Paul (Jean Dujardin) est un homme ordinaire qui vit avec sa femme (Marie-Josée Croze) et sa petite fille dans une maison d’architecte au bord de la mer du Nord. Il est la victime d’un phénomène que la médecine ne parvient pas à expliquer : il rétrécit de jour en jour. Réduit à quelques centimètres à peine, il tombe dans la cave de sa maison, est abandonné des siens et doit mener une lutte à mort contre la faim, la soif et les prédateurs alors que son rapetissement continue inexorablement.

Avez-vous comme moi gardé un souvenir inoubliable de L’homme qui rétrécit, le film américain de 1957 adapté du roman de Richard Matheson publié un an plus tôt ? Ses trucages maladroits où l’on voyait un chat et une araignée énormes pourchasser le malheureux héros réduit à rien vous ont-ils comme moi marqué à jamais ? Si tel est le cas, vous avez peut-être, comme moi, eu la curiosité d’aller voir ce remake tardif, réalisé quelque soixante-dix ans (!) plus tard.

Exit la peur des radiations nucléaires qui étaient la cause du rapetissement du héros. Elle a été supplantée par celle du dérèglement climatique. Mais dans les deux films, on ne s’apesantira guère sur la question. Le sujet est ailleurs.

Il est traité en deux parties d’inégale longueur. La première voit un homme ordinaire confronté à un phénomène extraordinaire. C’est la partie la moins convaincante notamment à cause des effets spéciaux particulièrement maladroits qu’elle utilise. Elle pose aussi un problème de scénario : comment imaginer que le héros se replie sur lui-même et refuse d’être soigné ?

La seconde partie est la plus attendue, surtout si l’on se souvient du film de 1957. On y voit le fameux chat et la non moins fameuse araignée aux dimensions monstrueuses et notre malheureux héros fragilisé par sa taille lilliputienne et son coffre imperceptible qui rend inaudibles ses appels à l’aide.
Certes, les effets spéciaux ont fait quelques progrès depuis soixante-dix ans. L’araignée est vraiment monstrueuse et la menace qu’elle fait planer dans ce sous-sol aimante toute la seconde moitié du film.

Mais ces scènes iconiques et assez peu crédibles (comment Paul se hisse-t-il hors de l’aquarium où il est tombé ?) ne suffisent pas à elles seules hélas à justifier l’intérêt du film. Il est irrémédiablement plombé par une voix off métaphysique sur le cosmos et le sens de la vie, ânonnée sur un ton sentencieux, le même que dans Sur les chemins noirs, par Jean Dujardin.

La bande-annonce

Mark Kerr est un lutteur américain qui, à la fin des années 90, fut l’un des pionniers des MMA (mixed martial arts, anciennement appelés combat libre ou free-fight). Après deux défaites, sa carrière connut une longue éclipse. Accro aux antalgiques, Mark Kerr dut subir une cure de désintoxication. Il ne réussit jamais à revenir au top niveau.

Benny Safdie, qui tournait jusqu’à présent toujours avec son frère Josh (Good Time, Uncut Gems), s’est lancé en solo dans un biopic, celui d’une ancienne star des MMA. Il s’est adjoint un atout de poids, Dwayne Johnson, alias The Rock, et son hallucinante musculature.

C’est là que réside le principal intérêt du film et la curiosité qu’il suscite : cette montagne de muscles hypertestostéronés et luisants d’huile, l’ambiance électrisante des arènes de MMA avec ce mélange dérangeant de la plus abjecte violence et du kitsch d’un spectacle hollywoodien.

Le problème de Smashing machine est qu’il ne nous propose pas grand chose de plus. Il voudrait, comme de bien entendu, souligner les failles d’un homme, coincé entre l’image de toute-puissance et d’hypervirilité qu’il projette et ses blessures intérieures. Le personnage de sa femme, remarquablement interprétée par Emily Blunt, qui joue à la perfection un rôle difficile de bimbo vulgaire et provocante, est convoqué à cette fin. Mais ce pan-là de la vie de Mark Kerr ne s’avère pas très intéressant, comparé à ce qu’il vit sur le ring.

Le cinéma américain a fait du boxeur/catcheur/lutteur une de ses figures emblématiques – alors que le cinéma français ne s’y est guère intéressé : Raging Bull, Rocky, Million Dollar Baby, The Wrestler, Fighter, Foxcatcher, Iron Claw… Je ne suis pas certain que Smashing Machine trouve sa place dans ce glorieux lignage.

La bande-annonce

Marianne Farrère (Isabelle Huppert) a beau être la femme la plus riche du monde, elle s’ennuie dans son hôtel particulier neuilléen. Sa vie est rythmée par les conseils d’administration de la multinationale qu’elle a héritée de son père et par les interviews qu’elle donne à la presse. Un jour, un photographe fantasque Pierre-Alain Fantin (Laurent Lafitte) vient prendre quelques clichés d’elle pour une revue à la mode. La milliardaire s’enflamme pour l’artiste excentrique et homosexuel. Ses outrances et sa vie débridée l’amusent. Elle fait de lui son ami et, au grand dam de son entourage, le bénéficiaire de ses libéralités.

Thiery Klifa s’est emparé avec gourmandise de l’affaire Bettencourt-Banier. Liliane Bettencourt, l’héritière vieillissante de L’Oréal, s’était entichée, on s’en souvient, de François-Marie Banier, ce photographe à la réputation sulfureuse. Sa fille, Françoise Bettencourt-Meyers, l’avait attaqué pour abus de faiblesse, reprochant au photographe d’avoir obtenu de sa mère près d’un milliard d’euros de dons en numéraire ou en nature. L’accusation se fonde notamment sur des enregistrements réalisés clandestinement par le majordome de Liliane Bettencourt. L’affaire se conclut par un accord entre les parties en 2010. Mais son volet pénal, que le film n’évoque pas, conduit à la condamnation en 2016 de François-Marie Banier à quatre ans d’emprisonnement avec sursis.

Cette affaire croquignolesque est l’occasion pour Thierry Klifa de dresser un portrait mordant de ces ultra-riches. Il n’a pas mégoté sur les costumes et les décors d’un luxe incroyable et d’une élégance parfaite. La production y a-t-elle englouti l’essentiel de son budget ? C’est probable et c’est pertinent.

L’affaire aurait pu être traitée avec moins de nuances, sur le mode du vaudeville ou bien sur celui de la critique de classe cinglante. Thierry Klifa évite ces deux écueils. Il ne verse pas dans la caricature. Marianne Farrère/Bettencourt n’est pas – ou du moins pas seulement – une milliardaire qui a perdu le sens des réalités ; c’est d’abord une femme qui revit au contact d’un homme qui lui change les idées.  Il faut reconnaître, même si d’aucuns ne la portent pas dans leur cœur, qu’Isabelle Huppert est parfaite dans ce rôle. Laurent Lafitte est également parfait dans le sien ; mais c’est pour lui un pléonasme. L’homosexualité affichée de Fantin/Banier permet d’écarter immédiatement l’hypothèse farfelue d’une romance et, au contraire, de questionner la construction d’un lien amical plus profond encore.

Il faut saluer aussi la qualité des seconds rôles, tous impeccables, à commencer par celui du majordome interprété par Raphaël Personnaz, condamné par ses fonctions à garder un silence respectueux alors que les frasques de Fantin le scandalisent. Mention spéciale à André Marcon qui montre ici, une fois encore, quel acteur établi il est.

La situation des personnages, aussi intéressante qu’elle soit, est vite stabilisée et n’évolue guère. La question autour de laquelle le film se construit – Fantin/Banier était-il un escroc qui a sciemment plumé une veuve fortunée ou bien un artiste fantasque qui a profité des libéralités de sa riche amie sans y voir malice ? – est très rapidement posée et les développements subséquents ne permettent guère, au bout de deux heures, d’y répondre mieux qu’après trente minutes.

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Sol a sept ans. Sa mère la conduit chez son père et chez ses tantes. La maisonnée vibre des préparatifs de la fête qui sera donnée ce soir-là.

Tótem est un film mexicain tourné à hauteur d’enfant. Le procédé n’est pas nouveau. Il produit des résultats contrastés. Début 2022, j’avais énormément aimé Un monde, l’immersion traumatisante, filmée de son point de vue, d’une fillette dans son école primaire. J’avais trouvé plus convenu Petite Solange, qui racontait le divorce des parents d’une pré-adolescente. En 2023, dans L’Île rouge, Robin Campillo racontait ses souvenirs d’enfance à Madagascar, au début des années 70, dans un camp militaire de coopérants français.

Tótem a une immense qualité : il réussit à la perfection à reconstituer l’ambiance fiévreuse des préparatifs d’une fête. Il le fait d’autant mieux que ces préparatifs sont vus à travers les yeux de Sol, avec leur part de mystère, d’incongruité voire d’ironie. On comprend très vite qu’autre chose se joue : le père de Sol, Tona, âgé de vingt-sept ans à peine, se meurt dans la chambre d’à côté, sous la garde d’une infirmière aimante et son anniversaire qui se prépare sera très probablement son dernier.

Le problème de Tótem est que, une fois ce cadre posé, plus rien ne s’y passe. Le film fait du surplace, se contentant d’ajouter des scènes quasi-identiques, rajoutant plusieurs couches de personnages plus ou moins originaux (un grand-père psychanalyste qui s’exprime grâce à un laryngophone, une tante qui se refait sa teinture, une autre qui se muscle le fessier avec des électrostimulateurs…) jusqu’à la fête nocturne, sa cohorte d’amis aussi fidèles qu’émus, et l’épilogue qu’on savait par avance inéluctable.

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