Assassin’s Creed ☆☆☆☆

Callum Lynch a une lourde hérédité. Son père a assassiné sa mère sous ses yeux. Son lointain ancêtre était, à la fin du XVème siècle, un membre de la secte des Assassins. Autant de motifs qui en font un cobaye de choix pour Sofia Rikkin et son père qui consacrent leur vie à une entreprise folle : isoler le gène du libre arbitre afin d’éradiquer à tout jamais la violence de l’Homme. Grâce à l’Animus, une nouvelle technologie qui permet de revivre les expériences de ses aïeuls, Cal est envoyé dans l’Espagne de l’Inquisition en 1492 où il affronte l’Ordre des Templiers.

Vous n’avez rien compris ? ne l’avouez jamais ! « Assassin’s  Creed » est adapté d’un jeu vidéo mondialement connu dont personne n’ignore la trame. Sauf vous !

Hélas ce handicap nuira largement au plaisir que vous pourriez prendre à ce film. Car vous consacrerez une bonne partie de votre cerveau disponible à essayer de comprendre les méandres d’un scénario particulièrement complexe… et totalement incohérent.

Ou alors il faut prendre le film différemment. Comme un jeu vidéo à plusieurs écrans. Sur un premier écran, en 2016, Cal est le prisonnier des Rikkin. Sur un second écran, en 1492, il combat dans de fascinantes chorégraphies les méchants Templiers.

Et le film, de très complexe, devient très simple. Trop simple même. Car, comme dans tous les jeux vidéos, de deux choses l’une. Soit votre personnage meurt et vous recommencez la partie … ce qui n’est pas très facile à mettre en film. Soit votre personnage l’emporte et il passe au combat suivant.

C’est ce que Michael Fassbender, la mâchoire serrée, va faire pendant deux heures. Livrer des combats difficiles mais victorieux… puis passer au combat suivant. Que croyez-vous qu’il adviendra à la fin du film ? Il livrera un combat victorieux … en attendant « Assasin’s Creed 2 » où il en livrera d’autres.

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Democracy ★★★☆

Le Parlement européen comme vous ne l’avez jamais vu. « Democracy » est le titre (anglais) d’un documentaire (allemand) d’un réalisateur (suisse) sur le fonctionnement du Parlement européen. Ou plutôt sur le laborieux travail d’un eurodéputé chargé de défendre le projet de nouveau règlement général sur la protection des données personnelles.

Un texte européen, qu’il s’agisse d’une directive ou d’un règlement, est rédigé par la Commission européenne. Ce sont les services de Viviane Reding – qui était à l’époque commissaire en charge de la justice, des droits fondamentaux et de la citoyenneté – qui rédige début 2012 la première version de ce projet de règlement. Il est ensuite transmis au Parlement européen qui désigne en son sein un rapporteur. La tâche échoit à Jan Philip Albrecht, un jeune écologiste allemand de trente ans à peine. Pendant deux ans, il doit éviter deux écueils symétriques : un laxisme excessif qui réduirait à néant la protection des droits fondamentaux, une réglementation trop vétilleuse qui paralyserait les entreprises.

« Democracy » révèle, si besoin en était, le poids des lobbies, dans le processus de décision bruxellois. Ils sont omniprésents autour du rapporteur, qui en accepte sans barguigner le harcèlement permanent. Ils n’ont pas la figure antipathique de grands méchants, mais celle, avenante, d’avocats bonhommes, de communicantes sympathiques qui invoquent la défense de l’emploi et la croissance de l’économie pour défendre les intérêts des firmes qu’ils représentent.

La caméra de David Bernet ne quitte pas le jeune eurodéputé d’une semelle. On serait curieux de savoir comment s’est décidé en amont le protocole du tournage, comment le député a imposé à ses interlocuteurs la présence d’une caméra et pourquoi diable ceux qui n’apparaissent pas sous leur meilleur jour ont accepté de se prêter au jeu.

Un regret et une remarque. Le regret : le documentaire s’arrête avec l’adoption par le Parlement du règlement début 2014 mais n’évoque pas les discussions au Conseil – lequel regroupe les représentants des États membres qui défendent une position plus souvent guidée par la défense des intérêts nationaux que par celui de la construction européenne ainsi que le rappelle Viviane Reding.

Une remarque. La France est la grande absente. Pas une seule allusion à Strasbourg dans un documentaire d’une heure quarante sur le Parlement européen. Pas un seul Français à l’écran : qu’il s’agisse d’un eurodéputé (le siège de Nathalie Griesbeck à la commission LIBE reste cruellement vide), d’un lobbyiste ou d’un fonctionnaire de la Commission. Si la France est évoquée une seule fois, c’est à la lecture d’un texte en français que ni l’avocate (polonaise) ni sa collègue ne sont capables de lire l’une ou l’autre. Triste constat de la perte d’influence de notre pays.

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Rogue One : A Star Wars Story ★★☆☆

Chacun sait que Star Wars IV (Un nouvel espoir) raconte comment Luke Skylwaker détruit l’Étoile de la mort. Personne n’ignore que Star Wars III (La revanche des Sith) se termine avec la mise en construction, sous le regard de Palpatine et de Dark Vador, de cette arme absolue. D’où la question qui immanquablement tenait en haleine des milliards de spectateurs depuis plusieurs années : que se passe-t-il entre la fin du III et le début du IV ?

La question se subdivise en plusieurs branches. Premièrement comment Leia, la fille d’Anakin et de Padné, confiée au sénateur Bail Organa et élevée sur la planète Alderaan, prend-elle la tête de la rébellion ? Deuxièmement, comment la rébellion met-elle la main sur les plans de l’Étoile de la mort ? C’est à cette seconde question – et à cette seconde question seulement – que répond Rogue One…. en attendant qu’un éventuel Rogue Two réponde peut-être à la première, qui aurait donc pour vedette Leia et son inénarrable coiffure.

On l’aura compris : Disney doit rentabiliser les quatre milliards de dollars que lui ont coûté le rachat de Lucas Films en en exploitant les moindres filons. Il n’est plus question d’attendre des années entre chaque épisode. Chaque mois de décembre verra désormais, avec une précision métronomique, la sortie d’un film de la saga : Star Wars VIII en 2017, Star Wars IX en 2019 et en 2018 un stand alone film sur Han Solo.

Rogue One est donc un Star Wars Canada dry. Ça ressemble à du Star Wars ; ça a le goût du Star Wars ; mais ce n’est pas tout à fait Star Wars. La musique par exemple laisse percer les accents célèbres de John Williams, mais les modifie légèrement. Les personnages ressemblent à s’y méprendre aux héros récurrents de la série : l’héroïne, interprétée par Felicity Jones (qui, à trente-trois ans, est un peu trop vieille pour le rôle) n’est pas sans rapper celle du VII. Et il y a dans la composition de la troupe qui l’entoure une diversité un peu trop parfaite (un Mexicain, un Chinois, un Britannique d’origine pakistanaise) pour ne pas être suspecte d’avoir été soigneusement calibrée pour séduire tous les publics.

Bref, le plaisir pris par le spectateur à ce film ne devient qu’un élément, parmi bien d’autres, d’un business plan aussi complexe que la machinerie de l’Étoile de la mort.

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Cigarettes et chocolat chaud ★★☆☆

Denis Patar élève seul ses deux filles, Janin et Mercredi, depuis le décès de leur mère. Bohême, mais vraiment pas bourgeois, il doit exercer deux boulots, le jour dans une jardinerie, la nuit dans un sex-shop, pour joindre les deux bouts. Lorsqu’il oublie une fois de trop ses enfants à l’école, la police transmet son dossier à la protection de l’enfance. Il est convoqué à un stage d’apprentissage parentale. S’il ne le suit pas avec succès, ses filles seront placées en famille d’accueil.

« Cigarettes et chocolat chaud » a deux qualités et un énorme défaut.

Commençons par l’énorme défaut : ce scénario de téléfilm mièvre qui nous annonce, dès sa lecture, l’enchaînement de scènes convenues. Le joyeux bordel de la famille Patar. La convocation devant l’assistante sociale, moins méchante qu’elle n’essaie de s’en donner l’air. Le stage débile où l’administration tente d’apprendre à des parents débordés leur boulot. La conclusion prévisible où le père aimant réussira à démontrer à une administration obtuse le bien-fondé de ses méthodes pédagogiques …. et à emballer la jolie assistance sociale.

Mais soulignons les deux qualités de ce « Captain Fantastic » à la française.

La tendresse et la cocasserie des situations et des personnages. Dans la même scène, on passe du rire aux larmes. On rit et on pleure de l’espièglerie de ces enfants et de leur tristesse rentrée face à la mort de leur mère. Que celui qui n’a pas versé une larme lors de l’éloge funèbre du cochon d’inde (Ziggy 7) se dénonce immédiatement !

L’interprétation de Gustave Kervern, qui creuse son sillon, de films absurdes co-réalisés avec Benoît Delépine (« Avida », « Aaltra »), en comédies tristes, où sa silhouette de gros nounours aux cheveux en pétard fait merveille (« Dans la cour » avec Catherine Deneuve).

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Personal Shopper ★☆☆☆

Maureen et  son frère jumeau Lewis étaient mediums et s’étaient promis, si l’un des deux mouraient avant l’autre, de s’envoyer un signe de l’au-delà. Lewis est mort depuis trois mois. Maureen vit à Paris et attend de lui le signe promis. Elle travaille comme personal shopper : elle achète dans des boutiques de luxe les robes extravagantes qu’une diva porte dans les soirées les plus huppées.

Sils Maria 2. Il y a deux ans, Olivier Assayas réalisait « Sils Maria », l’histoire d’une star (Juliette Binoche) et de son assistante personnelle (Kristen Stewart). Dans « Personal shopper », la star disparaît, laissant à l’assistante toute la scène.

De quoi parle exactement « Personal shopper » ? De la mode et de ses dessous pas toujours reluisants – comme dans « The Neon Demon » de Nicolas Winding Refn ? De spiritisme et de l’impossibilité de filmer les esprits comme dans « Planétarium » de Rebecca Slotowski ? Du deuil et de la nécessité d’oublier pour vivre comme dans « Ce sentiment de l’été » de Mikhaël Hers ? De tout cela ou, faute de traiter ces thèmes, « Personal shopper » se réduit-il à un banal thriller où un mystérieux psychopathe harcèle une innocente jeune fille à coup de textos anonymes ?

Pendant près de deux heures, on voit Kristen Stewart faire la gueule et porter le deuil de son frère, les épaules rentrées, la mine blafarde, les cheveux gras. On a connu spectacle plus divertissant…

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Manchester by the sea ★★★☆

Lee Chandler (Casey Affleck) est rappelé à son passé quand son frère, Joe, décède. Il doit revenir à Manchester où il vivait jadis avec sa femme et ses deux enfants. La tutelle de son neveu, Patrick, seize ans, lui est confiée.

Peut-on jamais se libérer de son passé ? Casey Affleck porte sur ses épaules toute la tristesse du monde. Les premières images du film le voient dans son travail de  concierge d’un immeuble miteux dans une banlieue pauvre de Boston. On comprend qu’il est ailleurs et qu’il travaille pour oublier, pour s’oublier. Mais le passé a tôt fait de le rattraper. Par un retour dans cette petite ville portuaire, qui est probablement pimpante l’été venu, mais que Kenneth Lonergan a la bonne idée de filmer à la morte saison, blanche et bleue. Par des flashback, de plus en plus nombreux, de plus en plus longs, qui nous éclairent sur son passé.

Joe, le frère de Lee est mort. Mais là n’est pas vraiment le problème. Quasiment personne ne le pleure. Pas sa femme qui a disparu depuis longtemps. Pas Lee qui a d’autres chagrins plus écrasants sur le cœur. Pas Patrick, son fils qui mène la vie heureuse d’un ado équilibré : coqueluche des filles, leader d’un groupe de rock, passionné de hockey et de pêche.

Le nœud du film est ailleurs. Dans le passé de Lee. On n’en dira pas plus, sinon qu’on a bientôt l’intuition de ce dont il retourne. Le film l’explicite très vite, dans une longue séquence au son de l’adagio d’Albinoni. Une fois ce secret dévoilé, « Manchester by the sea » perd un peu de son mystère et de son intérêt.

À ce stade, on aurait pu redouter que le parcours de Lee se résume à sa lente et prévisible convalescence – comme Jake Gyllenhaal dans le récent « Demolition ». Le scénario ne succombe pas à cette facilité. Même si le film aurait pu être amputée de trente bonne minutes sans en souffrir, sa fin est belle et triste. Comme ce film de saison, qu’il faut voir en hiver, quand la météo froide et pluvieuse est au diapason des personnages et de leurs sentiments.

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La Mort de Louis XIV ☆☆☆☆

Louis XIV se meurt. Louis XIV va mourir. Louis XIV meurt.

Résumer le film d’Albert Serra n’est pas bien difficile. Car on y assiste pendant près de deux heures à l’agonie du roi de France. On ne sort pas de sa chambre. On n’apprend rien de ce qui se joue probablement en coulisses : les peurs des tenants du régime qui craignent pour leur place, les espoirs des autres qui attendent avec espérance que les cartes du pouvoir soient rebattues.

Il y aurait eu un film passionnant à réaliser sur les jeux de pouvoirs qui se nouent pendant l’agonie d’un monarque. Mais tel n’est pas le parti retenu par le réalisateur catalan qui choisit de s’en tenir à son seul sujet : le roi, de tous les plans qui, sans trop s’en plaindre, se laisse lentement glisser vers la mort. On aurait imaginé le monarque plus acrimonieux. Joué avec une étonnante retenue par Jean-Pierre Léaud – qu’on connaît pourtant plus nerveux – il est étonnamment placide.

Autour de lui quelques personnages s’activent. Son médecin dont les erreurs de diagnostic révèlent autant les limites de la médecine de l’époque que le charlatanisme de l’intéressé. Son premier domestique indéfectiblement loyal à son maître. La Maintenon toute de noir vêtue. Le jeune Louis XV, âgé de cinq ans à peine, bientôt propulsé sur le trône.

Pendant une heure et cinquante cinq minutes, on reste confiné dans cette chambre pourpre à l’odeur irrespirable. Pas un répit dans cette longue agonie dont on connaît déjà l’issue. Certaines critiques ont crié au génie ; moi, je crie au secours !

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La Fille de Brest ★★☆☆

Le Mediator était un coupe-faim destiné aux diabétiques en surpoids. Commercialisé en France par les laboratoires Servier depuis 1976, il provoque des complications cardiaques susceptibles d’entraîner la mort. Irène Frachon, pneumologue au CHU de Brest, est la première à avoir dénoncé les dangers de ce médicament. Adapté de son autobiographie, ce film raconte son histoire.

« La Fille de Brest » ne s’intitule pas « Le Scandale du Mediator ». Et c’est bien le problème du film d’Emmanuelle Bercot qu’on avait connue plus inspirée dans « La tTte haute » (avec Benoît Magimel déjà et Catherine Deneuve). Ce titre annonce un déplacement de focale.

C’est à Irène Frachon qu’on va s’attacher, à cette « fille de Brest » qui n’est ni une chercheuse, ni une cardiologue et pas même une parisienne et qui, tel David contre Goliath, va démontrer aux instances de pharmacovigilance leur myopie et aux laboratoires leur cynisme. Et pas au scandale du Mediator proprement dit, dont la présentation détaillée des arcanes médicales, administratives et judiciaires auraient sans doute été trop démonstrative.

Mais le problème est que le film reste entre deux eaux. L’image donnée de Irène Franchon, interprétée avec une communicative énergie par la danoise Sidse Babett Knudsen (lumineuse dans « L’Hermine ») est caricaturale : une passionaria qui réussit, à force de volonté, à déplacer des montagnes. À de trop rares moments, notamment dans sa confrontation avec un collègue (joué par Benoît Magimel en surcharge pondérale) pointent les failles du personnage, son obsession, son narcissisme.

Quant au scandale du Mediator, on n’en apprend guère plus qu’on en savait déjà … et pas assez pour être capable de rédiger cette chronique sans être allé au préalable faire un tour sur Wikipedia.

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Alliés ★★☆☆

J’ai lu et entendu tant de mal de « Alliés » que j’ai bien failli me laisser décourager d’aller le voir. Sans doute si on le compare à l’incomparable « Casablanca » – avec lequel il a la maladresse de vouloir se frotter – sera-t-on nécessairement déçu. Mais si on le prend pour ce qu’il est, soit un honnête film à grand spectacle hollywoodien, pourra-t-on le goûter sans déplaisir.

L’histoire de « Alliés » est bizarrement coupée en deux. À une époque où les réalisateurs rythment leur scénario à coup de flash back et de flash forward au risque d’y égarer le spectateur (voir récemment « La Fille du train » ou « Premier contact »), Robert Zemeckis suit son bonhomme de chemin gentiment chronologique.

La première partie du film se déroule à Casablanca. Deux espions, un Canadien (Brad Pitt) et une Française (Marion Cotillard), se font passer pour un couple marié afin d’infiltrer la Kommandantur et d’assassiner l’ambassadeur allemand. On se croirait dans un « Indiana Jones » mâtiné de « Patient anglais » : décors de cartons pâtes, toilettes somptueuses, amours romantiques, fusillades et héros victorieux.

Tout change dans la seconde partie. Elle se déroule à Londres, sous la pluie, pendant le Blitz. Les deux espions ont si bien joué leur rôle qu’ils se sont épris l’un de l’autre, se sont mariés, ont eu un enfant… jusqu’au jour où le contre-espionnage britannique annonce au beau Canadien que son épouse travaille peut-être pour l’ennemi.

Cette seconde partie est plus faiblarde que la première. Parce que Robert Zemeckis n’est pas John Le Carré et « Alliés » n’a pas la complexité de « La Taupe ». Le scénario s’appauvrit dans un dilemme binaire : Marianne Beauséjour pourra-t-elle être purgée par son époux aimant des soupçons qui pèsent contre elle ? Le dénouement donne la réponse, trop simple, à cette question. L’épilogue qui prolonge cette fin téléphonée n’en est pas moins très émouvant.

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Sausage Party ★★★☆

« Objets inanimés avez-vous donc une âme. Qui s’attache à notre âme et la force d’aimer ? ». Pas sûr que les gais lurons qui ont concocté « Sausage party » et donné la parole aux aliments d’un supermarché soient des admirateurs de Lamartine. Mais bon… ce n’est pas ce qu’on leur demande. Et j’avais envie d’étaler ma culture !

On imagine volontiers ces joyeux drilles pétés comme des coings concocter le dessin animé le plus subversif possible :
« Et si le héros était une saucisse en forme de pénis ? »
« Et s’il rêvait de fourrer un petit pain à sandwich bien moelleux »
« Et si le méchant était une poire à lavement vaginal ? »
« Arrête de déconner ! Aucun producteur ne financera jamais un délire pareil ! »
« Pas grave ! On va le financer nous-mêmes parce qu’on est les potes de Seth Rogen et qu’on s’est déjà fait plein de thunes dans les films de Judd Appatow ! »

Quelques années après cette soirée éméchée, « Sausage party » arrive sur les écrans. Et le plus étonnant est que rien du délire initial n’a été édulcoré. Toutes les valeurs américaines les plus sacrées, sur lesquelles Pixar bâtit ses meilleurs films, sont foulées au pied. Les sujets les plus graves sont traitées avec une dérision trash : le conflit israélo-palestinien, la drogue, l’obésité… Beaucoup plus réussi que « American Pie »  qui, sous des airs faussement subversifs, versait irrésistiblement dans la bienpensance, « Sausage Party » parvient à être politiquement incorrect jusqu’à sa scène finale qui vous fera hurler de rire – ou vous étouffer d’indignation !

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