Au début des années 80, dans un village perdu du nord du Chili, un cabaret animé par quelques travestis aux noms d’oiseaux (Aigle, Lionne, Boa, Flamant rose….) accueille un public de miséreux. Lidia, une gamine de onze ans, y est recueillie. Un mal terrible s’est répandu. La rumeur dit qu’il se transmet par un simple regard.

Le Mystérieux regard du flamant rose est le premier long métrage d’un jeune réalisateur chilien de trente ans à peine. Sélectionné à Cannes, il y a remporté le prix « Un certain regard ». Neuf mois plus tard, il arrive sur les écrans français accompagné de critiques louangeuses. Libération évoque un « récit d’initiation à la lisière du merveilleux », Télérama un « film unique en son genre », Les Inrocks « un film hautement recommandé à ceux et celles qui aiment les films qui sortent des sentiers battus ».

Peut-être n’aimé-je pas assez les films qui sortent des sentiers battus ? J’ai trouvé que sous le couvert d’un faux exotisme, pas si exotique que ça (les hauts plateaux désertiques latino-américains ont déjà été souvent filmés), Le Mystérieux Regard du flamant rose ne proposait rien de bien nouveau. On me dira certes, qu’outre son décor, il s’inscrit à l’intersection de plusieurs genres : le film LGBT stigmatisant l’homophobie bas du front et glorifiant la solidarité sororale qui unit les travestis du cabaret de Maman Boa, le western avec son ambiance Far West et ses pistolets fumants, le coming-of-age movie envisagé du point de vue de la jeune Lidia, le film fantastique… La belle affaire ! Cette richesse indéniable ne suffit pas à insuffler un peu d’énergie à ce film exsangue, trop long de vingt minutes, sans rythme et sans enjeu.

La bande-annonce

Nino et Yasmina sont nés le même jour, à la même heure, dans la même maternité beyrouthine sous les bombes. Elèves à la même école, ils sont inséparables. Mais le divorce des parents de Yasmina et la mort brutale de ceux de Nino les éloignent. Ils se retrouvent par hasard vingt ans plus tard. Mais quel avenir un couple amoureux peut-il avoir au Liban aujourd’hui ?

Cyril Aris avait monté le film de Mounia Akl Costa Bravo Lebanon et en avait réalisé le making-off Danser sur un volcan, sur la difficulté de réaliser un film au Liban de nos jours. Les rôles ont permuté : Mounia Akl est passée devant la caméra que tient désormais Cyril Aris.

Le titre de ce film est ambitieux. Son sujet l’est doublement. Il s’agit à la fois de raconter une grande histoire d’amour sur trente années et de dresser en arrière-plan le portrait du Liban contemporain, un pays si attachant et un Etat si failli.

On a scrupule à avoir la dent dure avec ce film attachant. Mais hélas force est de constater que son double pari n’est qu’en partie tenu. L’histoire d’amour façon Jeux d’enfants avec le couple Canet-Cotillard de deux ravissants bambins qui, devenus adultes, retrouvent leur complicité enfantine n’est qu’à moitié réussie faute peut-être d’alchimie entre les deux comédiens principaux. Quant au portrait du Liban déchiré, c’est devenu un tel lieu commun avec Journal intime du Liban, Le Quatrième Mur, Sous le ciel d’Alice ou précisément Danser sur un volcan du même Cyril Aris, qu’on y a l’impression de faire du sur-place sans y rien apprendre.

La bande-annonce

Quatre femmes se croisent à Paris lors de la Fashion Week.
Maxine (Angelina Jolie), une réalisatrice américaine de films Z, a été choisie par une maison de haute couture pour réaliser le vidéo-clip qui accompagnera son défilé.
Ada (Anyer Anei) est une jeune mannequin sud-soudanaise qui fait ses premiers pas sur les catwalks.
Angèle (Ella Rumpf) est une maquilleuse qui court les shootings pour gagner sa vie mais aspire à devenir écrivaine et noircit des carnets.
Christine (Garance Marillier) est une couturière qui s’est vu confier le soin de réaliser la robe qui fera l’ouverture du défilé.

Scénariste de tous ses films (Augustine, Maryland, Proxima, Revoir Paris), Alice Winocour choisit une fois encore de donner le premier rôle aux femmes. Cette fois-ci, elle opte pour le film choral. C’est donc par une narration éclatée que nous découvrirons tour à tour l’histoire de Maxine, d’Ada, d’Angèle et de Christine.

Le procédé a ses inconvénients, bien connus, que Coutures n’évite pas : certaines histoires sont plus intéressantes que d’autres, certaines prennent plus de place que d’autres. Ici, la balance penche en faveur d’Angelina Jolie dont le statut de star et aussi l’indéniable charisme ont conduit la réalisatrice à lui donner la part du lion. Son histoire envahit le film au détriment des trois autres actrices, notamment au détriment de Garance Marillier dont le personnage est réduit à quasiment rien. Celui d’Angelina Jolie bénéficie au contraire de longs développements qui nuisent à la cohérence du récit même s’ils approfondissent le personnage : un oncologue plein d’empathie (Vincent Lindon) lui annonce qu’elle souffre d’un cancer du sein et un assistant réalisateur affectueux (Louis Garrel) lui apporte la tendresse dont elle a cruellement besoin.

Coutures m’a semblé être un exercice de style un peu vain, une ronde sans centre, une roue sans moyeu. Si le sujet du film est la haute couture, Alice Winocour aurait dû le raconter autrement, prendre une autre focale pour décrire le travail minutieux des couturières, la beauté fragile des modèles, le talent des artistes et la superficialité de ce luxe « inutile et nécessaire ». On lui préfèrera les documentaires autrement plus éclairants sur Yves Saint Laurent ou Olivier Rousteing.

La bande-annonce

Linda Liddle (Rachel McAdams) est une vieille fille solitaire, une fan de Survivor, une sorte de Koh Lanta made in USA, et un bourreau de travail dont les efforts désespérés pour obtenir une promotion au sein de l’entreprise dont vient d’hériter Bradley Preston (Dylan O’Brien) se sont heurtés à un plafond de verre. Lorsque le jet privé qui les amène à une importante réunion à Bangkok s’écrase dans le golfe de Thaïlande, Bradley et elle sont les seuls survivants du naufrage.

Si Send Help avait été une RomCom éculée, les deux naufragés, aussi dissemblables l’un que l’autre, façon Katherine Hepburn et Humphrey Bogart dans African Queen, auraient surmonté leur répugnance à coexister pour s’unir face à l’adversité avant de céder au charme l’un de l’autre et de se tomber dans les bras.

Attention spoiler ! Mais #MeToo est passé par là et les recettes patriarcales de la RomCom ne sont plus au goût du jour. L’heure est à l’empowerment féministe. Et Linda Liddle en sera l’incarnation. Cette comptable sale et mal fringuée au bureau devient sur une île déserte une vraie amazone capable d’allumer un feu, de construire un abri et de tuer à mains nues un entélodonte, toute chose que le PDG en mocassins est évidemment inapte à faire.

Send Help n’est donc pas une RomCom au happy end prévisible. Mais il en a le défaut exactement symétrique. Il ne laisse planer aucun suspens sur l’incompatibilité du duo voué à se déchirer en dépit de quelques armistices. Tout au plus peut-on se demander comment leur mésentente se conclura. On peut compter sur Sam Raimi, vieille légende hollywoodienne, promu trop jeune à la célébrité avec des films d’horreur auto-parodiques (Evil Dead et ses suites), réalisateur à la chaîne de trois Spider-Man, pour nous réserver quelques surprises gentiment gore (Send Help est interdit aux moins de douze ans mais cette restriction peut sembler bien sévère).

La bande-annonce

Le commissaire Maigret (Denis Podalydès) est sommé par le Quai d’Orsay de mener une délicate enquête : un grand ambassadeur à la retraite a été assassiné de cinq balles de pistolet automatique dans son appartement de la rue de Bellechasse. Sa gouvernante (Anne Alvaro) affirme ne rien avoir entendu. La mort de l’ambassadeur est-elle liée à celle, quelques jours plus tôt, du prince de Vuynes avec la femme de laquelle la victime entretenait depuis une cinquantaine d’années une correspondance enflammée ?

On ne compte plus les adaptations de Simenon au cinéma et à la télévision et les Maigret d’anthologie depuis Harry Baur jusqu’à Gérard Depardieu (en 2022 dans un film de Patrice Leconte qui ne m’avait pas convaincu) en passant bien sûr par Michel Simon, Jean Gabin, Jean Richard et Bruno Crémer. On peut s’interroger sur l’intérêt d’en rajouter une nouvelle, sinon la quasi-certitude qu’un public fidèle, plutôt âgé, aussi parisien que provincial, s’y laissera prendre sur la foi d’un réalisateur de renom et d’un casting solide.

Maigret et les Vieillards a été écrit en 1960. Pascal Bonitzer choisit de l’adapter de nos jours ou, pour être plus précis, au début des années 2000, à l’époque où la PJ était encore quai des Orfèvres. Cette transposition interroge ; car ce Maigret conserve le parfum indélébile des années 50. On y croise encore des domestiques en uniforme, des princesses et des directeurs de conscience. On s’y écrit des lettres qu’on conserve pieusement en les entourant d’un ruban. On y souffre de la goutte. On y évoque avec nostalgie notre « légation à Cuba ».

Denis Podalydès modernise le personnage mythique du commissaire le plus célèbre de France. S’il n’a ni la carrure imposante ni l’embonpoint de ses prédécesseurs, il en porte la gabardine, la pipe et le chapeau. Signe des temps, la femme de Maigret, longtemps invisible, a désormais un visage, celui d’Irène Jacob, et trois scènes.

Maigret mène son enquête tambour battant. Le film de Bonitzer, d’une heure vingt à peine, a la concision sèche et l’efficacité des romans de Simenon. Les interrogatoires de Maigret sont brefs et précis. Leur répétition chronométrique constitue d’ailleurs le point faible de ce film qui atteint bientôt sa vitesse de croisière  jusqu’à son épilogue, qui prend quelque liberté avec celui du livre, plus fermé. Mais ces interrogatoires serrés sont aussi l’occasion de croiser des seconds rôles talentueux : Dominique Reymond en aristocrate d’un autre temps, Micha Lescot en antiquaire traumatisé, Hugues Quester en notaire podagre et surtout Anne Alvaro à laquelle, si nous n’étions pas en février, j’aurais déjà prophétisé un César.

La bande-annonce

Passionnés de basket, Bouna (Jean-Pascal Zadi) et Jérémy (Raphaël Quenard) rêvent de devenir agents de joueurs et d’accompagner des basketteurs français dans la prestigieuse NBA américaine. Mais ils n’ont aucune relation et ne parlent pas un mot d’anglais.

Faut-il que j’aime mes amis pour les avoir accompagnés dimanche dernier à l’avant-première de cette comédie dont je craignais le pire ? Après avoir vu (et revu) sa bande-annonce, je pensais en connaître par avance tous les rebond(issement)s prévisibles.

Alors ? Je serais bien pisse-vinaigre de dire que je m’y suis ennuyé – même si ce Rêve américain aurait gagné à être plus court d’une demi-heure. Je serais un vrai bonnet de nuit à affirmer que je ne me suis pas amusé et que je n’ai pas été ému.

Certes Le Rêve américain ne nous offre rien de plus que ce que sa bande-annonce promet : l’histoire de deux associés qui, à force de volonté et de débrouillardise, réalisent leur rêve. Il le fait avec des moyens éculés qui ne révolutionnent pas le cinéma. Ca tombe bien : tel n’était pas son ambition.

Mais Le Rêve américain s’inspire d’une histoire vraie dont il sait tirer tout le profit. C’est une ode à l’amitié qui réjouira la France de gauche à travers le portrait de deux fils d’immigrés, sénégalais et algériens, et leur parcours exemplaire d’intégration méritocratique. C’est aussi une ode à la persévérance, au travail, à la France qui se lève tôt qui réjouira la France de droite.

Bref, Le Rêve américain est un feel-good movie totalement consensuel. Mais pourquoi lui en faire le reproche ?

La bande-annonce

Marty Mauser (Timothée Chalamet) est un pongiste surdoué. Il vient de remporter l’Open d’Angleterre face au champion du monde en titre, un juif hongrois rescapé des camps. Marty pourrait fort bien décrocher le titre mondial aux prochains championnats qui se dérouleront en 1952 à Tokyo. Encore faut-il qu’il trouve l’argent pour payer son billet d’avion et solder la dette qu’il a contractée à Londres auprès de la fédération. Pour parvenir à ses fins, Marty est prêt à tout : mouiller dans les arnaques les plus dangereuses, obtenir le parrainage du PDG dont il vient de séduire la femme…

Josh Safdie, qui tournait jusqu’à présent toujours avec son frère Benny (Good Time, Uncut Gems), s’est lancé en solo dans le vrai/faux biopic d’une star oubliée d’un sport qui, aux Etats-Unis, n’a jamais été pris au sérieux : le ping-pong.

L’action se déroule au début des années 50 à un moment clé de l’histoire de ce sport. Longtemps réservé aux Blancs (les premiers champions du monde furent britannique, hongrois, autrichien ou tchécoslovaque), ce sport immensément populaire en Asie fut à partir de cette époque dominé par les Japonais puis par les Chinois. Ce basculement est concomitant de l’introduction de la mousse sur les raquettes qui permet de donner à la balle un effet que les raquettes en bois (hardbat) ne lui donnaient pas.

Mais, qu’on s’en félicite ou qu’on le déplore, le tennis de table n’est pas le sujet principal de ce film – dont je serais quand même curieux de savoir si les frères Lebrun l’ont vu et ce qu’ils en ont pensé. Marty Supreme, comme son nom l’indique, est un one man show de la méga star du moment, j’ai nommé le beau Timothée, le crush de l’Amérique, combinaison explosive de masculinité féline, d’énergie inépuisable et de culot monstrueux.

Car son personnage, pour être culotté, l’est sacrément. Il ose tout. Rien ne lui fait peur : coucher avec la femme de son voisin (la ravissante Odessa A’Zion à laquelle je prophétise un brillant avenir), dormir au Ritz aux frais de la fédération internationale qui lui en gardera un chien de sa chienne, draguer une ancienne star de cinéma (Gwyneth Paltrow cougar à souhait qu’on n’avait plus vue depuis belle lurette) mariée à un magnat du stylo (Kevin O’Leary que j’ai confondu pendant tout le film avec Kevin Spacey), arnaquer un dangereux mafieux (Abel Ferrara en guest star autoparodique)…

Le tout est mené à un tempo d’enfer dans un gigantesque chaos qui constitue la signature des frères Safdie. La B.O. est audacieuse, composée de tubes des années 80 totalement anachroniques : Alphaville, Tears for Fears, Peter Gabriel…

Marty Supreme part dans tous les sens, à toute allure, parfois sur des chemins de traverse qui nous détournent du droit chemin censé nous mener aux championnats du monde de Tokyo. On s’attend depuis la première minute du film au triomphe annoncé du jeune pongiste charismatique. La fin est surprenante qui ne nous offre pas tout à fait ce que nous escomptions. Et c’est tant mieux !

La bande-annonce

Mike est un « urchin », un voyou, un garnement. Il fait des allers-retours entre des foyers, la rue et la prison. Il s’y retrouve une fois encore après un vol avec agression. Il en ressort quelques mois plus tard. Sera-t-il enfin sur la voie de la rédemption ?

Urchin est l’œuvre de Harris Dickinson, un jeune acteur en voie de starification, qui partageait la tête d’affiche de Babygirl avec Nicole Kidman et celle de Iron Claw avec Zac Effron avant d’interpréter prochainement John Lennon sous la direction de Sam Mendes. La jeune star a réalisé son premier film. Il laisse le premier rôle à Frank Dillane récompensé par le prix du meilleur acteur de la section Un certain regard à Cannes l’an dernier. Récompense méritée tant son interprétation est incandescente.

Urchin raconte, sans effet de manche, sans figure de style, une page de la vie d’un SDF. On voit Mike tenter de renouer avec une vie normale, travailler dans les cuisines d’un restaurant, s’essayer à la vie de couple avec une collègue de travail. Urchin n’est pas un film social, un film à thèse, façon Ken Loach dans lequel la grandeur des gens de peu est glorifiée et l’inhumanité d’une société sans cœur stigmatisée.

Son personnage est extraordinairement ambigu ce qui en fait la richesse et l’intérêt. Mike est-il un gamin détruit par une enfance sans amour dont la rédemption est possible ? ou un sauvageon perverti que rien n’empêchera de glisser inexorablement sur la pente de ses addictions ? Si j’osais, je dirais qu’on aura l’une ou l’autre opinion de lui selon qu’on est de droite ou de gauche. Etant au centre, j’ai eu les deux et j’ai adoré cette indécision.

La bande-annonce

On a quasiment tous lu un jour ou l’autre l’unique roman d’Emily Brontë, morte à trente ans, Les Hauts de Hurlevent, ou vu une de ses innombrables adaptations cinématographiques ou télévisuelles, la plus remarquable étant à ce jour celle de 1939 avec Lawrence Oliver et Merle Oberon. On se souvient qu’Heathcliff est un bohémien adopté par M. Earnshaw et élevé dans sa ferme perdue dans les landes venteuses du Yorkshire. Heathcliff est en butte à l’hostilité du fils aîné de M. Earnshaw – un personnage qui disparaît dans le film de 2026. En revanche, il est l’objet des tendres attentions de sa fille, Cathy, qui, doit se résoudre à épouser un riche bourgeois, Edgar Linton.

À partir de ce point de départ, Emerald Fennell réalise une superproduction hollywoodienne à 80 millions de dollars, sortie en grande pompe dans le monde entier pour la Saint Valentin, dont le principal atout est ses deux têtes d’affiche. Margot Robbie et Jacob Elordi (que Fennell avait dirigé dans Saltburn) sont les deux stars les plus sexy du moment dont la présence au casting est censée séduire l’humanité tout entière, homme ou femme, hétéro ou homo.

Le film est un immense vidéo-clip à leur dévotion façon Mylène Farmer ou Jean-Paul Gaultier dans lesquels ils apparaissent tour à tour vêtus des costumes les plus incroyables et coiffés des perruques les plus impressionnantes. Le tout est filmé dans des décors d’une artificialité revendiquée – ainsi de la chambre à coucher de Cathy dont les murs sont recouverts de latex qui reproduisent la peau, les veines et même les grains de beauté de Margot Robbie. Les deux acteurs, constamment trempés par les embruns du Yorkshire et/ou leurs larmes qui coulent à flots, y affichent les signes de la plus fougueuse des passions.

Le tout prête souvent à sourire alors que tel n’est pas évidemment sa fonction. On se demande si on n’est pas en train de regarder le plus grand navet de l’année, une sorte de 50 nuances de Grey épicé d’une petite pointe de SM pas trop relevé pour ne pas effaroucher le cœur de cible des 12-16 ans. J’ai hésité à mettre zéro étoile et, par bonté d’âme, parce que je ne me suis pas ennuyé une seule seconde, parce que les décors m’ont bluffé, parce que Margot Robbie est à mes yeux la plus belle actrice du monde et du moment, je lui en ai mis une.

PS : Pourquoi diable le titre est-il entre guillemets ?

La bande-annonce

You Man-su s’est fait sèchement licencier de l’entreprise où il travaillait fidèlement depuis vingt-cinq ans. Il sombre lentement dans la dépression en essayant sans succès de retrouver un emploi. Sa prime de licenciement dépensée, il doit désormais, la mort dans l’âme, penser à réduire le train de vie de sa famille. Sa recherche d’emploi restant vaine, il fomente un plan machiavélique : éliminer le cadre qui occupe le poste qu’il convoite et y candidater après avoir écarté tous les candidats potentiels à son remplacement.

Aucun autre choix est la seconde adaptation d’un roman de Donald Westlake publié en 1997. On devait la première à Costa-Gavras. Tournée en Belgique, elle était sortie en 2005 sur les écrans français.. José Garcia y interprétait à contre-emploi le rôle de ce chômeur serial killer.

Le Couperet était un thriller où un homme, suivant une logique criminelle, éliminait l’un après l’autre ses rivaux potentiels. Aucun autre choix suit la même trame linéaire, mais se donne le temps de s’en écarter (il dure deux heures dix-neuf). C’est d’ailleurs ce qui en fait l’intérêt.

Il commence par une (longue) mise en place, où l’on découvre You Man-su, sa femme, son beau-fils, sa fille, violoncelliste surdouée et autiste, ses deux chiens… C’est très progressivement que l’intrigue se met en place, lors de la scène capturée sur l’affiche, au cours de laquelle le héros réalise qu’éliminer le cadre dont il ambitionne le poste ne règlera pas son problème et qu’il faut préalablement éliminer d’abord les candidats potentiels à ce poste s’il venait à se libérer. Il passe alors une fausse petite annonce qui lui permet de récolter les CV de ses rivaux potentiels.

Commence alors une lente chasse à l’homme où You Man-su, par un troublant effet de miroir, se retrouve face à des chômeurs aussi paumés que lui. Le premier a sombré dans l’alcoolisme au grand dam de son épouse. Le second a trouvé un emploi chez un marchand de chaussures (comme Marty Mauser !). Sa dernière victime, le cadre qu’il veut remplacer, nage dans l’opulence mais n’en mène pas pour autant une vie plus épanouie.

Park Chan-wook est sans doute l’un des plus grands réalisateurs coréens avec Bong Joon-ho, l’auteur de Parasite. Il a signé quelques-uns des films les plus marquants du dernier quart de siècle : je ne me suis toujours pas remis du traumatisme causé par Old Boy. Le sens de la provocation qu’il déployait dans ses premiers films sanguinolents est mis ici au service d’un propos plus politique : Aucun autre choix est une dénonciation implacable du capitalisme et de l’aliénation au travail qu’il fait naître.

Aucun autre choix est volontiers gore. Il est fort légitimement interdit aux moins de douze ans. Ceux qui espéraient voir pour la Saint Valentin une romance sucrée lui auront hélas préféré Hurlevent (que je chroniquerai demain). Il n’en reste pas moins un vrai et grand moment de cinéma jubilatoire par l’énergie qu’il dégage, la parfaite maîtrise de ses effets et la qualité exceptionnelle du jeu de son acteur principal, Lee Byung-Hun, acteur fétiche de Park Chan-Wook depuis Joint Security Agreement.

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