Archives mensuelles : juillet 2025

Valensole 1965 ☆☆☆☆

par Yves Gounin | 10 commentaires

À l’aube du 1er juillet 1965, à Valensole, près de Manosque, Maurice Masse, un paysan, affirme avoir vu une soucoupe volante se poser dans son champ de lavande et deux extra-terrestres en sortir.

Ce témoignage avait réjoui les gazetiers l’espace d’un été, qui s’étaient gentiment moqué des hallucinations de ce paysan provençal. Le petit bourg bas-alpin (car le département s’appelait alors les Basses-Alpes avant d’opter en 1970 pour un titre moins dépréciatif) connut une célébrité éphémère et vit affluer les curieux, les hippies et les ufologues.

Le problème du film de Dominique Filhol est qu’il traite l’histoire au premier degré. Il le fait sur le mode de la reconstitution historique à la Pagnol, avec l’accent obligatoire pour tous ses personnages et des couchers de soleil somptueux sur la lavande provençale. On se croirait dans une publicité pour Ricard ou pour l’Occitane ! Pastichant Raimu ou Gabin, Matthias Van Khache joue Maurice Masse, étourdi par sa mésaventure, honteux de l’avoir racontée et d’être devenu la risée de tout un pays. Vahina Giocante, jeune première dans les années 2000, se reconvertit dans le rôle d’une sage épouse, prête à croire pour le bonheur de son mari à ses mensonges.

Valensole 1965 se tient au plus près des faits. C’est bien sa limite ; car les faits se limitent à pas grand chose. Pourtant, le sujet n’était pas inintéressant qui se serait prêté à toutes sortes de développements, des plus comiques aux plus sérieux. Les soucoupes volantes et les petits bonhommes verts – comme les apparitions de la Vierge au siècle précédent – sont des faits sociologiques passionnants qui nous disent beaucoup de notre époque, de nos peurs, de nos fantasmes. Il est d’ailleurs étonnant qu’on n’en croise plus guère. Pourtant le sujet n’a rien perdu de son actualité à l’heure des intox et des débunkages plus ou moins convaincants. Si certains croient que la Terre est plate – ou que Brigitte Macron est un homme – pourquoi ne croirait-on pas qu’existent dans l’Univers des formes d’existence extra-terrestre ?!

Des petits bonhommes verts ont-ils vraiment croisé la route de Maurice Masse le 1er juillet 1965 ? Le film aurait été bien maladroit s’il avait tranché cette énigme, dans un sens ou dans un autre. Il évite cet écueil ; mais il échoue sur tant d’autres que son résultat ne se hisse pas au-dessus du niveau d’un mauvais téléfilm.

La bande-annonce

Eddington ★★☆☆

par Yves Gounin | 1 commentaire

À Eddington, une bourgade du Nouveau-Mexique, pendant la pandémie du Covid, deux hommes s’affrontent. Le maire, Ted Garcia (Pedro Pascal), fait campagne pour sa réélection. Le sheriff, Joe Cross (Joaquin Phoenix), se dresse contre lui et présente sa candidature. Au cœur de leur conflit : la construction d’un centre de stockage de données, la mise en œuvre des mesures de distanciation sociale décidées pour enrayer la pandémie et des secrets enfouis autour de Louise (Emma Stone), la femme de Joe. Tout dégénère quand des manifestants Black Lives Matter viennent défiler dans les rues de la paisible bourgade.

Ari Aster est devenu l’enfant prodige de Hollywood, et de la société de production A24 qui y donne le la, avec deux films qui ont réinventé la grammaire du film d’horreur, Hérédité et Midsommar (mon film préféré de 2019). Le troisième, Beau is Afraid, donnait le beau (!), ou plutôt le mauvais, rôle à Joaquin Phoenix. C’est lui qui, au risque de voler la vedette à ses prestigieux partenaires, est encore au centre du quatrième film d’Ari Aster qui, en apparence, est plus mainstream.

Il s’agit d’un néo-western qui brasse des sujets très contemporains. Le premier est notre réaction au confinement décidé pour enrayer la propagation du Covid : faut-il l’appliquer avec une rigueur d’airain comme le prône le maire ? ou autoriser au cas par cas des dérogations comme le croit le sheriff, qui prend le parti d’un client asthmatique d’une supérette interdit d’accès au motif qu’il refuse de porter un masque ?

Le sujet, qui n’a pas encore été si souvent traité alors qu’il nous a tous universellement touchés, aurait pu à lui seul nourrir tout un film. Mais Ari Aster a le défaut des bons élèves qui, voulant bien faire, en font trop. À ce premier sujet, il en surajoute d’autres : le complotisme, dont les différentes variables (ou variants !) sont incarnés par la mère de Louise et par un séduisant gourou, le racisme avec le mouvement Black Lives Matter et la culpabilité tournée en ridicule des jeunes Blancs qui y adhérent, le pouvoir insidieux des GAFA, l’omniprésence des écrans et l’effet amplificateur des réseaux sociaux, les droits des Amérindiens, etc…

La coupe est pleine. Elle déborde vite. D’autant que le scénario de Eddington prend des bifurcations étonnantes. Je pensais que le film raconterait la campagne électorale mettant aux prises les deux candidats, avec son lot de rebondissements et son issue indécise. Je m’en serais volontiers satisfait et pense que le film aurait été excellent. Mais brutalement, alors que rien ne le laissait augurer, il prend une direction différente. Je n’en dirai pas plus pour laisser à ceux qui ne l’ont pas encore vu le plaisir de le decouvrir. Mais je peux dire que toute la subtilité de la première partie du film disparaît laissant la place à un combat manichéen avec des ennemis que je n’ai pas réussi à identifier (merci de m’éclairer en mp).

À cette seconde partie binaire se greffe, alors que le film n’a déjà que trop duré, un long épilogue censé se dérouler quelques années (?) après les faits. Sous couvert de raconter ce que chaque personnage est devenu, comme le font traditionnellement les épilogues hollywoodiens, il a en fait rajouté à ma perplexité et à mon incompréhension.

La bande-annonce

Moon ★☆☆☆

par Yves Gounin | Laissez un commentaire

Sarah, une kickboxeuse en fin de carrière, se voit proposer de coacher en Jordanie les trois sœurs d’un richissime homme d’affaires. Arrivée sur place, elle découvre vite que ses élèves ont peu d’appétence pour la discipline qu’elle est censée leur enseigner et cherchent plutôt à faire d’elle la complice du plan d’évasion qu’elles sont en train de préparer.

Moon (Lune) est un film au titre passablement incompréhensible – sinon que la réalisatrice, autrichienne d’origine kurde, avait intitulé son film précédent, inédit en France Sonne (Soleil). Son sujet est sacrément original et sa bande-annonce m’avait donné envie de le voir.

Dans quel sens Moon allait-il tirer son point de départ ? vers le portrait, en se focalisant sur le personnage de Sarah ? vers le thriller, son enjeu étant les modalités et l’issue de ce plan d’évasion ? vers le drame, la focale étant plutôt l’opposition entre ces sœurs et leur frère ? vers le film politique ou féministe, en décrivant une société musulmane qui dénie toute autonomie aux femmes ?

Le problème est que Moon ne prend jamais vraiment son parti et s’arrête entre deux eaux. Le scénario avait pourtant des ficelles à tirer. Il n’en tire aucune et s’enlise vite. Sa fin est particulièrement déconcertante. Se plaindre des canons hollywoodiens qui imposent qu’il soit répondu à chaque question posée n’autorise pas pour autant à laisser le spectateur dans le noir le plus complet, seul face à ses interrogations.

La bande-annonce

Les Filles désir ★★☆☆

par Yves Gounin | Laissez un commentaire

Marseille l’été. Omar et ses potes ont grandi dans le même quartier. Gamins, ils ont fréquenté le centre aéré qu’ils gèrent aujourd’hui eux-mêmes en essayant de ne pas mouiller dans les trafics louches qui enrichissent les petits caïds. Omar est en couple avec Yasmine. Mais le retour de Carmen, une amie d’enfance, tombée dans la prostitution après la mort de son père, sème la zizanie.

Prïncia Cair anime une troupe de théâtre amateur à Marseille depuis huit ans. Avec sa co-scénariste Léna Mardi et sa productrice Johanna Nahon, elle a choisi de tourner un long métrage en laissant la part belle à sa troupe d’acteurs, étroitement associés à l’écriture.

Le résultat s’en ressent. Pour le meilleur et pour le pire. On sent dans cette troupe circuler une énergie aussi radieuse que le soleil qui brûle Marseille et la Méditerranée. Les Filles désir filme un collectif d’où émergent des individualités talentueuses : Omar s’est attribué le rôle du chef de bande, tour à tour protecteur et autoritaire, Yasmine, tout en silences, peine à trouver sa place sous la coupe d’Omar et dans ce groupe exclusivement féminin, Carmen, belle comme la tentation, est l’élément corrupteur et révélateur du groupe, comme l’était le personnage anonyme interprété par Terence Stamp dans Théorème. Les Filles désir propose une réflexion stimulante sur le statut de la femme dans ces bandes hypervirilistes de cacous marseillais, qui essaie d’échapper à l’assignation binaire maman ou putain.

Les Filles désir rappelle Shéhérazade. Il partage avec le succès surprise de 2018 (trois Césars : celui du meilleur premier film et des meilleures révélations masculine et féminine) une même lumière, une même sonorité – qui aurait  nécessité l’insert de sous-titres tant l’argot marseillais est parfois difficile à comprendre – et une même vitalité. Aura-t-il le même succès ? Hélas, il est à craindre que non. Car le film, mal distribué, risque de passer inaperçu et de disparaître vite.

Il souffre aussi d’un handicap : la fin de son scénario et son dernier quart d’heure qui, quittant la bande de copains, se focalise sur Yasmine et Carmen, dans un duo qui rappelle à la fois celui de Divines et de Thelma et Louise.

La bande-annonce

La Trilogie d’Oslo ★★☆☆

par Yves Gounin | 1 commentaire

Une adolescente couche sur le papier l’amour qu’elle éprouve pour sa professeure de français. Une oncologue et l’infirmier qui travaille avec elle se font des confessions sexuelles dans le ferry qui traverse le fjord d’Oslo. Un ramoneur raconte à son patron et à sa femme l’aventure éphémère qu’il vient d’avoir avec l’un de ses clients.

Chaque mercredi depuis le premier de juillet est sorti l’un des trois volets de la Trilogie d’Oslo de Dag Johan Haugerud : Rêves d’abord, Amour ensuite, Désir enfin (dont le titre norvégien, Sex, semble plus direct). Ces trois films ont été présentés dans un ordre différent en 2024 Désir au festival de Berlin, en 2025 Amour au festival de Venise et en 2025 Rêves au festival de Berlin où il a décroché l’Ours d’or. On pourrait longuement épiloguer sur leur séquence et discuter le choix des distributeurs : les rêves suscitent-ils le désir et conduisent-ils à l’amour ? Toujours est-il que ces trois films sont indépendants les uns des autres et peuvent se voir ensemble ou séparément, en tout ou en partie, dans n’importe quel ordre.

Ces trois films nous viennent de Scandinavie, une région du monde décidément à l’honneur ces temps-ci entre la sortie de Loveable à la mi-juin et celle fin juillet du dernier film de Joachim Trier, Valeur sentimentale, annoncé comme le coup de cœur de l’été. Ils partagent une manière très française d’intellectualiser l’amour. Si l’expression n’était pas si galvaudée, on dirait que la Trilogie d’Oslo redessine une carte du Tendre queer et post-moderne, frappée au sceau de l’empathie.

Comme Rohmer qui aimait tant filmer Paris, Dag Johan Haugerud qui mène de concert depuis soixante ans une carrière de cinéaste, de dramaturge et d’écrivain, aime filmer Oslo. Ses trois films en montrent la figure tutélaire des tours de son hôtel de ville – où le prix Nobel de la Paix est remis chaque année – son fjord profond traversée par les bateaux, ses avenues boisées. Tout y est beau, opulent et un peu triste aussi.

La Trilogie d’Oslo parle d’amour et de sexe, parfois en termes très crus. Il interroge l’impact des sites de rencontre sur nos amours, en mettant par exemple en scène un personnage gay qui rencontre ses partenaires grâce à Grindr sur le ferry qui relie Oslo à Nesodden. Il évoque sans tabou l’homosexualité, la bisexualité, la pansexualité – comme le faisait, dans le registre qui était le sien Le Rendez-vous de l’été que j’avais tellement aimé. Pour autant, cette apparente liberté rencontre quelques cordes de rappel :  l’adolescente amoureuse de Rêves fait la douloureuse expérience d’un amour non partagé, l’oncologue de Amour découvre au lendemain d’une folle nuit d’amour que son amant est marié, l’épouse du ramoneur de Désir lui fait payer le prix de sa franchise.

Réflexion désenchantée d’un quinquagénaire racorni : je pensais que discuter à l’infini de l’amour était une maladie adolescente à laquelle l’âge et l’expérience remédiaient. Je découvre, sinon dans ma vie qui n’a pas tant de profondeur, du moins au cinéma qui m’ouvre à mille autres vies, qu’il n’y a pas d’âge pour se questionner.

La bande-annonce

In the Summers ★★★☆

par Yves Gounin | Laissez un commentaire

Vicente a deux filles. Leur mère a obtenu leur garde et les élève en Californie. Mais chaque été, Violeta et Eva prennent l’avion pour le Nouveau-Mexique et viennent passer quelques semaines de vacances chez leur père.

In the Summers est le premier film, tourné sans stars, d’une réalisatrice américano-colombienne qui a puisé dans ses souvenirs d’enfance. Sa bande-annonce m’avait laissé craindre le pire : l’incontournable rédemption d’un père qui réussira à combattre les démons qui le rongent pour retrouver l’amour de ses filles qu’il aime si fort.

Mais, primé à Deauville et à Sundance, In the Summers est autrement plus subtil que le pathos gluant que je m’étais inventé.

Sur la forme : avec quasiment aucune indication de lieu (même si on parvient à comprendre que l’action se déroule dans une petite ville perdue du Nouveau-Mexique proche de la frontière) ni de temps, In the Summers laisse lentement se deviner son sujet : raconter une relation père-filles à travers quatre étés passés ensemble, sans rien dire des (longues) périodes qui les séparent. Lors du tout premier, Eva et Violeta sont encore des fillettes d’une dizaine d’années à peine. Lors du quatrième, elles sont devenues adultes.

Sur le fond : In the Summers est beaucoup plus ambigu qu’une happy end story. Il doit sa justesse à son personnage principal interprété par René Pérez Joglar alias Residente, rappeur portoricain connu sur la scène musicale, qui se révèle un acteur étonnant. Dès la première scène, au soin maniaque qu’il prend à rapetasser sa maison pour y recevoir ses filles, on perçoit son anxiété, son souci de bien faire, sa peur que ses addictions à l’alcool et à la drogue ne reprennent le dessus. On ne dira rien de plus sur la façon dont sa relation avec ses filles évolue d’un été à l’autre, sachant qu’on en a déjà peut-être trop dit en évoquant l’absence de happy end. Disons simplement que le film réussit à nous surprendre en évitant les rebondissements les plus convenus.

Dépourvu de tout pathos et de toute complaisance, In the summers surprend par l’originalité de sa construction et par la justesse de son ton.

La bande-annonce

Jardin d’été (1994) ★★☆☆

par Yves Gounin | Laissez un commentaire

Trois garçonnets se lient d’amitié avec un vieux monsieur solitaire.

Shinji Somai est un réalisateur japonais décédé en 2001 à cinquante-trois ans à peine. Un seul de ses films est sorti en France de son vivant, Typhoon Club. Le distributeur Survivance a décidé d’en sortir d’autres : Déménagement fin 2023 et ce Jardin d’été dont la sortie coïncide avec une rétrospective organisée à la Maison de la culture du Japon à Paris consacrée à l’oeuvre de Shinji Somai.

Son cinéma n’a pas pris une ride, même si le grain du 16mm lui donne une patine dont nous avons perdu l’habitude. En particulier le cadrage de Jardin d’été, vieux de plus de trente ans, est d’une étonnante modernité.

Jardin d’été évoque un sujet grave à hauteur d’enfant : la mort. La grand-mère de l’un des trois héros vient de mourir. L’événement les sidère et les fascine. Sa mort les conduit à se rapprocher d’un vieillard excentrique qui, à leur contact, retrouve goût à la vie et leur raconte sa vie et le lourd secret qui l’étouffe

Jardin d’été est un film estival, comme l’était (!) à sa façon L’Eté de Kikujiro qui lança, sur un contre-sens, la carrière de Kitashi Kitano en France à la fin des années 90, laissant penser que cet acteur-réalisateur de petits films noirs et violents était un poète élégiaque. Jardin d’été baigne dans une atmosphère ensoleillée et joyeuse. Tout y est léger, même la mort qui finit toujours, comme on le sait hélas, par nous rattraper.

La bande-annonce

Reflet dans un diamant mort ★☆☆☆

par Yves Gounin | 2 commentaires

Un agent secret à la retraite (Fabio Testi) finit ses jours dans un palace italien au bord de la mer. La disparition de sa voisine de chambre fait resurgir ses vieux démons. Il se remémore ses missions passées et son combat avec la mystérieuse Serpentik.

Hélène Cattet et Bruno Farzani forment un duo à part dans le cinéma français. Français ou peut-être belge car c’est en Belgique que les deux étudiants en école de cinéma se sont rencontrés au début des années 2000, vivent et travaillent aujourd’hui. Leurs films – Reflet… est leur quatrième long – sont des prouesses visuelles à l’esthétique immédiatement reconnaissable. En témoignent les affiches rétro des trois précédents.

Voilà la critique que je faisais de leur film précédent, sorti en 2017, adapté d’un polar de Jean-Patrick Manchette : « Laissez bronzer les cadavres est une accumulation hyper stylisée de plans saisissants de beauté. Pris isolément, chacun est une merveille. Mais montés ensemble, ils ne font guère sens. Si bien qu’après une demi-heure où l’on s’extasie devant tant d’originalité formelle, on s’ennuie ferme et on perd tout intérêt à ce jeu de massacre où s’empilent métronomiquement les cadavres. »

Je pourrais la réécrire à l’identique. Cattet & Farzani font avec les films de James Bond ce qu’ils avaient fait précédemment dans Laissez tomber les cadavres avec les romans noirs : utiliser un genre essoré, le tordre, le briser et le réinventer à leur façon. L’entreprise n’est pas inintéressante. On imagine les débats qu’elle susciterait parmi les étudiants d’une promotion de la Fémis. Mais le résultat pourtant diablement imaginatif laisse sur le bord du chemin le spectateur qui, bien penaud, comme celui de Laissez tomber les cadavres, se sent un peu oublié.

La bande-annonce

Le Rire et le Couteau ★★★☆

par Yves Gounin | 1 commentaire

Sergio est un ingénieur embauché par une ONG pour réaliser en Guinée Bissau l’audit environnemental d’un projet de route censée désenclaver l’arrière-pays mais traversant une mangrove fragile. Ce jeune trentenaire taiseux rejoint son affectation en voiture, à travers le Sahara. Il découvre progressivement son travail et son environnement.

Le Rire et le Couteau a été projeté à Cannes dans la section Un certain regard. Sa durée est hors normes : trois heures trente. Je me plains trop souvent de l’obésité de certains films pour ne pas souligner que cette durée est, ici, parfaitement appropriée. Car elle nous laisse le temps de pénétrer un univers et de nous débarrasser de nos préjugés.

Le parcours de son réalisateur, Pedro Pinho, engagé dans la militance altermondialiste, et les interviews qu’il a données autour du film pouvaient laisser craindre une charge en règle contre le post-colonialisme et ses avatars capitalistes. Mais heureusement, son film évite le piège du manichéisme.

Loin d’opposer pied à pied les Noirs et les Blancs, les gentils et les méchants, Le Rire et le Couteau prend le temps d’analyser les relations qui se nouent autour de Marcello dans toute leur complexité. Il jette un regard d’une rare intelligence sur la « situation postcoloniale », pour reprendre le titre du livre séminal de Marie-Claude Smouts qui m’a nourri dans l’écriture de « La France en Afrique » (c’était le moment #Autopromotion !)

Le Rire et le Couteau interroge le sens de l’action humanitaire en Afrique. Est-elle utile ? ou donne-t-elle au Blanc bonne conscience ? les deux répond le film qui a l’intelligence d’examiner la question sous plusieurs aspects, en filmant par exemple la tournée en brousse d’une bande d’humanitaires blondinets interrogeant les habitants sur l’usage qu’ils font des latrines impeccables qui leur ont été livrées.

Il interroge aussi le sens du progrès. La route que Sergio construira bouleversera l’écosystème des paysans ; elle encouragera aussi l’exode rural ; mais elle facilitera l’accès aux villes, la commercialisation des productions, l’évacuation sanitaire des malades…

Sergio se rend sur un chantier situé en plein désert. De vieux Portugais y sont employés comme contremaitres. Ils vivent loin de leur famille, avec pour seule motivation l’appat du gain. Leur dur labeur est interrompu par quelques beuveries et par des sorties au night-club du village du coin tenu, mondialisation oblige, par une maquerelle chinoise.

Le Rire et le Couteau explore aussi le domaine de l’intime et ici encore propose de dépasser les frontières. Bisexuel, Sergio va faire deux rencontres. Gui, un travesti brésilien, moustachu et poilu, venu en Guinée Bissau à la recherche de ses racines africaines. Et Diara, une auto-entrepreneuse débrouillarde, reine de la nuit, perruquée, maquillée et piercée.

Après trois heures trente, Le Rire et le Couteau se termine en épingle à cheveux, sans répondre aux questions en suspens. On trouvera à bon droit cette issue frustrante habitué qu’on est à l’usage qui veut qu’un film se close sur lui-même. Mais celui-ci ressemble à la vraie vie qui, pour le meilleur et pour le pire, ne donne pas toujours les réponses aux questions qu’elle lance.

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I Love Peru ★★☆☆

par Yves Gounin | Laissez un commentaire

I Love Peru est un « mockumentaire », un documentaire parodique tourné par Raphaël Quenard et son pote Hugo David. Inconnu il y a quelques années à peine, Quenard est omniprésent depuis cinq ans sur les écrans et a tourné dans une trentaine de films. Avec son phrasé si particulier, sa gouaille et son sens de la répartie, il est devenu rapidement célèbre grâce au César de la meilleure révélation masculine qui lui a été décerné début 2024 pour Chien de la Casse puis ses rôles dans Yannick, Le Deuxième Acte (un de mes coups de cœur de 2024) ou L’Amour ouf (idem). Il endossera bientôt le rôle de Johnny dans le biopic que lui consacrera Cédric Jimenez.

Projeté à Cannes, sorti sur les écrans cette semaine, I Love Peru a été accueilli par une critique quasi-unanime : Raphaël Quenard a du talent, il sait être drôle, son humour auto-dépréciatif fait souvent mouche…. mais son documentaire tourne vite en rond et verse trop souvent dans une vulgarité malaisante.

Je n’aurai pas la dent si dure. Quenard m’est spontanément sympathique. Loin de m’horripiler, il m’amuse. J’ai franchement ri à ses outrances quand bien même elles tangentent dangereusement, voire transgressent sans vergogne, le politiquement correct. Son « documenteur » aurait-il été plus long, je l’aurais peut-être trouvé trop bavard et trop égocentrique. Mais il a la politesse de ne durer qu’une heure neuf à peine.

La bande-annonce