crépuscule de sa carrière. Comme la plupart de ses camarades, il se dope en toute illégalité pour garder le rythme. mais il ignore si son contrat sera renouvelé.

On dit souvent que les films sur le sport professionnel sont ratés, qu’ils peinent à rendre compte de la réalité de l’engagement physique, qu’il s’agisse du football, du tennis ou du vélo. Il est vrai qu’aucun ne figure parmi les chefs d’oeuvre du cinéma si ce n’est peut-être Les Chariots de feu sur l’athlétisme durant les tout premiers Jeux olympiques – servi par la musique iconique de Vangelis.

Des héros à vélo, le cinéma en a filmé quelques uns : Charlot, le voleur de bicyclettes, Monsieur Hulot… Mais des films sur le cyclisme, il n’y en pas eu tant que ça. En 2015, dans The Program, le grand Stephen Frears s’est essayé avec un succès mitigé à raconter l’histoire de Lance Armstrong.

L’Equipier entrelace plusieurs sujets au risque de la surcharge : son arrière-plan est l’affaire Festina et la révélation lors du Tour 1998 des dopages massifs à l’EPO dans tout le peloton. Mais son vrai sujet, c’est son héros, au rôle ingrat : maman, grand frère, souffre-douleur, il doit s’effacer devant son leader et en supporter les sautes d’humeur.
Mais c’est aussi le portrait d’un sportif au crépuscule de sa carrière. Une carrière en demi-teinte qui lui a certes permis de sillonner les cinq continents, mais surtout, de son propre aveu, pour bouffer du macadam, le nez dans le cul des autres coureurs.

Ce portrait là n’est pas d’une inventivité renversante. L’Equipier aurait d’ailleurs pu faire l’économie de l’histoire d’amour qui se noue entre Dom et une jeune docteure. Mais il est suffisamment sensible et original pour faire de L’Equipier une bonne surprise cinématographique qui plaira aux amateurs de vélo et aux autres.

La bande-annonce

Marcia (Rebecca Marder) s’est liée d’amitié avec Daredjane (Judith Chemla), une vieille icône pop qui vit recluse dans son appartement. Marcia compose avec elle quelques chansons avant sa brutale disparition. Pour pouvoir en utiliser les droits, Marcia doit convaincre Anthony (Félix Moati), son seul héritier. Mais tout oppose la belle bobo parisienne et le beau beauf de Bures-sur-Yvette.

Le cinéma de Michel Leclerc – né en 1951 à Bures-sur-Yvette – suscite une sympathie spontanée. On avait adoré Le Nom des gens dont quelques scènes restent gravées dans la mémoire – comme celle où le personnage interprété par Sara Forestier découvre effarée qu’elle vient de voter par erreur pour Sarkozy à l’élection présidentielle. On avait presqu’autant aimé La Lutte des classes – et ri aux larmes à la scène où Leïla Bekhti et Edouard Baer tentaient en vain de convaincre un directeur d’école catholique d’accepter leur enfant, en dépit des paroles pour le moins anti-papistes chantées par le personnage d’Edouard Baer dans son dernier single.

Aussi c’est avec beaucoup d’indulgence qu’on jugera son dernier film, co-écrit comme les précédents avec sa compagne Baya Kasmi – qui fait deux caméos hilarants. Comme l’annonce son titre, le sujet est aussi politique que ceux de ses précédents films : si « les goûts et les couleurs ne se discutent pas », ils sont sur-déterminés par nos origines sociales et culturelles. Entre la belle intello parisienne et bisexuelle interprétée par Rebecca Marder, avec une grâce qui sautait déjà aux yeux dans Une jeune fille qui va bien, et le beauf amateur de rap, joué avec une énergie désopilante par le toujours juste Félix Moati, l’histoire d’amour semble à la fois inévitable – c’est sur sa promesse que le film est construit – et impossible.

Le scénario aurait pu paresseusement se borner à explorer cette trame-là. Mais il est autrement plus riche. Il invente un personnage hors normes pour rapprocher les deux héros, une icône pop, mélange de Janis Joplin et de Catherine Ringer, dont la mort pose la question de son héritage financier et artistique : Marcia s’érige en défenseuse de l’intégrité de l’oeuvre de Daredjane alors qu’Anthony, par appât du gain et par manque de sensibilité, est prêt à la dénaturer.

La première heure du film ne m’avait pas vraiment convaincu. J’avais trouvé en particulier que Judith Chemla, grossièrement grimée, y livrait une prestation caricaturale et vaguement embarrassante. Mais sa seconde partie a emporté mon adhesion : le charme de Rebecca Marder – qui possède peut-être la bouche la plus pulpeuse du cinéma français ex aequo avec Mélanie Thierry – et celui de Félix Moati y ont été pour beaucoup.

La bande-annonce

L’inspecteur Hae-Joon enquête avec un collègue sur le décès d’un fonctionnaire de l’immigration, qui a trouvé la mort dans des circonstances mystérieuses lors d’une course en montagne. Ses soupçons le portent vers la veuve du défunt, Sore, une femme d’origine chinoise.
Deux ans plus tard, quand Hae-Joon aura eu une nouvelle affectation, un nouveau crime irrésolu lui fera à nouveau croiser le chemin de Sore.

Sorti le 29 juin, précédé d’un prix de la mise en scène à Cannes Decision To Leave a vite été désigné comme le meilleur film du mois. Les critiques élogieuses se sont succédées. Decision To leave surfe sur la mode du cinéma asiatique (tous les cinéphiles se sont enthousiasmés pour Drive my Car) et sur celle du cinéma coréen depuis la Palme d’or hautement méritée de Parasite. Ils pouvaient être sûrs d’avancer dans des eaux connues avec Park Chan-Wook dont les oeuvres précédentes avaient administré la preuve de la solidité. Cerise sur le gâteau : Le Monde annonçait le mélange réussi de Vertigo et de In the Mood for Love. Rien moins !

C’est donc les yeux fermés et avec beaucoup de gourmandise que je me suis précipité au cinéma combler mon retard et voir Decision To Leave.

Quelle déception ! Une déception qui reposait en fait sur un horrible contre-sens. Je m’attendais à un film policier à l’intrigue très complexe, où chaque détail d’une enquête compliquée prendrait un jour nouveau lors d’un époustouflant retournement final. Aussi, essayais-je – tant bien que mal – de me concentrer sur chaque scène. Erreur funeste ! Aussi grande que fut mon attention – dont force m’est de reconnaître qu’à mon âge avancé et à l’heure de la sieste, elle est de plus en plus flageolante – je n’ai rien compris au double crime commis dans Decision To Leave, à son (ou ses ?) auteur.s et à leurs mobiles.

Bien après avoir vu le film, je crois avoir compris que son enjeu n’était pas là où je l’avais pensé. Il ne s’agit pas d’un film policier mais d’une histoire d’amour entre un enquêteur et son principal suspect.

Au fond, j’aurais mieux fait de regarder l’affiche attentivement. Tout y est.

La bande-annonce

Julio Branco (Javier Bardem) est le patron charismatique d’une petite entreprise familiale de balances industrielles. Déjà couvert de prix, il aspire à une nouvelle récompense qu’un jury lui décernera peut-être sous huit jours. Mais d’ici là, les tracas s’accumulent qui menacent le bon déroulement de la visite du jury : le fils d’un fidèle employé a été arrêté par la police, son bras droit est à la dérive depuis que sa femme menace de le quitter, une nouvelle stagiaire a tapé dans l’oeil du patron….

Meilleur film, meilleur réalisateur, prix d’interprétation masculine : El buen patrón a fait un carton plein aux derniers Goyas espagnols. Peut-être l’un des plus grands acteurs contemporains, Javier Bardem y livre une prestation inoubliable. Il réussit l’incroyable défi de rendre sympathique un personnage foncièrement antipathique : un patron dont le seul talent est d’avoir hérité de son père une entreprise familiale. Avec chacun des employés de sa petite entreprise, il se montre tour à tour paternaliste et intraitable. Est-ce le trait d’une personnalité hypocrite ou perverse ? Même pas. Et c’est là que le personnage de Julio Branco est diablement intéressant : Javier Bardem incarne un « brave type » pétri de bonnes intentions qui a juste envie que tout rentre dans l’ordre. À notre corps défendant, on prend très vite son parti et on se surprend à espérer avec lui que tous ses soucis disparaissent d’ici la visite du jury censé consacrer sa réussite.

Même si la fin du film est d’un délicieux cynisme, le procédé a toutefois ses limites qui sont vite atteintes. Le talent de Javier Bardem a beau être immense, les ressorts qui animent son personnage sont assez pauvres. Le film aurait pu basculer dans un autre genre, plus sombre. Il reste dans le même registre : celui de la comédie noire. Sa cohérence est paradoxalement sa dernière faiblesse.

La bande-annonce

Alain (Alain Chabat) et Marie (Léa Drucker) déménagent. Un agent immobilier leur a vendu leur nouvelle maison en les avertissant du secret qu’elle recèle. Ils refusent de s’en ouvrir à Gérard (Benoît Magimel) et à sa nouvelle fiancée (Anaïs Demoustier) qui viennent leur annoncer une nouvelle étonnante.

Le cinéma de Quentin Dupieux étonne et détonne. J’avoue ne pas être un inconditionnel de son humour nonsensical. J’ai détesté Mandibules ; Au poste ! m’a semblé bien insignifiant ; j’ai vaincu mes réserves pour mettre au Daim deux chiches étoiles.

La bande-annonce de Incroyable mais vrai m’avait laissé perplexe qui annonçait un film dans la même ligne que les précédents. L’affiche, hideuse (on dirait un mauvais Mocky), me laissait augurer le pire. Aussi quelle ne fut pas ma surprise à la découverte en avant-première, grâce au Club Allociné, de ce petit bijou.

Il est construit autour d’un mystère dont il ne faut rien dire. La bande-annonce – ou plutôt les bandes-annonces – joue sur sur cet effet d’attente. Le début du film aussi. Le procédé est délicieusement sadique : « Je vais vous dire un secret … ». On rêve qu’un film l’utilise tout du long sans jamais révéler ce fameux secret. Frustré d’une révélation toujours retardée, crierait-on au génie ou à la fumisterie ?

Incroyable mais vrai ne va pas jusque là et révèle ce fameux secret. On n’en dira rien bien entendu sinon qu’il est suffisamment étonnant et absurde pour justifier l’attente de son annonce repoussée et pour servir de sujet au reste du film. En revanche, l’autre secret révélé par Gérard et sa fiancée, aussi drôle soit-il, semble peut-être superflu, même s’il crée un effet de miroir entre la situation des deux couples, minés par la même obsession. Peut-être Incroyable mais vrai aurait-il gagné à se concentrer sur le seul couple d’Alain et Marie (pourquoi avoir laissé à Alain Chabat son prénom et avoir privé Léa Drucker du sien ?).

Autre défaut du film : son rythme. Le premier quart d’heure, on l’a dit, est sadiquement jubilatoire. Il l’est d’autant plus que le montage multiplie les flashbacks et les flashforwards : on voit Alain et Marie en train de visiter leur nouvelle maison et en train de s’y installer. Le montage devient plus linéaire ensuite avant de connaître, dans son dernier quart d’heure une brusque accélération, comme si Quentin Dupieux voulait bâcler son histoire sans se laisser le temps de la développer. J’ai suffisamment pesté contre des films trop longs pour en critiquer un qui dure 1h14. Mais pour autant, je n’aurais pas détesté que celui-ci me fasse rire pendant quelques dizaines de minutes encore.

La bande-annonce

Humberto Suarez, un milliardaire mégalomane veut laisser son nom à la postérité. Il décide de produire un film. Il en confie la direction à la réalisatrice la plus cotée du moment, Lola Cuevas (Penélope Cruz). Elle recrute deux acteurs célèbres : Felix Rivero (Antonio Banderas) est une star internationale qui tourne dans des blockbusters hollywoodiens tandis que Ivan Torres (Oscar Martinez) est un acteur de théâtre radical et exigeant.
Les deux acteurs commencent les essais dans l’immense fondation Suarez. Ils n’ont jamais tourné ensemble et éprouvent aussitôt une antipathie spontanée l’un pour l’autre.

La présence au sommet de l’affiche de Penélope Cruz et Antonio Banderas, avec lesquels le réalisateur espagnol a tourné une dizaine de fois, pourrait laisser penser que Compétition officielle est un film d’Almodovar. Mais c’est le duo argentin Cohn & Duprat qui est aux manettes. On lui doit le très réussi Citoyen d’honneur en 2016 avec déjà Oscar Martinez dans le rôle principal : l’histoire d’un prix Nobel de retour dans sa ville natale.

Ils s’en donnent à cœur joie avec leur trio d’acteurs époustouflants filmés tout au long des essais que dirige d’une main de fer le personnage interprété par Penélope Cruz avec une coiffure démente. Antonio Banderas est incroyable dans sa propre caricature, celle d’un bellâtre égocentrique cachant sous son apparente médiocrité un sacré talent. Le personnage d’Oscar Martinez est un chouïa moins intéressant – et cet acteur partait avec le handicap de nous être moins familier que les deux autres que nous retrouvons avec tant de plaisir.

Compétition officielle ne sort pas des murs de la luxueuse fondation où se déroulent les essais. L’aurait-il fait que je lui aurais reproché de s’écarter de son sujet. Mais son parti pris fait naître, au fil du temps, une certaine routine et une lassitude. On a vite compris les rapports de force qui se créent dans ce trio électrique entre les deux acteurs que tout oppose et vis-à-vis de cette réalisatrice castratrice et tyrannique. Aurait-elle été plus rythmée, plus rebondissante, cette satire grinçante aurait été franchement réussie.

La bande-annonce

La Française Michale Boganim ressuscite la mémoire de son père, décédé en 2017. Juif marocain immigré en Israël dans les années cinquante, il faisait partie des Black Panthers israéliennes, un mouvement radical composé de Juifs et d’Arabes qui combattait la domination des Juifs ashkénazes.
Michale Boganim part en Israël sur la trace des Mizrahim, ces Juifs orientaux, originaires du Maroc, d’Algérie, de Syrie, du Yemen, attirés dans la Terre promise par la promesse d’une vie meilleure, mais souvent relégués dans des cités pionnières, en lisière du désert, et cantonnés à des tâches subalternes.

Son documentaire a le mérite de nous faire découvrir une vérité sociologique méconnue. Israël s’est construit avec une immigration plurielle. Aux premières vagues de Juifs ashkénazes fuyant les pogroms et les persécutions nazies en Europe ont succédé des Juifs séfarades. Ils venaient de terres d’Islam où la cohabitation pourtant séculaire avec la population musulmane était devenue impossible après les indépendances et l’arrivée au pouvoir de dirigeants pourtant laïcs mais volontiers antisémites, en Égypte ou en Irak par exemple.
Loin de l’image d’Epinal du kibboutz cosmopolite où ces Juifs, laïcs ou religieux, se seraient harmonieusement fondus, la réalité fut plus sombre. L’élite ashkénaze exerçait une domination de fait. Les minorités séfarades, dont la langue, les coutumes, la couleur de la peau les assimilaient aux Palestiniens honnis, étaient relégués aux marges de la société.

Mizrahim raconte l’histoire de ces discriminations et celle du mouvement politique créé par le père de la réalisatrice pour les combattre. Ce mouvement a fait long feu et a disparu avec le sursaut d’unité nationale provoqué par la guerre du Kippour en 1973. Les Mizrahim ont exprimé leurs revendications autrement : via la droite nationaliste qu’ils soutinrent dans son accession au pouvoir contre la gauche historique de David Ben Gourion et Golda Meir.

Mizrahim a le défaut d’osciller entre trois niveaux de lecture sans arrêter son parti. 1. Le documentaire historique sur l’histoire des Mizrahim hélas pas assez documentée. 2. Le road movie à la rencontre de leurs descendants, un peu trop mécanique. 3. L’émouvante histoire familiale, hélas à peine effleurée.

La bande-annonce