Ebba a dix-huit ans à peine. La jeune femme solitaire et mythomane vient de quitter sa mère et sa sœur pour prendre son autonomie. Premier boulot pour une société d’entretien sur le port d’Oslo, première voiture, premier appartement dans le sous-sol d’une grande demeure d’un quartier huppé, dont les propriétaires lui confient les clés pendant leurs vacances. Quand, une nuit, son chemin croise celui d’un Bulgare, blessé et amnésique, elle le ramène chez elle en lui faisant croire qu’elle est sa petite amie.

Mon parfait inconnu est le premier film d’une réalisatrice finno-suédoise, dont il n’est pas facile de faire la critique. Son intérêt réside en effet dans de ce qu’y passe, dans ce qu’on imagine qu’il va s’y passer… et dans ce qui ne s’y passe finalement pas.

Cher lecteur, si vous avez l’intention d’aller voir ce film, ne lisez pas ce qui suit. Cette lecture risquerait de gâcher votre plaisir.

Parce qu’on a déjà vu des films aux scénarios très tordus, on en imagine un plus tordu encore. On imagine que le bel inconnu que Ebba recueille feint l’amnésie pour tromper la jeune fille et abuser de son besoin incompressible d’être aimée. Mais le scénario est moins retors qu’on l’avait cru. Le « parfait inconnu » était bien amnésique ; mais il exerçait dans sa vie passée un commerce sordide et la page blanche qu’Ebba lui propose d’écrire avec elle donne au bel inconnu l’occasion d’un nouveau départ riche d’espoirs.
Mais – et c’est là que le scénario comporte un troisième niveau de lecture déroutant – un doute naît chez le spectateur grâce à un habile effet de mise en scène : cette rencontre, cet été passé à deux ont-ils réellement eu lieu ? ou sont-ils le produit de l’imagination fertile d’Ebba ?

Ce troisième niveau de lecture est certes très malin. Mais il n’en reste pas moins un peu « facile ». Il ressemble à ces scènes incroyables qui se terminent par le réveil en sursaut du protagoniste, dont on comprend qu’il vient de faire un rêve. J’aurais aimé un scénario plus retors, similaire à celui que j’avais pressenti, dans lequel Ebba se serait retrouvée victime d’un homme encore plus manipulateur qu’elle. Mais, j’ai du mal à objectiver ce reproche : ne trouve-t-il pas uniquement son origine pour le motif que j’ai vu la première moitié de ce film avec ce soupçon en tête ?

La bande-annonce

Six ans après la tuerie, racontée dans X, dont elle a réchappé de justesse au Texas, l’actrice porno Maxine Minx (Mia Goth) décroche enfin un rôle dans une production à gros budget à Hollywood. Il s’agit de la suite d’un film d’horreur dont la réalisatrice (Elizabeth Debicki) a une réputation exécrable. Mais, alors que le tournage se prépare, Los Angeles est agité par des crimes en série, mis en scène comme des rituels sataniques. Les victimes se multiplient autour de Maxine, conduisant le duo de policiers chargés de l’enquête à soupçonner que le jeune femme est liée à l’auteur de ces crimes sanglants.

Deux ans après X et Pearl (directement sorti en vidéo), Ti West clôt la trilogie porno-horrifique construite autour de l’actrice britannique Mia Goth. Il s’agit d’un slasher, un sous-genre du film d’horreur, mettant en scène un tueur psychopathe commettant des crimes atroces. Si X se déroulait dans le huis clos d’une ferme isolée, MaXXXine a pour cadre le Hollywood, crade et poisseux des années 80, avec ses impasses miteuses et ses toilettes nauséabondes.

Mia Goth paie de sa personne dans un personnage de femme puissante, symbole du female empowerment. Elle est très convaincante, comme elle l’était déjà dans X. Mais sa seule performance ne suffit pas à sauver le film qui s’enlise dans une intrigue mollassonne, ponctuée par une série de crimes tous plus sordides les uns que les autres. La résolution de l’enquête et la découverte du criminel tournent au grand n’importe quoi.

On voit mal, hors du cercle étroit des amateurs du genre, quel public cette série B oubliable pourrait séduire.

La bande-annonce

Une vieille femme est sauvagement assassinée au bord d’un lac. L’inspecteur Ma Zhe mène l’enquête.

Avec son titre américain, son affiche noctambule, son beau flic ténébreux, Only the River Flows nous promet un polar chinois pur jus. Un genre qui décidément commence à se constituer (Le Lac aux oies sauvages, Un été à Changsha, Les Éternels, Une pluie sans fin, Black Coal…). Certains contiendraient dit-on une critique rampante du régime communiste sinon des évolutions de la société chinoise. Je n’en suis pas absolument convaincu, le fait qu’ils bénéficient de toutes les autorisations de la censure chinoise laissant plutôt penser que leur message est inoffensif.

L’action de Only the River Flows se déroule dans une petite ville chinoise au milieu des années 90. L’énigme policière est riche et rebondissante. Les crimes se succèdent et avec eux défilent plusieurs accusés aux alibis plus ou moins solides : un aliéné, un coiffeur qui cache un lourd secret, un poète qui entretient une relation secrète avec une jeune fille…. Pour mener l’enquête, Ma Zhe est secondé par un jeune acolyte plein de ressources. Son chef, pongiste émérite, exerce sur lui une pression de chaque instant. Pendant ce temps, l’épouse de Ma Zhe traverse une grossesse à risques et hésite à y mettre un terme après les résultats d’une amniocentèse non concluante.

On se dit qu’on est en train de voir un excellent polar et on est impatient d’en découvrir le dénouement quand (attention spoiler) le scénario capote. Au lieu d’aller au bout de sa logique, au lieu d’élucider le mystère qu’il avait construit avec une ingéniosité sadique, le scénario change de pied, passe à autre chose – l’obsession maladive du flic pour son enquête façon La Nuit du 12 – au risque de nous frustrer.

La bande-annonce

Sarah et Tom habitent une maison à étages à Hampstead, un quartier chic de Londres. Ils sont contraints de la vendre pour résoudre leurs difficultés financières et viennent de trouver un acheteur. Ils y organisent un ultime dîner avec leurs meilleurs amis, Richard et Beth. Une cinquième convive s’est invitée, Jessica, l’auteur à succès d’un roman autobiographique.

Le titre français de The Trouble with Jessica annonce la musique. On sera dans un film à l’humour britannique. L’unité de temps – tout se déroule en l’espace d’une soirée – l’unité de lieu – on ne sortira quasiment pas de la maison de Sarah et Tom – l’unité d’action – le film est tendu par un seul enjeu : Sarah et Tom réussiront-ils à conclure la vente de leur maison ? –  sont respectées. On pressent qu’on sera au théâtre, à mi-chemin de la comédie de boulevard et de l’enquête policière façon Agatha Christie. On se trompe en partie : il n’y aura pas de crime à élucider même si un convive va bientôt trouver la mort. Quant à la comédie, elle est plus grinçante que rigolote.

Dîner à l’anglaise pratique l’humour noir. Il cherche à nous faire (sou)rire en évoquant les affres de la vie de couple et en dénonçant l’hypocrisie de la bonne société londonienne. Aussi réussi soit-il, Dîner à l’anglaise reste prisonnier d’un genre essoré : le théâtre filmé et le bon vieux ressort du cadavre dans le placard.

La bande-annonce

Le président Kennedy promet en 1962 qu’un homme poserait le pied sur la Lune avant la fin de la décennie. Mais la NASA, engluée dans des problèmes à répétition, craint de ne pas respecter cette échéance. Pour retrouver la confiance du public et le soutien du Congrès, un mystérieux conseiller de la Maison-Blanche (Woody Harrelson) embauche Kelly Jones (Scarlett Johansson), une des consultantes en relations publiques les plus rouées de Madison Avenue. Mais son arrivée à Cap Canaveral n’est pas du goût de Cole Davis (Channing Tatum), le directeur de la mission Apollo 11 .

To the Moon fait fond sur un des mythes complotistes les plus fameux : l’alunissage du 21 juillet 1969 n’aurait jamais eu lieu mais aurait été filmé en studio. To the Moon imagine que la Maison-Blanche aurait en effet filmé cette séquence pour la diffuser en cas d’échec de la mission Apollo 11. La pimpante Scarlett Johansson incarne une publicitaire sans scrupules chargée de ce projet top secret. Face à elle, le beau ténébreux Channing Tatum campe lui la Vérité outragée avec un V majuscule. Pour donner plus de relief aux deux personnages, dont les traits semblent figés dans des tonnes de fond de teint, le scénario leur invente un passé tourmenté : à elle, une enfance contrariée placée sous le sceau du mensonge et de la fuite, à lui le remords indélébile de la mort accidentelle de trois de ses collègues dans la mission Apollo 1.

À mi-chemin de L’Etoffe des héros, de Mad Men et de L’Impossible Monsieur Bébé, To the Moon coche toutes les cases : le suspense de la conquête spatiale, l’élégance des toilettes des années 60 (ah ! les pantacourts de Scarlett Johansson !) et la romance des comédies de Hawks ou de Capra. To the Moon est un peu trop sage, un peu trop aseptisé pour sortir du lot et laisser une marque indélébile. Mais on y passe un agréable moment.

La bande-annonce

Une affichette, promettant des terres fertiles, dans une bourgade du Far West nommée Horizon excite la curiosité des pionniers.
Certains se sont déjà installés dans la vallée de San Pedro mais sont sous la menace des raids apaches.
D’autres cheminent lentement sur la piste de Santa Fe
D’autres enfin ont quitté les forêts glacées du Montana pour des terres plus hospitalières.

On ne présente plus Kevin Costner. L’acteur-réalisateur multiprimé de Danse avec les loups, mais aussi des Incorruptibles, de JFK et de Bodyguard a sa carrière derrière lui. Mais à près de soixante-dix ans, il a entendu réaliser un vieux rêve et a décidé d’y investir sa fortune : un western de dix heures pour un budget d’une centaine de millions de dollars dont la moitié a été apportée par la star.

Le projet ne peut qu’inspirer la sympathie. Il devait sortir en salles en trois ou quatre parties. Les mauvais résultats de la première partie augurent mal de la suite : la sortie de la deuxième partie, prévue en août, est reportée à l’automne, le tournage de la troisième partie a été repoussé, la quatrième ne se fera probablement pas.

Horizon est une saga d’un classicisme revendiqué. Kevin Costner revient aux racines du genre. Il filme en scope des paysages majestueux, des héros charismatiques, des scènes épiques et des histoires inspirantes. Horizon se regarde comme une série, avec sa multitude d’histoires dans lesquelles on se laisse délicieusement embarquer et de personnages qui nous deviennent tous lentement familiers et sympathiques. D’ailleurs le format de la série (en une dizaine d’épisodes ?) lui aurait mieux convenu. Mais il nous aurait privé du plaisir de voir ce spectacle sur un grand écran.

Horizon trouvera-t-il son public ? J’ai été surpris de le voir, en quatrième semaine déjà, dans une salle encore presque comble, et très jeune. J’espère que cette audience là aura la chance d’en voir la suite.

La bande-annonce

Deux marginaux que tout oppose, Wisi (Jean-Pascal Zadi), qui se fait passer pour un réfugié ivoirien alors qu’il est natif d’Asnières, et Jérôme (Raphaël Quenard), qui vient de perdre sa mère et n’a pas le sou pour l’enterrer dignement, rencontrent Marina (Emmanuelle Devos) qui travaille dans une association caritative. Elle accepte de les héberger temporairement à une condition : qu’ils retrouvent rapidement du travail.

Pourquoi tu souris ? n’est pas politiquement très correct. Il campe un faux migrant et un chômeur raciste et allergique au travail qui abusent de l’hospitalité d’une brave femme. Mais la provocation ne va pas plus loin. On est loin des satires italiennes grinçantes de Risi et Scola. Pourquoi tu souris ? reste une comédie sociale très sage.

Pourquoi tu souris ? joue sur une recette indémodable : l’union contrainte de deux contraires. Jean-Pascal Zadi et Raphaël Quenard, deux acteurs qui jouissent ces temps-ci d’une célébrité méritée, jouent sur du velours, le premier dans le rôle du Noir de service, à l’irresistible sourire, contraint d’adopter un accent ivoirien caricatural pour bénéficier du statut que son lieu de naissance ne lui donnerait pas, le second, avec sa diction inimitable, et ses réparties qui font mouche, dans celui du Blanc raciste et marlou, qui bien entendu s’amendera au contact de son compagnon. Entre les deux, Emmanuelle Devos réussit avec son immense talent à rendre crédible et touchant un rôle qui frise la caricature.

Pourquoi tu souris ? est un feel-good movie qui ne révolutionnera pas le cinéma. Il n’en reste pas moins une aimable comédie  qui donne le sourire.

La bande-annonce

Elyas (Roschdy Zem) était chuteur opérationnel dans les forces spéciales. Revenu à la vie civile après une mission éprouvante en Afghanistan, il n’a pas récupéré des traumatismes qu’il y a subis et souffre désormais d’une sévère paranoïa. Un ancien compagnon d’armes (Dimitri Storoge) lui propose un contrat a priori sans risques : servir de garde du corps à un riche prince moyen-oriental, accompagné de sa femme et de sa fille. Mais cette mission va se révéler plus périlleuse que prévu.

Depuis Nid de guêpes (2001), on connaît le cinéma testostéroné de Florent-Emilio Siri. Il louche du côté des films d’action américains. Il met en scène des héros charismatiques et raconte des histoires hyper-violentes de braquages qui tournent mal ou de sanglantes prises d’otage. On ne pourra pas reprocher au distributeur de nous avoir menti sur la marchandise. Elyas nous donne ce qu’il nous promet : du sang, de la sueur et des larmes. Ici l’histoire improbable (attention spoiler) d’une gamine de treize ans, a priori effrontée et mal élevée mais au final si attachante, que son père, un riche émir a décidé de marier contre son gré à un vieux barbon et qu’une bête de guerre va prendre sous sa coupe façon Léon.

Roschdy Zem chausse le costume cravate du rôle titre, sans oublier les Ray Ban et le PAMAS G1. Il est peut-être l’un des acteurs les plus populaires et les plus respectés du cinéma français. Je n’ai jamais ni lu ni entendu la moindre critique négative à son sujet. Pourtant, on se demande ce qu’il vient faire dans cette série B. Sans doute avait-il, lui aussi, des impôts à payer. À près de soixante ans, même s’il conserve une forme impeccable, il a une bonne dizaine d’années de trop pour le rôle. On dirait Liam Neeson dans Taken 1, 2 ou 3. Et ce n’est pas un compliment !

La bande-annonce

Lucie (Isabelle Huppert), la soixantaine, travaille à la police de Perpignan. Elle peine à se remettre du suicide de son mari, policier lui aussi, survenu un an plus tôt. Un jeune couple et leur ravissante gamine viennent de s’installer dans le pavillon voisin du sien. Julia (Hafsia Herzi) est enseignante ; Yann (Nahuel Pérez Biscayart) est un artiste qui se révèle activiste anti-fa, partisan de l’action violente, sous le coup de plusieurs condamnations judiciaires. Lucie est écartelée entre l’amitié qu’elle ressent pour ses voisins et la réserve que sa profession lui impose.

À quatre-vingts ans passés, André Téchiné cumule deux qualités rares. Il est d’une part l’une des figures tutélaires du cinéma français – même si une plainte pour harcèlement sexuel, classée sans suite pour cause de prescription, a écorné son prestige. Il est d’autre part toujours aussi productif – à l’instar de ces grands cinéastes du monde entier (Eastwood, Miyazaki, Scorsese, Polanski, Loach…)  qui continuent à réaliser des films comme si les ans n’avaient aucune prise sur eux.
André Téchiné (Hôtel des Amériques, Ma saison préférée, Les Roseaux sauvages…) est le cinéaste de l’intime, de l’homosexualité, de la confusion des sentiments. Mais son cinéma s’inscrit dans un environnement social et politique. Cette attention portée au contexte est de plus en plus marquée ces dernières années, au point d’en faire presque un réalisateur « à thèmes » : la radicalisation des jeunes attirés par le jihad en Syrie dans L’Adieu à la nuit, le TPST des soldats français de retour d’opérations extérieures dans Les Âmes sœurs…

Les Gens d’à côté s’inscrit dans cette généalogie-là. Ses premières images quasi-documentaires rappellent les films de Stéphane Brizé avec Vincent Lindon, ayant pour cadre le monde du travail et ses luttes. Sauf qu’ici, il s’agit de la police et de ses syndicats qui alertent les pouvoirs publics sur le nombre alarmant de suicides dans ses rangs.

Entre ACAB (All Cops are Bastard) et #JesoutiensnosFDO, André Téchiné, comme toujours, évite le manichéisme. Son film ne prend pas la défense de la police pas plus qu’il ne fait l’apologie de la violence révolutionnaire. Il se place à hauteur d’hommes – ou plutôt de femme. Car le film est raconté à travers les yeux de Lucie, doublée d’une voix off redondante, dont la loyauté est mise à mal : loyauté d’une part à l’égard de ses voisins avec lesquels des liens d’amitiés se sont noués, d’autant plus puissants que Lucie n’en a pas beaucoup d’autres, loyauté d’autre part à l’égard de ses collègues, de son mari décédé et de sa profession.

Le problème des Gens d’à côté vient de son scénario, trop appliqué, trop lent, trop prévisible et pas toujours très crédible. Il vient aussi de ses acteurs. Isabelle Huppert a au moins dix ans de trop pour le rôle. Ses séances de jogging répétitives, dans son sweat shirt et sous sa capuche, frisent le ridicule. Hafsia Herzi est à mes yeux, presque aussi calamiteuse, dont je trouve le jeu terriblement faux. Échappe à mon courroux le seul Nahuel Perez Biscayart qui, décidément, d’un film à l’autre, habite toujours ses rôles avec la même incandescence. Les quelques pas de danse improvisée qu’il esquisse sur un parking nocturne constituent ma séquence préférée de ce film moyen.

La bande-annonce