Paris 1900. Après avoir été témoin de la mort de son frère aîné, Billie (Alice Isaaz) n’a plus qu’une idée en tête : le venger. Pour ce faire, elle s’inflitre dans la bande des Apaches, une association de malfaiteurs que dirige Jésus (Niels Schneider) épaulé par son fidèle second, Ours (Artus).

Apaches est un film de gangsters en costumes, un revenge movie qui lorgne du côté de Peaky Blinders ou de Paris Police 1900, la série de Canal Plus. J’ai également pensé au film Les Anarchistes qui, malgré son casting prestigieux – Tahar Rahim, Adèle Exarchopoulos, Swann Arlaud, Guillaume Gouix, Karim Leklou… – était passé inaperçu à sa sortie en 2015.

Apaches est un film à prendre au premier degré qui rappelle la folle vitalité et le culot de Luc Besson ou de ses épigones dans les 90ies. Son scénario rebondissant et ses personnages charismatiques évoquent les feuilletons d’Eugène Sue. Gavroches courageux, prêtres défroqués, prostituées au grand cœur, voyous inquiétants, toute la palette prévisible des caractères de l’époque est convoquée. La production n’a pas lésiné sur les moyens et sur l’usage de la palette graphique pour restituer l’ambiance rétro-punk de l’époque. La musique est contemporaine et assume ses anachronismes.

Bien sûr, on pourra faire la fine bouche, reprocher au scénario ses facilités et aux acteurs de friser parfois la caricature. On pourra aussi trouver que Niels Schneider n’a pas les épaules assez larges ni le charme vénéneux de Cilian Murphy pour porter à lui seul le rôle d’un chef de bande. Mais on aurait tort de minauder devant ce spectacle divertissant et de trouver à redire aux interprétations d’Alice Isaaz, incandescente une fois de plus, et surtout d’Artus qui, depuis sa révélation dans Le Bureau des légendes est en train tout doucement de se tailler une place à sa mesure dans le cinéma français.

La bande-annonce

Philippa Langley, une historienne amateur, s’est mis en tête de retrouver la dépouille de Richard III et y est parvenue en 2012… sous un parking de la ville de Leicester dans le nord de l’Angleterre. Cette histoire incroyable avait déjà fait l’objet d’un documentaire télévisé sur Channel 4 au titre évocateur : The King in the Car Park.

Les scénaristes Steve Cogan et Jeff Pope, qui avaient déjà travaillé avec Stephen Frears sur Philomena (2013), se sont emparés de cette histoire vraie d’une mère de famille anonyme qui, contre tout le système institutionnel, s’est entêtée dans son intuition en voulant à la fois retrouver la dépouille de Richard III et restaurer son image ternie par la propagande des Tudor qui avaient vaincu le dernier des Plantagenet à la bataille de Bosworth en 1485.

Pour donner vie à un récit autrement bien austère, ils y instillent une dose de comédie et une autre de fantastique en ressuscitant le fantôme de Richard III et en le faisant dialoguer avec Philippa. J’ai lu dans beaucoup de critiques que ces scènes là étaient peu crédibles et ratées. Je ne suis pas d’accord. J’ai trouvé au contraire qu’elles permettaient d’éclairer le personnage de Philippa, un mélange paradoxal d’extrême faiblesse (la frêle Sally Hawkins souffre du syndrome de fatigue chronique) et de grande détermination (elle devra tenir tête aux autorités scientifiques qui raillent son absence de diplômes et convaincre des sponsors de financer ses recherches).

The Lost King est aussi l’occasion de retrouver Stephen Frears à quatre-vingts ans passés.
Ma cinéphilie est née au milieu des 80ies au contact de son cinéma. Dans une veine qui fut ensuite reprise avec le succès que l’on sait par Ken Loach, ses premiers films faisaient la critique des dérives ultralibérales de l’Angleterre de Thatcher : My Beautiful Laundrette (1985), Prick Up your Ears (1987), Sammy et Rosie s’envoient en l’air (1987). A l’époque, encore privé de cinéma étranger, sinon hollywoodien, je leur trouvais un exotisme fou et y apprenais grâce à eux des expressions anglaises que je ne connaissais pas. Stephen Frears s’est ensuite expatrié à Hollywood dans les 90ies au risque d’y perdre sa touche : si ses Liaisons dangereuses restent une référence, ses autres films américains sont tombés dans un oubli légitime. Depuis, Stephen Frears est rentré en Angleterre. Il s’est effacé derrière ses films, parfois très réussis pourtant : The Queen, Tamara Drewe, The Program… J’attends avec impatience son prochain film, l’adaptation de l’avant-dernier roman en date de Jonathan Coe, Billy Wilder et moi.

La bande-annonce

Halim (Saleh Bakri) est un maleem, un tailleur réputé qui, selon une technique transmise depuis des générations, brode les caftans les plus élégants, dans une modeste échoppe de la médina de Salé, près de Rabat au Maroc. Il partage, avec sa femme Mina (Lubna Azabal), le lourd secret de son homosexualité, dans un pays où elle est encore pénalement sanctionnée. Mais l’arrivée d’un bel apprenti, Youssef (Ayoub Missioui), et la récidive du cancer dont Mina est atteinte rebattent les cartes.

L’actrice-scénariste-réalisatrice Maryam Touzani forme avec son mari Nabil Ayouch un sacré tandem.. Ils ont à tous les deux écrit et réalisé quelques uns des films marocains les plus marquants de ces dix dernières années : Much Loved, Razzia, Haut et fort…
On retrouve dans le deuxième film de Maryam Touzani, les mêmes ingrédients que dans le premier, Adam, qui avait pour sujet la condition d’une fille mère recueillie par une boulangère. On y retrouve d’abord la même actrice, impressionnante, Lubna Azabal. On y retrouve surtout la même ambiance confinée, là dans la minuscule boulangerie où cohabitaient les deux femmes de Adam, ici dans l’échoppe où Halim, Mina et Youssef travaillent. On y retrouve surtout la même inlassable détermination à dénoncer les tabous d’un Maroc hypocrite et viriliste.

C’est d’ailleurs le – seul – reproche que j’adresserais à ce film autrement remarquable : sa bien-pensance. On m’objectera que mieux vaut être bien-pensant que mal-pensant. Et on aura raison. On m’objectera surtout que ce reproche-là, à le supposer fondé, ne doit pas occulter les autres qualités du film. Sa principale est son immense sensibilité. Tout est beau, doux et touchant dans le trio que forment Halim, Mina et Youssef : l’immense amour de Halim pour son épouse, la résilience de Mina qui se bat contre le cancer qui va inexorablement l’emporter en grignotant des mandarines et en profitant des derniers petits bonheurs que la vie offre chichement, la timidité de Youssef et la relation qui se noue lentement avec son maître, faite de respect filial et d’attraction sensuelle…

Le Bleu du caftan dure sans doute trente minutes de trop. Mais ces trente minutes là ont pour fonction de préparer à la dernière scène, qu’on devine vite, mais qui n’en constitue pas moins une conclusion poignante à un drame réussi.

La bande-annonce

Dalva a douze ans. Brutalement séparée de son père, elle est placée en foyer d’accueil. Elle y apprendra lentement à se reconstruire.

J’avais vu plusieurs fois la bande-annonce de Dalva sans y comprendre grand-chose. En découvrant cette pré-adolescente outrancièrement fardée, j’avais même pensé un temps que son héroïne était un petit garçon en train de vivre une transition de genre ! Or le sujet de Dalva n’est pas la transidentité, loin s’en faut, mais l’inceste.
La bande-annonce n’en dit rien. Elle a bien raison de n’en rien faire. Mais toutes les critiques l’évoquent. Le film, dès sa toute première scène, le laisse comprendre.

Un tel sujet est évidemment tétanisant. Les Chatouilles l’avait pris à bras-le-corps en 2018 avec une terrible efficacité. On se souvient qu’il s’agissait de l’adaptation d’un seule-en-scène construit sur la base de flashbacks entre le passé traumatisant de son héroïne et sa lente reconstruction grâce à la cure psychanalytique qu’elle avait entreprise.

Ici, c’est moins de l’inceste proprement dit qu’il est question, qui demeure hors champ, dans un passé dont on ne verra et dont on ne saura rien – l’action commence le jour de l’arrestation du père de Dalva – que du chemin que parcourra Dalva pour retrouver l’enfance qui lui a été volée.

Le vrai sujet du film est paradoxal voire choquant : il est dans le refus initial de l’enfant d’admettre la culpabilité de son père, voire son entêtement obstiné à clamer son innocence.
Jacques – c’est le nom de ce père qu’elle n’appelle jamais « papa » – avait transformé sa petite fille en poupée hypersexuée, maquillée, coiffée, vêtue comme une femme mature. On imagine en frémissant ce qui se cache derrière ce fantasme. Mais Dalva, loin de vivre l’arrestation de son père comme une délivrance, la vit comme une séparation intolérable. Elle exige de conserver ses vêtements, son maquillage, son chignon sophistiqué. Elle demande à revoir son père, placé sous écrou à Reims.

Ainsi posé le film s’annonce palpitant. Mais l’exploitation qu’il fait de ce postulat de base reste assez plat. Comme on l’a déjà vu mille fois, dans tant de films plus ou moins similaires (La Mif, Mon frère, Conséquences, La Tête haute, States of Grace, Fish Tank, Dog Pound…), Dalva filme la vie dans un foyer d’accueil de l’ASE – ce qu’on a cessé depuis longtemps d’appeler « l’Assistance ». Là, au contact d’éducateurs bienveillants (Alexis Manenti, César du meilleur espoir masculin pour Les Misérables, Marie Denarnaud…) et d’une camarade de chambre aussi cabossée qu’elle (Fanta Guirassy à suivre), elle se reconstruira.

La jeune Zelda Samson est impressionnante dans le rôle titre. Elle joue à la perfection un mélange ambigu de féminité aguicheuse et d’enfance innocente. Un seule reproche : on la voit trop vite basculer du premier registre vers le second.

La bande-annonce