Ye Sogriu est originaire du Chaozhan, une région chinoise située à l’est de Canton. Elle a rencontré en 1945 son futur mari, Deng Bangsheng, a eu de lui trois enfants avant qu’il n’émigre en Thaïlande. Ils ne se sont jamais revus mais le lien entre eux s’est maintenu grâce aux lettres qu’ils s’échangeaient et à l’argent que Deng envoyait régulièrement à sa femme. Plusieurs dizaines d’années plus tard, lorsqu’un petit-fils couvert de dettes se met en tête de retrouver son riche grand-père, dont tous pensaient qu’il avait refait sa vie en Thaïlande, la vérité éclate.

Ce film chinois a connu, à sa sortie en Chine, fin avril, un étonnant succès. Tourné en teochew, le dialecte local de cette région chinoise, avec des acteurs non professionnels (notamment l’interprète de Ye Sogriu dont une grande partie de la famille émigra en Asie du Sud-Est), il se plaça à la première place du box-office. Ses entrées (1.9 milliards de yuans) excédèrent cent-trente fois son budget (14 millions de yuans), en faisant l’un des films les plus rentables de l’histoire du cinéma.

Ce film toucha particulièrement une catégorie de spectateurs : les membres de la communauté teochew, en Chine et dans la diaspora. Cette diaspora est particulièrement importante en Asie du Sud-Est. Elle l’est aussi en France, à Paris, où beaucoup de Teochew, qui avaient d’abord immigré au Cambodge, l’ont quitté dans les années 70 pour trouver refuge en France. C’est la raison pour laquelle les salles parisiennes qui ont projeté ce film en avant-première en juillet et en août affichaient complet, avec un public, sensibilisé par certains sites spécialisés, quasiment exclusivement composé de Sino-cambodgiens.

Au cœur du film se trouve une tradition perdue, celle des qiaopi, les lettres envoyées de l’étranger par les migrants à leur famille restée en Chine. Leur acheminent, lent et incertain, maintenait un lien ténu entre des foyers séparés par des milliers de kilomètres. L’argent qui y était joint constituait un revenu d’appoint important.

Le film dure à peine deux heures mais raconte l’histoire mouvementée pendant un demi-siècle d’une grande famille séparée par l’exil. Son style n’est pas celui auquel le spectateur occidental et français est habitué. Sa distribution en France reste timide, ciblant les grandes villes et la diaspora chinoise. Pour le meilleur et pour le pire, il est à parier qu’on verra de plus en plus de films de ce genre, réalisés et tournés en Chine pour une audience nationale mais dont le succès incite les producteurs à étendre leur marché à l’international.

La bande-annonce

Rose (Marie Bloching) a toujours été très proche de son frère aîné Sami. C’est chez lui qu’elle débarque et qu’elle s’installe après une rupture amoureuse. Mais sa confiance est mise à rude épreuve lorsque Sami est accusé de viol et que Rose est convoquée à la police pour témoigner.

Voici, sur le papier, un sujet passionnant, d’une actualité brûlante à l’ère #MeToo. Comment réagirions-nous si un membre de notre famille, un ami très proche était accusé de viol ? Notre confiance en lui serait-elle ébranlée ? Nous sentirions-nous trahis ? Le défendrions-nous devant la justice au nom des liens anciens et forts qui nous relient à lui ? Jusqu’où irions-nous dans le travestissement de la vérité ? Ou bien au contraire, au nom de la vérité, renierions-nous froidement ces liens ?

The Good Sister (titre international de Schwesterherz que les distributeurs français auraient pu joliment et fidèlement traduire « sœur de cœur » plutôt que d’utiliser un titre anglais pour un film allemand) pose des questions douloureuses. Il se désintéresse de Sami, du crime qui lui est reproché et de l’enquête à charge et à décharge menée pour établir les faits pour se focaliser exclusivement sur Rose.

Le parti pris est cohérent ; mais il conduit le film dans une direction déconcertante qui nous éloigne du violeur et du viol. Ainsi The Good Sister traverse-t-il un ventre mou lorsqu’on voit Rose prendre des cours de dessin, poser nue devant ses camarades et enfin ébaucher une liaison amoureuse dont on ne comprend pas s’il s’agit pour elle d’une diversion aux tourments qu’elle traverse ou au contraire si elle entend y reproduire, pour en tester la vraisemblance, le comportement prédateur de son frère.

Enfin The Good Sister est un premier film qui pèche par un excès d’austérité. Certes, le sujet n’est pas léger. Mais la réalisatrice n’était pas tenue pour autant à ce parti pris auteuriste et minimaliste qui n’avait pas besoin de ça pour qu’on le prenne au sérieux.

La bande-annonce

Judith (Anouk Grinberg) fait ses cartons. Elle ferme son cabinet médical, situé au 23e étage d’une tour de banlieue à Nancy, quitte l’appartement qui le jouxtait et prend sa retraite. C’est précisément le jour où sonne à sa porte Aïda (Luàna Bajrami), une jeune femme enceinte de huit mois sous l’emprise d’un compagnon violent (Félix Lefebvre).

Belle affiche, beau sujet… et au final cruelle déception ! Jetez un œil à la bande-annonce : elle vous dévoilera déjà tout le film en vous racontant comment Judith, Tatie Danielle cachant sous ses airs revêches un grand cœur, va prendre sous son aile Aïda, va prendre conscience de la menace que fait peser sur elle son compagnon et va l’aider à accoucher à son domicile. Je ne spoile rien ! Tout est déjà dans la bande-annonce.

Mais la déception ne vient pas seulement de cette bande-annonce divulgâcheuse. Elle vient surtout d’Anouk Grinberg, qu’on avait découverte il y a près de quarante ans devant la caméra de Bertrand Blier et dont on a appris depuis quelle relation toxique elle a vécue avec son mentor. Après une longue éclipse, la soixantaine fièrement revendiquée, on l’a vue dans des seconds rôles dans des films aussi réussis que La Nuit du 12 et L’Innocent.

Elle est en tête d’affiche de ce premier film. Le problème est qu’elle y joue une caricature d’elle-même, une femme acerbe et de peu de mots, murée dans ses silences et dans sa douleur. Pendant dix minutes, on est surpris et admiratif. Au bout d’un quart d’heure, ce jeu monotone devient vite horripilant. C’est d’autant plus dommage que son personnage envahissant éclipse ceux interprétés par ses excellents acolytes, Luàna Barjami et Felix Lefebvre.

Quant au scénario, qui a l’élégance de tenir en une heure vingt à peine, il accumule les incohérences au risque de perdre toute crédibilité.

La bande-annonce

Enzo et sa soeur Carla ont eu une enfance cabossée. Alors qu’ils entrent péniblement dans la vie adulte, qu’Enzo a une petite amie, que Carla entre à la fac, leur père (Bastien Bouillon) sort de prison. Enzo l’accueille à bras ouverts ; Carlo au contraire refuse de le revoir. Un passé longtemps tu ressurgit.

La Frappe traite d’un sujet douloureux, que la bande-annonce divulgâche malheureusement, alors que le film ne le révèle que progressivement : quel héritage un père abusif laisse-t-il à ses enfants ? Enzo, trop tôt sevré de l’amour de ses parents, est en demande. Sa sœur, plus lucide que lui, sait ce que ce manque cache. La violence se transmet et Enzo en fera la douloureuse expérience.

Le sujet est servi par une interprétation hors pair. Bastien Bouillon fait ici la démonstration de la richesse de son talent : il excelle non seulement dans les rôles de gentil gars (comme on le verra la semaine prochaine dans Histoires de la nuit par exemple) mais sait aussi déployer un jeu ambigu dans les rôles de sale type comme ici. Il est accompagné de deux révélations. Bravo à la directrice de casting pour avoir déniché Diego Murcia et Romane Fringelli, pépites de talent brut.

Hélas ces deux qualités là sont pénalisées par deux défauts rédhibitoires. Le premier est une caméra qui a décidé à tout prix de filmer les corps au plus près. Au risque de la myopie. Le premier plan, à fleur de peau, annonce la couleur. La suite est à l’avenant. Conséquence : le spectateur passe le film à reculer dans son siège et à régler ses lunettes de vieux presbyte.

Autre défaut : le tempo trop mou d’un film qui ne dure qu’une heure quarante cinq mais qui semble pourtant bien long faute de rebondissements.

La bande-annonce

Marta (Alba Rohrwacher) est prof de sport dans un lycée romain ; Antonio (Elio Germano) est un chef qui vient d’ouvrir son restaurant. Marta et Antonio sont en couple depuis sept ans mais Antonio claque la porte après une bête dispute. Marta a du mal à encaisser la séparation. Sa santé s’en ressent.

Je me souviens du choc que j’ai ressenti devant Ma vie sans moi et The Secret Life of Words, les deux films, tournés avec Sarah Polley, qui ont lancé la carrière d’Isabel Coixet, une jeune réalisatrice espagnole hyperdouée. Les hasards de la vie m’ont conduit via son compagnon, l’Américain Reed Brody, à la rencontrer et même, privilège rare, à jouer un petit rôle dans sa dernière série, Quelqu’un devrait interdire les dimanches après-midi.

Aussi n’aurais-je raté pour rien au monde l’avant-première de son dernier film. Isabel et Reed étaient là et Isabel a présenté le film avec l’ironie et l’intelligence mordantes qui la caractérisent, loin des formules embarrassées dont la plupart des producteurs nous infligent dans ce genre d’exercices.

Trois adieux est l’adaptation du tout dernier recueil de nouvelles de l’écrivaine sarde Michela Murgia. Le cancer du rein qui l’a emportée à l’été 2023 l’avait empêchée de voir sa publication. Le recueil s’intitulait Tre Ciotole, ce qui je crois signifie littéralement « trois bols ». Isabel Coixet a choisi un autre titre pour la version internationale de son film. « Trois adieux » évoque les trois étapes du détachement progressif de Marta.

Isabel Coixet était menacée par un écueil : celui de filmer Rome – qui l’a déjà été si souvent par d’immenses réalisateurs (Fellini, Scola, Moretti, Sorrentino…) – comme une carte postale avec ses passages obligés devant le Colisée et la Piazza Navona. Elle l’évite en s’attachant à des détails : une statue de madone enchâssée dans un mur, un vieux barista penché sur sa Cimbali…

Si Ma vie sans toi, qui racontait une histoire similaire, était dramatique et poignant, Trois adieux est plus apaisé. C’est un film léger, gracieux, zen oserais-je dire. La responsabilité en revient à Alba Rohrwacher, qui décidément est l’une des actrices les plus convaincantes du moment. Elle réussit à être en même temps grave et légère. Elio Germano (Berlinguer, la grande ambition, Suburra, Alaska, America Latina…) sexy en diable, lui donne la réplique et n’a pas un rôle facile. Un coup de chapeau aux seconds rôles, avec le seul regret de les voir trop peu : Galatea Bellugi, dont on avait déjà noté dans Cinque Secondi que l’italien était son autre langue maternelle, et Francesco Carril.

La bande-annonce