Depuis sa sortie à Cannes où il avait reçu un accueil enthousiaste, Toni Erdmann divise les spectateurs. La majorité salue une œuvre hors nome, loufoque et attachante. La minorité crie à l’imposture. De quel côté vous classerez-vous ?

Il faut sans doute reconnaître à Toni Erdmann une certaine originalité. Moins dans le sujet qu’il traite que dans sa manière de le faire.

Le sujet ? Il y en a deux : la relation père-fille et le capitalisme en Roumanie.
La relation père-fille file a priori sur un chemin tracé d’avance. Winfried, la soixantaine, professeur de musique dans un collège allemand, n’a plus guère de contacts avec Ines, sa fille partie travailler comme consultante en Roumanie. Sans crier gare, il va l’y rejoindre, déboulant dans sa vie comme un chien dans un jeu de quilles sous l’identité d’un fantasque Toni Erdmann, tour à tour coach, ambassadeur d’Allemagne, peintre sur œufs et consultant dans l’industrie pétrolière.
La peinture du capitalisme sans âme qui corrompt à la fois un pays et l’âme de ceux qui l’exploite constitue, lui aussi, un thème rabattu.

Mais c’est dans la façon de traiter ces deux thèmes que Maren Ade, jeune et prometteuse réalisatrice allemande, surprend et émeut.
Résumer la relation de Winfried et d’Ines à leur réconciliation serait appauvrir un couple père-fille dont deux heures quarante de film permettent de comprendre la complexité. Il n’y a pas d’un côté un père loufoque et de l’autre une fille droguée de travail. L’un et l’autre ont leurs qualités et leurs défauts. Winfried cache derrière sa bouffonnerie une compréhension très fine de l’état de sa fille ; la dureté d’Ines se fissure au fil du film.
C’est peut-être la peinture de la Roumanie moderne qui m’a le plus intéressé dans ce film, d’autant qu’elle est passée sous silence dans les critiques que j’ai pu lire. Toni Erdmann la décrit comme le terrain de chasse d’une faune cosmopolite de consultants plurilingues (on parle beaucoup de langues dans Toni Erdmann – l’allemand, l’anglais, le français – mais quasiment pas le roumain). C’est un pays qui est à la fois dans l’UE – les directives s’y appliquent et un personnage annonce qu’il a remercié Van Rompuy d’avoir permis son adhésion – mais qui se situe encore à ses marches. J’ai particulièrement été émue par le personnage d’Anca, la jeune assistante d’Ines, multidiplômée et ravissante, prête à accepter toutes les humiliations pour conserver son emploi.

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Un Anglais se sépare de son amant chinois ; une mère maquerelle enseigne à ses employées comment rendre un homme fou de plaisir ; un groupe de rock fête son disque d’or ; un transsexuel thaïlandais attend l’opération qui lui permettra de changer de sexe ; une Japonaise trompe son mari avec un jeune Chinois ; une Coréenne visite Singapour avec son meilleur ami…

Unité de lieu, mais pas unité de temps. La caméra de Eric Khoo ne quitte jamais la suite 27 de l’hôtel Singapura ; mais elle balaie près d’un siècle d’histoire depuis la prise de Singapour par le Japon en 1942 jusqu’à un futur de science-fiction où le sexe se pratiquera sous des formes étonnantes.

Il y a deux façons de considérer le film de Eric Khoo. On peut y voir – et le titre français nous y invite – une radiographie en coupe de Singapour. C’est sans doute lui donner plus d’envergure qu’il n’y prétend. Même si, l’exotique brassage des langues (on parle anglais, chinois, coréen, japonais et thaï) est révélateur de l’étonnante mosaïque que constitue la cité-Etat.

L’ambition de « In the Room » est différente. D’une saynète à l’autre, d’une époque à l’autre, le réalisateur pose la même question : comment aimer ? Le sujet est traitée de façon très pratique. Dans une chambre d’hôtel, on fait l’amour et on en parle. Le film, interdit aux moins de douze ans avec avertissement, n’est pas bégueule. Mais, aussi séduisants que soient ses personnages, féminins comme masculins, il ne se réduit pas à une succession de scènes de sexe. « Hôtel Singapura » lorgne du côté de « In the Mood for Love » et a le parfum envoûtant et sensuel des histoires d’amours impossibles.

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Filmer la danse au cinéma est une gageure. On peut mettre de la danse dans un film : ça donne Singing in the Rain ou Dirty Dancing – pour ne rien dire d’avatars moins réussis : Sexy Dance 1, 2, 3 ou 4… On peut alternativement filmer la danse : c’est Wim Wenders qui se faufile au plus près des corps des danseurs de la compagnie de Pina Bausch ou Frederik Wiseman qui documente le Crazy Horse.

La chorégraphe espagnole Blanca Li a choisi de porter à l’écran son spectacle Elektro Kif. Elle ne se contente pas de filmer paresseusement son spectacle. Elle le transpose dans un lycée professionnel, le temps d’une journée de classe. Des élèves suivent un cours de maths, mangent à la cantine, travaillent à l’atelier, jouent au basket dans la cour. Ces décors banals sont intelligemment utilisés comme autant d’opportunités pour danser et faire de la musique. Comme dans les comédies musicales, l’artificialité des chorégraphies en crée le charme paradoxal.

Une troupe quasi exclusivement masculine danse l’électro, une danse urbaine dérivée du hip hop, apparue dans les années 2000 et pratiquée en battles. D’une folle vitalité, les danseurs enchainent des mouvements de bras et de jambes compliqués à une vitesse folle. Avec Rize, David La Chapelle avait filmé en 2005 à Los Angeles une danse similaire, le Krump, si rapide qu’on était persuadé que le film passait en accéléré.

L’originalité de la démarche emporte le spectateur pendant la première moitié du film. Mais très vite, la lassitude s’installe devant la répétition des mêmes chorégraphies. Heureusement Elektro Mathematrix a la bonne idée de ne durer qu’une heure vingt.

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Ils avaient juré de décrocher après La Vengeance dans la peau. Ils n’ont pas tenu promesse. Matt Damon et le réalisateur Paul Greengrass sont de retour neuf ans plus tard.

Ils réutilisent avec autant de succès les recettes des deux films qu’ils avaient tournés ensemble (le premier titre de la franchise était signé par Doug Liman et le quatrième avait été déserté par le beau Matt) : le charisme de Matt Damon, des scènes d’action filmées au cordeau, l’utilisation par la CIA des moyens de surveillance les plus sophistiqués, la musique martiale de John Powell…

Pourtant ce Jason Bourne 5 donne l’impression de fonctionner à vide. Pourquoi ? Parce que les trois premiers reposaient sur une idée aussi simple qu’efficace : un agent secret a perdu la mémoire mais n’a rien perdu de sa force. Du coup les films étaient organisés autour d’un mystère à résoudre : qui est Jason Bourne ?

Au début du cinquième opus, le mystère a été résolu. Jason Bourne a retrouvé la mémoire. Il sait qu’il a rejoint de son plein gré à la mort de son père un programme ultrasecret destiné à transformer les agents de la CIA en tueurs surentraînés.

Ce mystère résolu, les scénaristes de Jason Bourne en imaginent un nouveau : le héros recherche la vérité sur la mort de son père. Mais cette quête est beaucoup moins efficace que celle qui structurait les premiers épisodes. Et la mémoire retrouvée de Jason Bourne prive le héros de ce qui en faisait le charme : une habilité déconcertante et involontaire à tuer.

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Prenez The Walking Dead et Snowpiercer. Mélangez. Consommez glacé.

The Walking Dead pour les zombies qui, frappés d’un mal étrange, renaissent à la mort et pourchassent les survivants pour les mordre et les contaminer.

Snowpiercer pour le train lancé à toute vitesse qui reproduit dans son espace confiné les divisions du monde extérieur.

Dernier train pour Busan raconte, vous l’aurez compris, l’histoire d’un groupe de passagers quittant Séoul à l’instant où s’y déclenche une terrible épidémie. Un enragé qui est parvenu à entrer in extremis dans le train en contamine la plupart des passagers. Quelques uns, claquemurés dans un wagon, s’organisent pour survivre. Parmi eux un père divorcé et sa fille, une femme enceinte et son mari débonnaire, deux adolescents amoureux, un clochard, un PDG égoïste…

Les recettes utilisées ne sont pourtant pas très originales. On a déjà vu beaucoup de zombies au cinéma : en général pas très vifs et très affamés (La Nuit des morts-vivants de George A. Romero en a fixé les standards) mais parfois véloces (28 jours après, Z World) et même comiques (Shaun of the Dead, Bienvenue à Zombieland). Les zombies coréens, eux, courent très vite mais ont quelques tares dont nos héros sauront tirer avantage.

Autre recette éculée : le groupe hétérogène obligé de s’unir pour combattre qui perd ses membres l’un après l’autre. La régularité de ces morts devient à la fin presque mécanique et je vous invite à faire vos pronostics (il n’y a pas de Noir qui serait probablement mort en premier !).

Pour autant Dernier train pour Busan est un film de genre parfaitement réussi qui nous tient en haleine pendant deux heures. À  cause de lui vous ne prendrez plus jamais le TGV en paix.

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Diane vient de perdre son fils, fauché par un chauffard. Elle décide de retrouver seule le conducteur. Elle dispose d’un indice : un témoin a cru reconnaître une voiture couleur moka. Diane croit identifier la conductrice en la personne de Marlène qui dirige une parfumerie de luxe à Évian.

Emmanuelle Devos joue à merveille, comme à son habitude, le personnage de Diane, dont la quête du responsable de la mort de son fils tourne à l’obsession. Nathalie Baye est, elle aussi, impeccable dans le rôle de Marlène qui voit se déliter son couple et échoue à combattre les ravages du temps. Pour autant ce parfait duo d’actrices est un peu trop connu pour faire souffler un vent de nouveauté et ne suffit pas à sauver ce film trop sage de l’ennui dans lequel il s’enfonce.

Est-ce parce que l’action se situe sur les bords du lac Léman ou parce que l’héroïne pénètre incognito dans une famille pour en révéler les turpitudes ? L’intrigue n’est pas sans rappeler l’excellent  – quoique mal vieilli – « Merci pour le chocolat » avec Isabelle Huppert et Jacques Dutronc. Sauf que Frédéric Mermoud n’a pas le génie de Claude Chabrol pour distiller un malaise. Sa peinture de la population évianaise (le petit dealer, le moniteur du parc thermal, l’ado rebelle) est aussi peu épicée qu’une fondue savoyarde.

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