Kellou est une jeune lycéenne dans un village du nord-est du Tchad. Entre un père aimant et un copain, Baba, dont elle est profondément amoureuse, tout irait pour le mieux dans la vie de Kellou si elle n’était pas hantée par des visions horrifiques. Kellou se rapproche d’une femme, Aya, que le village a mise au ban en l’accusant de la mort de plusieurs enfants. Comme Kellou, Aya possède des dons extra-lucides.

Le cinéma tchadien n’est guère connu. Il se résume à un seul nom : Mahamat-Saleh Haroun qui tourne des films depuis une trentaine d’années et qui les projette dans les festivals les plus prestigieux. Si on était mauvaise langue, on se demanderait s’il doit ces sélections flatteuses à la qualité de ses œuvres ou à leur origine exotique qui permet aux sélectionneurs d’éviter le reproche d’une programmation trop occidentalo-centrée.

Je me souviens avoir découvert son cinéma au début des années 2000, à la veille d’une mission qui m’avait conduit à N’Djamena au siège de la Cour de justice de la CEMAC. Je venais de voir Bye Bye Africa à l’Espace Saint-Michel et avait reconnu son réalisateur assis avec des amis à une table voisine de la mienne. Fort audacieusement, je lui avais dit que j’avais aimé son film – ce qui n’était qu’à moitié vrai – et que je m’envolais pour le Tchad le lendemain.

Mais, il faut que j’arrête de raconter mes guerres, comme un vieillard nostalgique et prétentieux.
Que dire de Soumsoum ?

Son scénario a été co-écrit par Laurent Gaudé. On reconnaît la plume de l’auteur de La Mort du roi Tsongor et de Salima dans ce conte africain aux faux airs de tragédie grecque. L’histoire emprunte à Antigone, invoque en effet les lois de la morale et leur supériorité sur celles de la cité.

Certes, les paysages désertiques de l’Ennedi sont magnifiques et n’ont rien à envier à la Monument Valley. Mais le jeu des acteurs est, comme c’est souvent hélas le cas dans les films de Mahamat-Saleh Aroun, bien hésitant. Et surtout, le rythme languissant du film épuise la patience du spectateur occidental, guère habitué à autant de longueurs.

La bande-annonce

La quarantaine bien entamée, Rémi (Vincent Macaigne) travaille dans une PME qui accueille une nouvelle employée débordante d’énergie, Patricia (Cécile de France). Brisé par une histoire d’amour qui a mal fini, Rémi a trouvé une solution originale à son désir de couple et à sa peur phobique de l’abandon : la compagnie d’une poupée sexuelle. Mais un beau soir, sa poupée (Zoé Marchal) se réveille.

L’idée de départ de La Poupée est aussi absurde que drôle : une sex doll revient à la vie. Cette idée de départ n’est pas totalement originale. On a déjà vu au cinéma des robots (Terminator et ses avatars, A.I.), des sirènes (Splash) ou des extra-terrestres (Under the skin) devoir endosser une humanité qui leur était étrangère. Cette idée de départ donne lieu à toutes sortes de développements souvent comiques parfois philosophiques, sur la difficulté de se glisser sous la peau d’un humain.

Mais La Poupée ne choisit pas cette voie. Audrey, interprétée par Zoé Marchal (fille d’Olivier Marchal et déjà aperçue dans plusieurs séries TV), n’est pas le personnage principal du film, même si sa rencontre avec les parents de Rémi (Gilbert Melki et Marianne Basler délirants dans le rôle de vieux sexagénaires détraqués) donne lieu à l’une de ses meilleures.

Le personnage principal du film, c’est Rémi. Et son histoire, comme on l’aura hélas compris grâce à la bande-annonce, est celle de sa lente convalescence, de la restauration de sa confiance en lui et de l’amour qui naît et qui grandit avec Patricia.

Ce décentrement du récit est l’écueil sur lequel s’échoue La Poupée. En se concentrant sur le couple en gésine de Rémi et de Patricia, il fait du film une banale comédie romantique sans originalité ni suspense. Se serait-il focalisé sur Audrey, sur sa relation avec Rémi, sur son surréaliste réveil et ses conséquences aussi drôles qu’absurdes, il aurait pu rivaliser avec les délires absurdes d’un Quentin Dupieux ou d’un Spike Jonze (Her est la référence qui vient à l’esprit).

La bande-annonce

Clémence (Pauline Clément) est la fille cadette d’un père qui ne l’a jamais estimée. Un curieux concours de circonstances l’amène à être recrutée par Paul (Arthur Dupont), le directeur autoritaire d’une société vendant du matériel de vidéosurveillance.

On n’a pas envie de dire du mal de ce petit film français délicat, excellement interprété et joliment écrit. Il est l’œuvre d’un homme de cinéma chevronné, monteur, scénariste, réalisateur et même acteur, qui travailla notamment avec Solveig Anspach – à qui le film est dédié. Cette proximité s’incarne dans la présence de Karin Viard qui interprète son propre rôle et pour laquelle la sœur de Clémence développe une obsession.

Mais hélas, Une fille en or ressemble trop au tout-venant cinématographique français, à ces films qu’on apprécie et qu’on oublie aussitôt. Ils ont en général comme héroïne une jeune Parisienne plus toute jeune qui a des problèmes de cœur/de logement / de boulot et qui se déplace à vélo. En général encore, tous ces problèmes finissent par se résoudre : elle réussit à trouver le grand amour + un appartement + un travail où elle est enfin reconnue à sa juste valeur.

C’est ce qui arrive avec cette Fille en or où l’affiche nous raconte déjà ce qui va y arriver et le lent rapprochement de deux opposés : la jeune fille qui manque de confiance en elle et le patron tyrannique qui n’est finalement pas si méchant que ça.

La bande-annonce

Un frère et une sœur entreprennent une traversée périlleuse depuis le Bangladesh jusqu’en Malaisie.

Les Rohingyas forment une minorité musulmane dans l’ouest de la Birmanie privée de tout droit civique depuis 1982. Persécutés par la majorité bouddhiste, ils ont fui en masse vers le Bangladesh voisin. Ils s’y entassent dans des camps de réfugiés. Longtemps ignorée de la communauté internationale, leur situation s’est lentement médiatisée depuis 2017.

Le jeune réalisateur japonais Akio Fujimoto – dont les deux premiers films, inédits en France, suivaient le parcours d’une famille birmane et de jeunes Vietnamiennes immigrées au Japon – s’est intéressé au sort des Rohingyas. Il aurait pu tourner un documentaire. Il choisit la fiction pour raconter, à travers l’itinéraire semé d’embuches de deux enfants, les vicissitudes de ce peuple persécuté.

Pour ne pas divulgâcher les rebondissements de l’histoire, on ne décrira pas les différentes étapes de leur longue odyssée. On se bornera à révéler sans surprise que le bateau dans lequel Shafi, quatre ans, et sa sœur Somira, neuf ans, embarquent avec leur tante au Bangladesh en direction de la Malaisie n’arrivera pas à bon port. Sur leur chemin, les deux gamins rencontreront à la fois des bons Samaritains prêts à les aider sans contrepartie et des salauds capables des pires ignominies pour profiter de leur précarité.

Face à ce vaste éventail de comportements humains, les deux enfants n’ont rien à opposer, sinon leur impassibilité. Le petit garçon est trop jeune pour avoir conscience de ce qui leur arrive ; sa sœur aînée est encore une enfant dont le seul réflexe quasi-animal est de protéger son frère et d’aller de l’avant quoi qu’il en coûte.

Leur entêtement, leur fragilité sont des crève-cœurs. On ne ressort pas indemne d’un tel film dont le scénario rebondissant a le talent de déjouer tous nos pronostics.

La bande-annonce

Lilia (Eya Bouteraa) a trente-deux ans. Elle vit en France loin de sa famille. La mort de son oncle l’oblige à revenir à Sousse en Tunisie. Ses funérailles sont l’occasion de mettre à nu des secrets familiaux longtemps enfouis.

À voix basse est le troisième film de la réalisatrice tunisienne Leyla Bouzid. J’avais adoré les deux premiers, À peine j’ouvre les yeux (2015) et Une histoire d’amour et de désir (2021). Aussi suis-je allé avec impatience voir l’avant-première de celui-ci d’autant qu’y participait Hiam Abbass, l’une de mes actrices préférées.

Les quinze premières minutes du film sont les meilleures. On ignore encore tout des personnages, de cet oncle décédé et de sa nièce qui s’est éloignée de sa famille. Mais très vite les secrets qui les entourent s’éventent. Je conseille aux spectateurs qui souhaitent aller le voir le film de suspendre ici leur lecture.

Très vite, on apprend que l’oncle Daly était homosexuel, un secret honteux que sa famille cachait par crainte de la réprobation et de la police. Très vite aussi on apprend que Leila est lesbienne et qu’elle vit depuis plusieurs années en couple avec Alice (Marion Barbeau découverte dans En corps). À partir de ce point là, le film va creuser un seul sillon : celui de l’homophobie d’une société et d’une famille.

Bien sûr, la cause est juste. On pense aux pays nombreux qui criminalisent l’homosexualité et à ceux qui, comme le Sénégal récemment, durcissent leur législation à contre-courant d’une évolution mondiale vers plus de tolérance. Mais, comme je l’écris (trop ?) souvent, les belles idées ne font pas nécessairement de bons films. Leur défaut est de prendre en otage le scénario et les spectateurs avec lui. Tout dans À voix basse (un titre très bien trouvé pour évoquer la chape de plomb et l’hypocrisie qui entourent l’évocation de l’homosexualité en Tunisie) est mis au service du même projet : dénoncer cette situation inacceptable.

Ce serait bien ingrat de lui reprocher de mal le faire. Le scénario est subtil ; le jeu d’acteurs est excellent, à commencer par celui, tout en silences, de Hiam Abbass. Mais hélas À voix basse pêche par son excès de bons sentiments et par sa prévisibilité. Quand le couple que forment Leila et Alice se dispute, on sait par avance qu’il se réconciliera – et il le fait dans une scène d’une rare maladresse qui aurait pu être filmée par David Hamilton. Quand la mère de Leila, interprétée par Hiam Abbass comprend l’homosexualité de sa fille, on pressent que sa désapprobation cèdera bientôt le pas à une acceptation plus clémente.

À voix basse est un bon film que je recommande. Mais il n’est pas du niveau des deux premiers films de Leyla Bouzid qui m’avaient tellement enthousiasmé.

La bande-annonce

Un couple invite un ami d’enfance pour résoudre leur problème d’infertilité.

Aussi sommairement résumé, La Petite Graine pouvait laisser craindre le pire : une comédie franchouillarde graveleuse et pas drôle, du théâtre mal filmé mettant en scène un quatuor d’acteurs, une intrigue se concluant inévitablement par la grossesse de l’héroïne qui retrouvera dans les bras de son époux, injustement délaissé, le chemin de l’amour et de la fertilité.

Mais le film des jumeaux Rifkiss n’est rien de tout cela. Certes sa structure rappelle les pièces de boulevard avec son lieu unique et son nombre limité d’acteurs ; mais il a l’intelligence d’utiliser les ressources qu’offre le cinéma et de dilater l’action sur plusieurs semaines sinon sur plusieurs mois. Son montage est ingénieux, qui ménage des ellipses, des coups d’accélérateur et des coups de frein.

Mais c’est surtout par son propos, tout en finesse, que La Petite Graine se distingue. Entre la comédie lourde et le film dossier de l’écran sur le-douloureux-parcours-des-parents-en-PMA, il trouve un chemin à la fois drôle et subtil. La Petite Graine est un film qui fait sourire et même qui fait rire tant certaines de ses situations sont désopilantes. Mais il le fait sans vulgarité, sans lourdeur. Sébastien Chassagne (Baise-en-ville, Nous les Leroy, Yannick…), époux stérile mais aimant, incarne à la perfection cet humour pince-sans-rire. Louise Massin n’a pas le physique d’une jeune première ; mais elle crève l’écran avec ses kilos en trop, son humour inoxydable et son cœur débordant.

La Petite Graine a un seul défaut : ses bonnes idées, comme celle qui conclut le film, se voient venir longtemps avant. Mais c’est un défaut qu’on a tôt fait de lui pardonner.

PS : Il a une dernière qualité : grâce à lui, j’aurai appris un mot rare, cryptorchidie.

La bande-annonce

Tony Kiritsis (Bill Skarsgård frère d’Alexander Skarsgård le héros hottissime de Pillion et fils de Stellan Skarsgård), la quarantaine, est un résident d’Indianapolis qui a fait un mauvais investissement en achetant à crédit un terrain pour y accueillir un centre commercial. Mais faute d’acheteur, il n’a pu rembourser son emprunt et s’est retrouvé pris à la gorge par les traites. Retournant sa colère contre sa banque, il décide un matin de février 1977 de débouler à son siège social et de prendre en otage son président. Celui-ci (Al Pacino) est en vacances en Floride ; mais son fils Richard (Dacre Montgomery) le supplée. Kiritsis réclame des excuses publiques, l’effacement de sa dette et l’indemnisation de son préjudice.

Gus Van Sant est incontestablement l’un des plus grands réalisateurs américains contemporains. Le réalisateur de Drugstore Cowboy, de My Own private Idaho, de Will Hunting, d’Elephant (palme d’or à Cannes en 2003) est de ceux qui, sur son nom seul, attire une foule de cinéphiles fidèles dont je fais partie, même si ses deux derniers films ont fait un bide : Don’t Worry, He Won’t Get Far On Foot en 2018 et Nos souvenirs en 2015. À soixante-treize ans, il fait figure de jeunot à côté de ses aînés qui continuent bon pied bon œil à tourner comme si l’irréparable outrage des ans n’avait sur eux pas de prise : Clint Eastwood (95 ans), Roman Polanski (90 ans), Woody Allen (87 ans), Ken Loach (87 ans), Ridley Scott (85 ans), Denys Arcand (82 ans), Barbet Schroeder (82 ans), Wim Wenders (78 ans)…

Force est de lui reconnaître une incroyable maîtrise. Gus Van Sant sait diablement bien raconter une histoire et en administre ici magistralement la preuve avec cette Corde au Cou (le titre original est encore plus claquant mais est difficile à traduire) d’une heure quarante-cinq minutes pendant lesquelles on ne regarde pas une seule fois sa montre.

Pour autant, le suspense n’est jamais si intense qu’on s’accroche à son fauteuil. Tout avance (trop ?) gentiment dans ce film dont tous les roulements à billes sont parfaitement huilés. On pense à Sidney Lumet – et notamment à Un après-midi de chien – ou à certains Clint Eastwood tels que Le Cas Richard Jewell.

Ce que je reproche à La Corde sur le cou est le manque de densité de chacun de ses caractères : le preneur d’otages dont l’histoire familiale et la psychologie ne sont guère évoquées, le banquier kidnappé qui aurait pu légitimement solder ses comptes avec son père, la jeune journaliste qui profite du direct pour monter en grade ou l’agent du FBI qui déboule au milieu de la prise d’otages et qu’on ne revoit plus guère après. Sur un sujet proche, la prise d’otages des athlètes israéliens à Munich en 1972 filmée en direct par la télévision, était autrement plus stimulant 5 septembre que je place tout en haut de mon Top 10 de l’année passée.

Nous avons eu un vif débat hier soir à la sortie de la salle avec mes amis cinéphiles du dimanche soir qui, non sans motif, se montraient plus laudatifs que moi et me disaient que La Corde au cou méritait quatre étoiles. Ils me reprochaient d’être trop chiche dans mes notes. Je reconnais volontiers que je mets rarement la note maximale. La raison en est la suivante : mérite selon moi quatre étoiles le film qui marquera l’histoire du cinéma. La Corde au cou est-il un très bon film ? Oui. Marquera-t-il l’histoire du cinéma ? Non.

La bande-annonce

Dans le nord de l’Argentine, dans la province de Tucuman, le chef de la communauté autochtone Chuschagasta qui occupait les terres de ses ancêtres a été tué le 12 octobre 2009 par un propriétaire foncier assisté de deux policiers retraités. Neuf ans plus tard, le procès des trois criminels s’ouvre.

La réalisatrice Lucrecia Martel fait partie de la génération de jeunes talents qui, au tournant du siècle, avec Lisandro Alonso et Pablo Trapero, a fait circuler un vent d’air frais dans le cinéma argentin. On parlait à l’époque de Nouveau cinéma argentin. C’est une réalisatrice rare qui, en vingt- cinq ans, n’a guère tourné que quatre longs métrages (La ciénaga, La niña santa, La Femme sans tête, Zama). J’avais fait de Zama à sa sortie en 2018 une critique mitigée et ai gardé le souvenir d’un film désespérément ennuyeux.

Nuestra Tierra est son premier documentaire. Elle y tisse trois fils.
1. Le procès, dont elle a obtenu l’autorisation de filmer les débats – la captation vidéo en France n’est possible sur autorisation que depuis 2022 – voit devant les trois juges de la cour régionale de San Miguel de Tucumán s’opposer l’accusation, étonnamment silencieuse, à une défense qui essaie par tous les moyens d’excuser l’inexcusable.
2. Des images des lieux mêmes du crime filmés par drones, d’une grande beauté, mais qui, à la longue (le film dure plus de deux heures), finissent par être répétitives.
3. Des témoignages des Indiens Chuschagasta qui, à la demande de la réalisatrice, ont rassemblé pour elle de vieilles photographies et les partagent devant la caméra.

Nuestra Tierra est le film d’une cause : celle de l’identité des peuples autochtones et de leur spoliation par le colon blanc. C’est ce qui fait sa force. C’est ce qui fait aussi sa limite.
Car il présente l’immense qualité de nous sensibiliser à une question qui, à nous spectateurs français, pouvait sembler fort lointaine, même si la colonisation est un sujet universel. Mais il présente le défaut irrémédiable de priver le film d’espace, de l’enfermer dans une seule dimension, celle de la solidarité spontanée qu’on éprouve pour ces victimes d’une Histoire qui les a invisibilisées.

La bande-annonce