L’entrée dans la vie adulte constitue, à elle seule, un style cinématographique : le coming-of-age movie. On dirait en français : film d’apprentissage ou d’éducation sentimentale. Des exemples ? Dirty dancing, Juno, La Vie d’Adèle, Le Labyrinthe de Pan… et mon préféré, celui que je conseille à toutes les jeunes filles : Une éducation.

Peur de rien raconte le coming of age d’une jeune Libanaise fraîchement débarquée à Paris. Lina a dix-huit ans. Ses parents l’ont envoyée chez une tante installée en France. Mais elle prend vite la porte pour faire pièce aux avances d’un oncle trop insistant. À la rue, elle est hébergée par une copine de fac. Elle enchaîne les rencontres, amicales et amoureuses, les coups de cœur et les coups durs.

Portée par son héroïne, l’inconnue Manal Issa, charmante et touchante, Peur de Rien est la chronique enjouée d’une intégration à la française. Il nous replonge dans les années 90 sans portable ni Facebook, mais avec une play-list sacrément décapante : Franck Black, Niagara, Carte de séjour, Siouxsie and the Banshees… Le film se cherche un peu, dure une demi-heure de trop, fait un détour inutile par Beyrouth, avant de se terminer par un happy end juridiquement approximatif mais joliment optimiste.

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Noyé parmi les dix-neuf autres films sortis cette semaine, programmé dans deux salles parisiennes seulement, éreinté par la critique, Alaska risque de passer inaperçu. Ce serait dommage.

Nadine est une banlieusarde de vingt ans qui n’a pour elle que son joli minois. Elle rencontre, à l’occasion d’un casting dans un grand hôtel parisien, Fausto, Rital charmeur. Mais le destin les sépare douloureusement. Fausto part en prison tandis que Nadine devient top model.

Leur histoire s’étendra sur de nombreuses années, emplissant sans peine les plus que deux heures que dure le film. De Paris à Milan, les succès de Nadine coïncideront avec les revers de fortune de Fausto. Et réciproquement.

L’histoire de cette passion destructrice est filmée par le scénariste de Gomorra. On y retrouve l’ambiance nocturne et pluvieuse qui caractérise cette école italienne et dont Suburra constituait récemment une réalisation encore plus convaincante. Comme chez Matteo Garrone, le réalisateur de Gomorra, le thriller est le prétexte à une critique sociale plus radicale. Ici, celle d’un capitalisme qui exploite les corps et asservit les âmes.

Les deux principaux protagonistes sont de belles révélations : Elio Germano, poids mouche nerveux, et Astrid Bergès-Frisbey, grande brune sensuelle. De même, Roschdy Zem est magistral dans un (trop bref) second rôle.

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La filmographie de Anne Fontaine est aussi éclectique que revigorante. Nettoyage à sec (1997) racontait la vie d’un couple de provinciaux bouleversée par l’arrivée d’un jeune garçon séduisant. Entre ses mains (2005) décrivait l’attraction d’une femme pour un homme qu’elle suspectait d’être tueur en série. Perfect Mothers (2013) exposait la relation quasi incestueuse de deux amies quarantenaires avec leurs fils respectifs. Chacun de ces films a en commun d’ausculter une rencontre inattendue et bouleversante.

« Les Innocentes » désignent probablement – le film n’en dira rien – ces bénédictines polonaises violées et engrossées par la soldatesque soviétique à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Une jeune doctoresse française travaillant pour la Croix-Rouge est appelée à leur chevet.

L’affiche du film joue sur la ressemblance avec « Ida » récompensé par l’Oscar du meilleur film étranger. Même époque, mêmes couleurs hivernales, mêmes questionnements métaphysiques.   Et il est probable que les spectateurs qui avaient aimé le beau film de Pawel Pawlikowski – ils furent nombreux – aimeront celui de Anne Fontaine.

Le cauchemar vécu par ces femmes nous est montré à travers les yeux de Mathilde, cette jeune Francaise communiste engagée dans la Résistance. Elle ne partage pas leur foi et ne comprend pas qu’elles ne l’aient pas perdue. Elle essaie de leur apporter les soins et le réconfort dont elles ont besoin en dépit de l’hostilité des troupes d’occupation et de sa propre hiérarchie.

Le rôle de Mathilde est interprété par Lou de Laâge qui confirme les espoirs placés en elle. Nommée en 2014 et en 2015 dans la catégorie des Meilleurs Espoirs féminins, elle mériterait de l’emporter l’an prochain.  Avec la bouche la plus sensuelle du cinéma français et des faux airs de Jeanne Moreau, elle a tout d’une grande.

On pourrait reprocher au film son classicisme sage, sa narration platement chronologique.  Mais un épilogue surprenant et bouleversant gomme ces rares défauts.

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Comme son voisin chilien, le cinéma argentin est obsédé par le passé. Kamchatka (2002), L’Œil invisible (2010), Enfance clandestine (2011) plongent dans les souvenirs de réalisateurs qui étaient enfants ou adolescents à l’époque de la dictature. C’est le cas de Pablo Trapero, né en 1971, qui porte à l’écran un fait divers ayant défrayé la chronique en 1985. le clan des Puccio s’était rendu coupable d’une série d’enlèvements crapuleux. Le père était un ancien agent des services militaires de renseignement, mis sur la touche à la fin de la dictature. Le fils était une star de l’équipe nationale de rugby.

El Clan est une plongée terrifiante au sein d’une entreprise criminelle familiale. Une famille bourgeoise, dans un quartier tranquille, séquestrait des innocents dont les cris étaient étouffés par une musique pop qui sature la BO du film. Ce mélange de trivialité – un père de famille aide sa fille à faire ses devoirs, le dîner du soir à la table familiale commence par un bénédicité – et de monstruosité – les victimes étaient froidement abattues une fois la rançon payée pour éviter que la trace des kidnappeurs ne soit retrouvée – glace le sang. C’est Scorcese qui flirte avec Buñuel.

Le film de Pablo Trapero a eu un immense succès en Argentine. Le réalisateur y voit le signe que son pays est désormais prêt à regarder son passé en face. J’y vois le succès mérité d’un film qui tient son public en haleine pendant deux heures et qui laisse une trace durable.

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Le cinéma roumain est décidément surprenant. Sans doute n’a-t-il plus atteint les sommets de 4 mois, 3 semaines, 2 jours, Palme d’or à Cannes en 2007. Mais il nous réserve régulièrement de jolies surprises. Mère et Fils de Calin Peter Netzer ou Le Voyage de Monsieur Crulic de Anca Damian figurent parmi les meilleurs films que j’ai vus ces dernières années.

Dans la jeune garde roumaine, Corneliu Porumboiu s’était distingué avec deux films hors norme. Le premier, 12 h 08 à l’est de Bucarest, était un vrai-faux documentaire rassemblant des témoignages sur la chute de Ceaucescu. Le second, Match retour, filmait le père du réalisateur commentant le match de football qu’il avait arbitré, en 1998, sous une neige épaisse, entre deux équipes roumaines.

Le Trésor est d’une teneur plus académique, même s’il conserve le parfum de bizarrerie de ses précédentes réalisations. Persuadé que son arrière-grand-père a laissé un trésor dans son jardin, un homme convainc son voisin de louer un détecteur de métaux pour le déterrer.

On imagine que le film est une métaphore. Celle d’une société roumaine qui peine à solder ses comptes avec son passé ? Ou qui se réfugie dans des espoirs chimériques pour fuir un présent ingrat ?

Rien de tout cela ! Le Trésor filme – longuement – deux hommes en train de creuser un trou. Le suspense fonctionne assez bien, évitant de trouver le temps trop long et le trou trop profond : que vont-ils découvrir ? Rien ? Quelque chose ? Et s’ils déterrent un trésor que vont-ils en faire ?
Très intelligemment – ou très stupidement – les réponses à ces questions sont frustrantes. C’est là ce qui fait l’originalité du film – ou, si on est mal luné, son absence d’intérêt.

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Au début du XXe siècle un clown afro-cubain a connu le succès à Paris. Roschdy Zem raconte son histoire.

Le sujet est passionnant. Comme « La Vénus noire » qui évoquait la soudaine célébrité acquise par une femme hottentote à Londres au début du XIXe, « Chocolat » interroge le regard porté sur les Noirs par les sociétés coloniales. Un regard effrayé sur le Noir cannibale que joue Omar Sy au début du film. Puis un regard paternaliste sur l’inoffensif Chocolat qu’il est devenu au contact de son partenaire de spectacle, le clown Footit. Dans les deux cas un regard méprisant même si la facilité avec laquelle Chocolat multiplie les conquêtes féminines montre que les Françaises ne partageaient pas les a priori racistes de leurs compatriotes masculins.

Si le sujet du film est captivant, son traitement pèche par son classicisme. L’histoire de Chocolat est platement racontée depuis sa découverte dans un cirque de province, en passant par sa montée à Paris, sa gloire éphémère et sa chute misérable. Le choix d’Omar Sy pour jouer son rôle est une fausse bonne idee. Si Sy (lol) a probablement le sourire le plus photogénique du cinéma français, sa célébrité écrase le rôle. On ne voit pas Chocolat mais le héros de « Intouchables ». La révélation du film, c’est James Thierrée, parfait de bout en bout dans le rôle du clown triste. On savait que le petit-fils de Charlie Chaplin était un comédien de théâtre surdoué ; on découvre qu’il a toute sa place devant la caméra.

Abdellatif Kechiche avait réussi à filmer avec fièvre la Vénus hottentote. En montrant avec une sensualité malsaine ses spectacles, il nous avait fait toucher du doigt la fascination voyeuriste qu’ils pouvaient exercer sur l’auditoire de l’époque. Roschdy Zem, lui, ne nous met jamais mal à l’aise. C’est le principal défaut de son film trop lisse.

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