Le général guatémaltèque Monteverde a commis sur les populations mayas des exactions qui lui valent un procès pour génocide. Condamné dans un premier temps, puis blanchi, il doit se cloîtrer dans sa maison, sous la protection d’un escadron présidentiel d’une foule pacifique qui hurle sous ses fenêtres. Près de lui sont rassemblées sa femme, sa fille et sa petite-fille. Sa domesticité a fait défection à l’exception de Valeriana, la fidèle gouvernante qui recrute dans son village une aide, Alma. La jeune femme inspire au vieux général des cauchemars terrifiants.

Jayro Bustamante est le visage du Guatemala sur la scène mondiale du cinéma. Une scène où les petits États d’Amérique centrale n’ont guère de place. J’ai beau avoir une cinéphilie pathologiquement cosmopolite, je serais bien en peine de citer un film panaméen (sauf à y rattacher Le Tailleur de Panama ou les saisons 2 et 3 de Prison Break) ou salvadorien.

Jayro Bustamante clôt avec La Llorona un triptyque consacré aux maux qui affligent son pays et aux mots utilisés pour les décrire. Ixcanul documentait le sort misérable des populations maya. Tremblements dénonçait l’homophobie de la haute société. La Llorona évoque le passé qui ne passe pas d’un pays, pris en otage par la Guerre froide, qui, au nom de la lutte contre le communisme, extermina une partie de sa population. Le général Monteverde du film est le double à peine déguisé du général Efrain Rios Mont, coupable de crimes de masse en 1982-1983, dont la condamnation en cour d’assises en 2013 avait été cassée par la Cour constitutionnelle et qui mourut, libre, dans son lit.

Jayro Bustamante a le mérite de prendre à bras-le-corps des sujets âpres. Tremblements était un film fort dont le souvenir que j’en ai gardé s’est bonifié avec le temps et auquel je regrette de ne pas avoir mis trois étoiles.
La Llorona est un chouïa en-dessous. En raison d’un parti pris auquel je n’ai pas adhéré : donner au scénario un tour fantastique en cantonnant les protagonistes entre les quatre murs d’une maison et en leur inspirant des visions cauchemardesques.

La bande-annonce

Le lieutenant-colonel Breitner (Johan Heldenbergh) se voit confier la mission d’aller retrouver son ancien chef, le colonel Delignières (Olivier Gourmet) disparu dans les Aurès. Pour mener à bien sa tâche, il réunit autour de lui une troupe hétéroclite : sa compagne, une fière guerrière hmong (Linh-Dan Pham), un tireur d’élite illettré et raciste (Pierre Lottin), un sergent-chef sénégalais (Steve Tientcheu). En chemin, ils font prisonnier une artificière du FLN (Lyna Khoudri).

Un mythe tenace voudrait que le cinéma français ait superbement ignoré la guerre d’Algérie, à la différence de Hollywood qui a pris à bras le corps le conflit vietnamien. Le mythe n’est qu’à moitié vrai. Très rapidement, des films ont été tournés avec pour toile de fond la guerre d’indépendance d’Algérie : Le Petit Soldat de Jean-Luc Godard, RAS d’Yves Boisset, L’Honneur d’un capitaine de Pierre Schoendoerffer… Le flux ne s’est pas tari et on a vu encore, ces dernières années, des films traiter le même sujet : L’Ennemi intime de Florent Siri, La Trahison de Philippe Faucon, Hors-la-loi de Rachid Bouchareb…

Qu’un sang impur… s’inscrit dans cette généalogie. Il est l’oeuvre d’un vieux routier du cinéma français qui, après avoir signé plusieurs scénarios (Mesrine, Un prophète, la série Braquo), passe pour la première fois derrière la caméra. Abdel Raouf Dafri n’instruit pas à charge le procès d’une sale guerre. S’il montre sans fard les tortures pratiquées par les troupes françaises (le film est, à bon droit, interdit aux moins de douze ans), il ne cache pas les exactions commises par les fellaghas.

Le problème est que ce projet parfaitement honorable est desservi par un scénario maladroit et une direction d’acteurs calamiteuse. Le scénario louche un peu trop ostensiblement du côté de Apocalypse now, en mettant en scène un colonel la boule à zéro, animé de pulsions de mort. Olivier Gourmet, qui est pourtant l’un des meilleurs acteurs du moment, réussit à se ridiculiser dans cette mauvaise doublure de Marlon Brando. On se demande bien pourquoi on est allé chercher le belge Johan Heldenbergh pour interpréter le rôle de Martin Sheen. Des dizaines d’acteurs français, plus jeunes, plus charismatiques, auraient mieux fait l’affaire. Seuls surnagent les seconds rôles : Lyna Khoudri (l’héroïne de Papicha), Salim Kechiouche (acteur récurrent chez Kechiche), Steve Tientcheu (le maire des Misérables)…

La bande-annonce

Tommaso (Willem Dafoe) vit à Rome avec sa femme, de trente ans sa cadette, et sa petite fille. Ce réalisateur américain travaille à la préparation de son prochain film, donne des cours dans une école de théâtre, apprend scrupuleusement l’italien. Mais surtout il chasse ses vieux démons, la drogue et l’alcool, en se soumettant à la pratique exigeante du yoga et en assistant chaque semaine aux réunions des AAs.

Abel Ferrara nous envoie de Rome un bulletin de santé plutôt rassurant par l’entremise de Willem Dafoe, son double cinématographique, avec lequel il signe son sixième film. Il s’est installé dans la capitale italienne. Ça tombe bien : Dafoe aussi. Ferrara a tourné Tommaso avec sa femme et sa fille de trois ans : le couple aura des images à montrer à leur fille quand elle sera plus grande.

Le réalisateur new-yorkais de toutes les outrances a survécu à la dope. Il a vieilli. il s’est assagi. On est content pour lui…

On le suit dans sa vie quotidienne, dans son petit train-train bonhomme : Tommaso prend un café au comptoir, Tommaso fait les courses, Tommaso rentre chez lui, Tommaso cuisine, Tommaso baise avec sa femme en complimentant son cul (il devait quand même régner une drôle d’ambiance sur le plateau avec le mari derrière son prompteur, sa femme et Willem Dafoe à poil devant la caméra). Une fois encore, on est content pour lui.

Certes, les démons ne sont jamais loin. Le démon de la jalousie : Tommaso, paranoïaque, est convaincu que sa femme le trompe. Le démon de la tentation : ses jeunes étudiantes lui font les yeux doux…et plus si affinités. D’ailleurs de ce que l’on voit, le plus infidèle des deux n’est pas celui qu’on croit (il devait quand même régner une drôle d’ambiance sur le plateau. Bis repetita). Et cette culpabilité catholique qui traverse tous les films de Ferrara – comme ceux de Scorsese – dont il faut à tout prix se débarrasser quitte à simuler une scène de crucifixion devant la gare de Termini devant des badauds perplexes ou hilares.

Tout cela est bel et bon… mais on s’en fout un peu. Et on sort de la salle avec une seule interrogation, bien peu cinématographique et encore moins catholique : quand et comment Abel Ferrara et Christina Chiriac se sépareront-ils ?

La bande-annonce

Les joueurs de l’équipe de foot de Clourrieres dans les Hauts-de-France sont interdits de stade à trois matchs de la fin du championnat. Seule solution pour leur entraîneur (Kad Merad) pour éviter la relégation : monter une équipe féminine.

Passons sur l’argument du film hautement improbable : Une belle équipe est la jolie surprise de la semaine, le genre de film que j’ai bien failli ne pas voir. Pourquoi ? Parce que la feel good comedy francaise formatée pour séduire la ménagère de quarante ans me fait fuir. Dailleurs je ne suis pas allé voir l’année dernière Comme des garçons qui developpait un argument similaire : la création à Reims à la fin des années soixante du premier club de foot féminin. En revanche j’ai gardé le meilleur souvenir des Seigneurs, une comédie dOlivier Dahan de 2012 avec Frank Dubosc, José Garcia et Gad Elmaleh qui racontait avec humour les difficultés d’une ancienne gloire du football pour entraîner une équipe amateure sur une île bretonne.

Une belle équipe se déroule dans le Noooooord. Et on s’attend presque à ce que Kad Merad coiffe sa casquette de postier. Danny Boon aurait très bien pu interpréter le rôle drolatique de Mimil, son collègue de travail, coupeur de citrons bénévole, pas bien malin mais au grand cœur. Les montants astronomiques de ses cachets ne l’ont sans doute pas permis et c’est tant mieux. Car c’est Alban Ivanov qui interprète le rôle et réussit à y être encore plus hilarant que dans La Vie scolaire ou Le Grand Bain. C’est dire.

Du côté des femmes, le casting est aussi réussi qui brosse une coupe transversale de la société française gentiment caricaturale. Laure Calamy, toujours excellente, interprète une grande bourgeoise un peu coincée qui brûle de soulever la chappe de plomb que fait peser sur elle un mari dictatorial. Céline Salette, toujours juste, incarne une mère de famille qui aimerait bien partager avec un mari adulescent (Guillaume Gouix) la charge mentale de l’éducation de leurs trois enfants. Sabrina Ouazani joue la beurette de service, surdouée du ballon rond, en quête de rédemption sociale après s’être vue retirer la garde de sa fille.

Alors, bien sûr, Une belle équipe ne revolutionnera pas le cinéma. C’est la raison pour laquelle je ne lui mettrai pas trois étoiles. Mais j’ai passé à le regarder un moment bien plus divertissant que devant bien des films taiwanais de trois heures en noir et blanc.

La bande-annonce

Frank (Arieh Worthalter) et Maroussia (Nadège Trebal) tirent le diable par la queue dans un appartement acheté en viager à une vieille dame qu’ils hébergent dans leur salon. Maroussia est assistante maternelle à domicile ; Frank trafique des pièces détachées à la casse jusqu’à ce que ses petites combines soient brutalement interrompues.
Frank doit quitter Maroussia pour aller gagner de l’argent. Il s’est fixé un objectif : 12.000 euros soit l’argent que gagne sa compagne en douze mois.

Film social ? Romance ? Comédie dansée ? Douze mille est un peu tout cela. C’est ce qui fait sa richesse ; mais ce qui, au final, scelle son échec.

Nadège Trebal, la réalisatrice, vient du documentaire. Ses deux précédents films, Bleu pétrole en 2012 et Casse en 2014 avaient été tournés à l’usine. Douze mille en porte la trace, dont l’essentiel de l’action se déroule dans le terminal portuaire où Frank est allé s’embaucher.
Mais il n’y a rien de triste dans l’odyssée prolétaire de Frank, loin de sa Pénélope. La réalisatrice a fait appel au chorégraphe Jean-Claude Gallotta pour mettre en mouvement les corps. Les chorégraphies sont très simples. Elles passeraient presque inaperçues. Elles introduisent un soupçon de féérie dans une histoire qui, sans elles, serait bien plate.
Douze mille est aussi une histoire d’amour lumineuse entre un homme et une femme. Nadège Trebal donne de sa personne en interprétant, sans fard, le personnage principal et en nous offrant une des scènes d’amour les plus authentiques qu’on ait vues depuis longtemps à l’écran.

Douze mille et 1917 sont sortis le même jour. Leurs titres se ressemblent. Mais la ressemblance s’arrête là. Et l’immense succès de l’un condamne l’autre à l’invisibilité.

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Tout semble aller pour le mieux dans le meilleur des mondes pour Hunter. Elle vit dans une belle maison auprès de son beau mari, accueillie à bras ouverts par ses beaux beaux-parents auxquels elle va bientôt donner un petit-enfant. Mais la grossesse de la jeune femme provoque chez elle des troubles obsessionnels du comportement. Hunter se met à avaler toutes sortes d’objets, dangereux et incomestibles : une bille, un clou, une pile…

La folie est un sujet très cinématographique. Les plus grands s’y sont frottés : Polanski (Rosemary’s baby, Repulsion), Cronenberg (Le festin nu, Spider), Cassavetes (Une femme sous influence, Faces), Aronofsky (Requiem for a dream)…

Le réalisateur Carlo Mirabella-Davis raconte s’être inspiré de l’histoire de sa grand-mère, une femme au foyer dans l’Amérique patriarcale des années cinquante, internée en asile psychiatrique pour soigner les TOCs causés par une vie sans joie. Reconnaissant que « filmer un personnage qui se lave les mains n’est pas très cinématographique », il a infligé à son héroïne une maladie peu commune : le syndrome de Pica et l’ingestion compulsive d’objets divers. L’effet est radical. On déconseille vivement Swallow à l’heure du repas et/ou aux amateurs de popcorn tant l’ingestion par Haley Bennett d’objets de plus en plus dangereux provoque des haut-le-cœur.

Les deux premiers tiers du film sont particulièrement réussis qui ne franchissent quasiment pas les portes de la prison dorée de Hunter et de son bellâtre de mari, dont la beauté n’a d’égale que l’absence glaçante de sensualité. Au bout d’une heure on étouffe des objets ingérés comme de l’atmosphère oppressante qui y règne. On a envie de s’enfuir. Le réalisateur avait le choix de nous enfoncer la tête une demie heure de plus dans ce cauchemar ou de nous autoriser une échappée belle.

C’est malheureusement pour le second parti qu’il opte. Une cure psychanalytique permet à Hunter de mettre des mots sur son mal. Ce dévoilement mélodramatique – et assez bateau – la conduira à des choix radicaux dont on ne révèlera rien sans se faire accuser d’être un infâme spoiler. C’est dommage car il y avait encore beaucoup à dire de ces dix dernières minutes, de ces retournements et de ce plan final, interminable, glaçant et paradoxalement énergisant.

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Dans les rues de Kinshasa, la trépidante capitale de la république démocratique du Congo (RDC), quelques performeurs créent. Freddy Tsimba érige sur une place de Matonge une « maison de machettes » que la police a tôt fait de venir détruire. Le métis Béni Barras, qui désespère d’obtenir la nationalité belge, passe ses journées dans un squat à sculpter du plastique fondu. Géraldine Tobe peint des toiles cauchemardesques à la suie. Le performeur Majestikos traverse Kinshasa dans une baignoire remplie de sang. Les Kongo Astronauts déambulent dans des combinaisons spatiales fabriquées à partir de matériaux de récupération.

Il y a quelques années on voyait sur la chaîne Planète Afrik’art, une émission culturelle consacrée à la création contemporaine en Afrique. Perésentée par Elizabeth Tchoungi, ce magazine reposait sur un principe simple : nous présenter chaque mois les créations de cinq ou six artistes d’une ville  d’Afrique différente.

Système K – K comme Kinshasa, on l’aura compris – repose sur le même principe. C’est ce qui en fait la principale limite. Il s’agit de découvrir une dizaine d’artistes congolais à Kinshasa et de les suivre dans leur processus créatif.

Ce qui frappe, ce n’est pas seulement la radicalité de ces jeunes artistes, c’est l’incroyable anarchie qui existe dans les rues défoncées et encombrées de la capitale congolaise. Renaud Barret y a posé sa caméra depuis près de vingt ans et y a réalisé plusieurs documentaires. En 2010, c’est le succès surprise de Benda Bilili !, un documentaire sur un orchestre de musiciens handicapés. Le photographe parisien a été happé par la formidable énergie de cette ville tentaculaire. « Chaos permanent », « anarchitecture », « désurbanisme », « darwinisme social absolu », Renaud Barret trouve les mots, ou les invente, pour décrire, dans les interviews qu’il a donnés à l’occasion de la sortie de Système K, cette ville électrique.

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« De l’influence du numérique sur le comportement des honnêtes gens » en cinq histoires.
Stéphanie (Blanche Gardin) et Fred (Maxence Tual) se désespèrent de voir l’audience de leur vlog péricliter après la rémission de leur fils cancéreux.
Une enseignante romantique, allergique aux nouvelles technologies (Elsa Zylberstein) rencontre un youTubeur à succès (Max Boublil).
Florian (Finnegan Oldfield) cherche l’âme sœur sur des applications de rencontres.
Romain (Manu Payet) se demande pourquoi il reçoit des publicités ciblées pour le Viagra.
Tout ce petit monde se retrouve sur une île atlantique sans réseau pour célébrer un mariage.

J’allais voir Selfie avec des semelles de plomb.
Les premières critiques étaient mitigées
Le film à sketchs n’est plus à la mode depuis l’âge d’or de la comédie italienne – à la flamboyante exception, il est vrai, des Nouveaux sauvages, mon film préféré de l’année 2015.
Et, sur l’impact des nouvelles technologies sur les sociétés contemporaines, tout a été dit par la formidable série Black Mirror dont il y avait fort à craindre que ce franchouillard Selfie soit l’avatar pas drôle.

Pourtant Selfie n’est pas aussi mauvais que je l’avais craint.
D’abord parce qu’une savante construction qui enchâsse les histoires et leurs personnages (la délicieuse Fanny Sydney apparaît dans trois épisodes) évite le paresseux enchaînement de cinq mini-films que ma présentation supra laissait augurer.
Ensuite, on y rit volontiers notamment avec Elsa Zylberstein (qui est à l’affiche de deux sorties cette semaine), peut-être parce qu’elle nous ressemble un peu dans le rôle d’une quadragénaire que les fautes d’orthographe et les facilités de langage sur les réseaux sociaux horripilent.
Mais surtout parce que Selfie touche souvent juste, qui se moque gentiment des travers dans lesquels Internet, Twitter, Snapchat et Meetic nous ont fait tomber.

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