La quarantaine bien entamée, Claire (Camille Cottin) et Yves (Romain Duris) sont tous les deux ingénieurs atomistes. Ils travaillent chez ENF (Électricité nucléaire de France ?). Un jour, en visitant la National Gallery, Claire tombe en arrêt devant une toile de Rembrandt. Ce choc la métamorphose. Elle se met à interroger le sens de son travail et à s’inquiéter des dangers du nucléaire face au changement climatique.

Rembrandt contient trois films en un.

Le premier est celui que son titre annonce : l’effet brutal, disrupteur, copernicien si on ose dire, que peut produire la rencontre d’une oeuvre d’art. C’est un sujet passionnant, terriblement subtil, qui convoque l’histoire de l’art, l’esthétique, la psychologie et la sociologie, et qui n’a, autant que je sache, jamais été traité au cinéma. Le problème est que Rembrandt se désintéresse très vite de Rembrandt…. avant d’y revenir in extremis à la toute fin du film. Les amoureux de la peinture hollandaise repasseront.

Le deuxième, qu’on voit sur l’affiche, est l’industrie nucléaire et ses dangers. On est ici sur des terres mieux balisées, celles qui mettent en avant, depuis quelques années dans le cinéma français, des courageux lanceurs d’alerte qui révèlent au grand public des secrets enfouis, qu’il s’agisse de l’affaire Clearstream (L’Enquête), du Mediator (La Fille de Brest), des boues rouges de Gardanne (Rouge), ou encore d’Areva (La Syndicaliste). Le sujet est traité avec beaucoup de pédagogie qui nous montre que les centrales nucléaires telles qu’elles sont conçues aujourd’hui ne sont pas formatées pour résister à des scénarios « extrêmes », tels qu’une vague scélérate, une chaleur caniculaire ou un assèchement radical des cours d’eau. On se croirait parfois dans le documentaire d’Al Gore Une vérité qui dérange.

Le troisième, qu’on voit également sur l’affiche, c’est l’histoire d’un couple qui ne regarde plus dans la même direction. Unie à son époux par vingt-cinq ans de mariage, une passion partagée pour un travail commun, une fille unique qu’ils chérissent (Céleste Brunnquell décidément de moins en moins convaincante), Claire s’éloigne inéluctablement d’Yves. Et Yves essaie sans succès de comprendre ce lent détachement.

Le problème de Rembrandt est de vouloir à tout prix faire tenir ces trois films en un.

La bande-annonce

Surnommé « l’homme qui répare les femmes », le gynécologue congolais Denis Mukwenge a ouvert à Bukavu dans le Sud-Kivu un hôpital qui accueille, opère et accompagne durant leur convalescence des femmes victimes de viols et de mutilations génitales. Il reçoit le prix Sakharov en 2014 et le prix Nobel de la Paix en 2018.

La réalisatrice Marie-Hélène Roux fait son hagiographie. Elle lui adjoint un gynécologue belge, Guy-Bernard Cadière, qui vient opérer avec lui dans son hôpital. À travers ce second personnage, le spectateur occidental s’identifie. Le même procédé est à l’œuvre dans une courte séquence qui ouvre le film où l’on voit la paix d’une famille belge, tendrement réunie autour du repas du dimanche, brutalement rompue par l’irruption de trois soldats qui violent la mère, sous les regards impuissants du père, avant de s’en prendre à leur fille.

À l’instar de cette première scène, le film est éprouvant. Car la réalité de ce qu’endurent ces femmes violées, mutilées, l’est encore plus. Le film est interdit à bon droit aux moins de douze ans avec avertissement. mais il est pourtant d’utilité publique. Il faut voir Muganga ; il faut le faire voir pour prendre conscience de l’horreur vécue par ces femmes et de la grandeur de l’œuvre menée par le Dr Mukwenge.

C’est hélas le seul motif – et non des moindres – pour aller voir ce film et pour en faire l’éloge. Car hélas, il n’y en a pas d’autres. D’un point de vue cinématographique, Muganga est bien pâle. Ses acteurs sont caricaturaux : Isaach de Bankolé joue un Mukwenge corseté, gardant un calme absolu en toutes circonstances, que rien ne fera jamais dévier de sa mission; Vincent Macaigne en rajoute juste un peu trop dans le rôle du muzungu (le Blanc en kiswahili) perché.
Le scénario a construit quelques personnages de patientes afin de présenter un échantillon aussi représentatif que possible des cas traités à Panzi : Blanche, qui doit traverser le pays ravagé par la guerre, après avoir vu son mari et son fils tués sous ses yeux, Neema, qui refuse d’être opérée par un Blanc, Antoinette devenue folle après que les soldats ont forcé ses fils à la violer…

Il y a dans le film un personnage et une situation qui surnagent : celui de Busara interprété par Déborah Lukumuena (Divines, Les Invisibles, Entre les vagues…). Après le viol qu’elle a subi, elle est tombée enceinte. Sa grossesse la révolte. Elle demande à Mukwenge d’y mettre un terme ; il essaie de l’en dissuader au nom de ses principes religieux et de l’innocence de l’enfant à naître ; Cadière n’est pas du même avis.

Muganga mérite d’être vu pour le sujet qu’il porte et moins hélas pour la façon dont il le porte.

La bande-annonce

Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio) est un militant d’extrême gauche qui met au service d’un groupe paramilitaire, les French 75, ses talents d’artificier. Sa compagne, Perfidia Beverly Hills (Teyana Taylor) fait partie du groupuscule qui, lors d’une opération musclée dans un centre de rétention de réfugiés, humilie le commandant de la base, le colonel Lockjaw (Sean Penn) et noue avec lui une relation SM. Perfidia tombe enceinte et accouche d’une petite fille juste avant qu’un braquage qui tourne mal oblige le groupe à se dissoudre et ses membres à disparaître aux quatre coins de l’Amérique sous de fausses identités.
Bob élève seul sa fille Willa (Chase Infiniti) dans la paranoia de ses poursuivants. Seize ans plus tard, aiguillonné par une confrérie suprémaciste blanche, le colonel Lockjaw retrouve leur trace. Pour lui échapper Bob peut compter sur le professeur de karaté de sa fille, Sensei Giorgio (Benicio Del Toro).

Paul Thomas Anderson s’est affirmé comme l’un des plus importants réalisateurs du cinéma américain contemporain avec des films aussi marquants que Magnolia, There Will Be Blood ou Phantom Thread (wink Berthe Edelstein). Adapté d’un roman de Thomas Pynchon, l’un des plus grands et des plus mystérieux écrivains du vingtième siècle, avec son casting trois étoiles, il constituait l’un des films les plus attendus de l’année.

Le film est à la hauteur des attentes qu’il a fait naître. C’est un « grand » film dans tous les sens du terme : par sa durée qui flirte avec les trois heures, par son style flamboyant et classique à la fois, par son ambition enfin : offrir, comme Eddington sorti juste avant lui, une radioscopie de l’Amérique schizophrène écartelée entre ses deux extrêmes de droite et de gauche.

Ses acteurs sont épatants. Tout le film repose sur Leonardo DiCaprio, qui constitue, pour tous les spectateurs de mon âge, un marqueur : on l’a découvert, ado, sublimement beau et romantique, avant de le voir lentement vieillir et s’empâter. Son rôle aurait pu sombrer dans la caricature : celui d’un vieux révolutionnaire en robe de chambre, dont les vieux idéaux se sont envolés dans la fumée de la marie-jeanne et dont l’amour pour sa fille est devenue sa seule boussole. À ses côtés, Sean Penn signe une performance incroyable. Lui aussi aurait pu sombrer dans la caricature : celle du militaire guindé à la mâchoire serrée, aux cheveux et aux idées courts. Mais ces deux immenses acteurs arrivent à donner vie à leurs personnages caricaturaux et on passe le film à se pincer devant ce qu’ils osent faire. Cerise sur le gâteau : Benicio Del Toro dans le rôle improbable d’un professeur mexicain de karaté. On imagine que la jeune Chase Infiniti ne devait pas en mener large entre ces trois monstres sacrés et on admire d’autant plus son cran.

Une bataille après l’autre se regarde comme un thriller ample et puissant avec un final d’anthologie, dans un décor tellement américain.
C’est aussi un film d’une brûlante actualité, qui, s’il évoque les groupuscules terroristes des années 70, résonne avec les dérives suprémacistes du trumpisme et la criminalisation des mouvements antifa.

La bande-annonce

Dans la famille Trousselard, on demande le père (Laurent Lafitte) : riche avocat d’affaires parisien, très sûr de lui, qui aime parsemer ses maximes d’expressions latines souvent inappropriées. La mère (Elodie Bouchez), actrice jadis célèbre en quête d’un impossible come back. La fille, Garance (Noée Abita), une peste idiote et narcissique qui rêve de devenir actrice à son tour. Le petit ami de Garance (Sami Outalbali), d’origine modeste sorti major de sa promotion à Assas avant de passer avec succès l’examen du barreau, mais discriminé à l’embauche par les grands cabinets qui lui préfèrent des fils de.
Les Trousselard possèdent une luxueuse villa perdue dans la garrigue cévenole. Les Azizi (Laure Calamy et Ramzy Bedia) sont leurs gardiens.

La bande-annonce de Classe moyenne a bien failli me dissuader d’aller le voir. Elle laissait pressentir une comédie grasse, une farce lourde à laquelle n’auraient manqué que Christian Clavier et Josiane Balasko, ou encore une ruben-östlunderie made in France– puisque c’est ainsi qu’on désigne désormais des comédies grinçantes et malaisantes qui, sans peur de l’outrance, se rient des travers de nos sociétés contemporaines. À l’aune de ce naufrage annoncé, Classe moyenne fut plutôt une bonne surprise – même si je n’en ai toujours pas compris le titre.

La bande-annonce évoque l’affrontement grotesque entre des propriétaires parisiens et leurs gardiens. Le scénario, heureusement, est plus subtil, qui commence par le commencement – la relation déséquilibrée entre un couple de riches vacanciers et un autre, bon.ne.s à tout faire, payés pour déboucher leurs canalisations et nettoyer leur piscine – et monte lentement en puissance.

Antony Cordier – qu’on avait découvert en 2005 avec le très réussi Douches froides et qui avait disparu depuis – ciselle une comédie théâtrale à sept personnages remarquablement bien écrite. Les personnages et les acteurs y sont remarquables, la meilleure étant Élodie Bouchez dans un rôle pourtant pas facile qui aurait pu être éclipsé par celui de Laurent Lafitte, toujours impérial.
Mais c’est son scénario qui m’a convaincu. Car le film aurait pu se contenter de poser côte à côte ces deux familles que tout oppose. Il a le mérite de les faire interagir dans une histoire qui ménage son lot de rebondissements jusqu’à son climax que rien ne laissait augurer, aussi surprenant que logique.

Classe moyenne n’est certainement pas le film du mois. Mais c’est un film drôle et malin. Si vous ne le voyez pas au cinéma, vous pourrez le voir sans préjudice à la télévision ou sur votre ordinateur. Vous passerez un excellent moment.

La bande-annonce

Skender (Niels Schneider) est un ancien légionnaire qui, après son départ de l’armée, a connu une inexorable déchéance, quittant sa femme (Deborah François) et ses fils, vivant à la rue. Max, un ancien camarade (Ramzy Bedia), employé par une veuve richissime (Linh-Dan Phan), lui propose un marché diabolique : accepter d’être le gibier d’une chasse à l’homme d’un mois dans une réserve privée du nord de la Roumanie en échange de trois millions qui seront versés à sa famille s’il n’y survit pas.

J’aime beaucoup le cinéma de Lucas Belvaux, ce réalisateur belge qui sait raconter des histoires captivantes, ancrées dans un arrière-plan social, avec des caractères forts : Des hommes adapté d’un livre de Laurent Mauvignier sur la guerre d’Algérie et ses répliques dans la société française contemporaine, Chez nous qui dénonce les poisons que distille le Front national auprès d’une France rongée par la peur du déclassement, Pas son genre sur la relation impossible entre un prof agrégé et une coiffeuse, 38 Témoins sur la lâcheté ordinaire…

Lucas Belvaux a publié en 2022 son premier roman. Une amie au goût très sûr me l’a chaudement recommandé et me l’a même offert. Je l’ai lu hier sur le chemin du cinéma, vivant l’expérience assez étrange de voir les images d’un texte que je venais de lire quelques minutes avant.

Lucas Belvaux réalise l’adaptation de son propre ouvrage. C’est l’assurance qu’il ne sera pas dénaturé. Pour autant, il ne lui est pas totalement fidèle. Le livre est construit en 86 chapitres très courts de trois ou quatre pages chacun, où le point de vue de chaque personnage est tour à tour présenté au style indirect. Sauf à recourir à la voix off, le style indirect n’existe pas au cinéma. La littérature est un genre spontanément psychologisant qui peut raconter ce que les personnages pensent ; le cinéma est un genre qui, dans une large mesure, ne peut montrer que ce que les personnages font. Le chapitre 27 raconte par exemple du point de vue de Skender le dîner qu’il offre à sa femme dans un restaurant et ses hésitations à chaque instant pour la convaincre qu’il s’est amendé. La scène du film, plus objective par construction, gomme ce point de vue.

Tromperie sur la marchandise. Les Tourmentés nous est vendu comme une chasse à l’homme, façon Les Chasses du comte Zaroff. Or, le début de la chasse n’est prévu que six mois après que son principe a été acté entre Skender et Madame. Et le livre comme le roman se perdent dans ses longs préparatifs, dans la réconciliation de Skender et de sa femme, dans les états d’âme de Max, déchiré entre deux loyautés contradictoires et dans les hésitations de Madame, dont le passé est peu à peu révélé depuis son enfance misérable dans les hauts plateaux du Vietnam où un riche milliardaire est venu l’acheter à sa mère.

Autre défaut, plus rédhibitoire encore. Les Tourmentés – un titre qui me sera resté définitivement obscur – est un film très (trop) bavard, dépourvu du moindre humour, où les personnages échangent sentencieusement des adages définitifs sur le sens de la vie. Ça passe ric-rac à l’écrit ; ça ne passe plus du tout à l’écran avec une distribution à contre-emploi.

La bande-annonce