Le Mediator était un coupe-faim destiné aux diabétiques en surpoids. Commercialisé en France par les laboratoires Servier depuis 1976, il provoque des complications cardiaques susceptibles d’entraîner la mort. Irène Frachon, pneumologue au CHU de Brest, est la première à avoir dénoncé les dangers de ce médicament. Adapté de son autobiographie, ce film raconte son histoire.

« La Fille de Brest » ne s’intitule pas « Le Scandale du Mediator ». Et c’est bien le problème du film d’Emmanuelle Bercot qu’on avait connue plus inspirée dans « La tTte haute » (avec Benoît Magimel déjà et Catherine Deneuve). Ce titre annonce un déplacement de focale.

C’est à Irène Frachon qu’on va s’attacher, à cette « fille de Brest » qui n’est ni une chercheuse, ni une cardiologue et pas même une parisienne et qui, tel David contre Goliath, va démontrer aux instances de pharmacovigilance leur myopie et aux laboratoires leur cynisme. Et pas au scandale du Mediator proprement dit, dont la présentation détaillée des arcanes médicales, administratives et judiciaires auraient sans doute été trop démonstrative.

Mais le problème est que le film reste entre deux eaux. L’image donnée de Irène Franchon, interprétée avec une communicative énergie par la danoise Sidse Babett Knudsen (lumineuse dans « L’Hermine ») est caricaturale : une passionaria qui réussit, à force de volonté, à déplacer des montagnes. À de trop rares moments, notamment dans sa confrontation avec un collègue (joué par Benoît Magimel en surcharge pondérale) pointent les failles du personnage, son obsession, son narcissisme.

Quant au scandale du Mediator, on n’en apprend guère plus qu’on en savait déjà … et pas assez pour être capable de rédiger cette chronique sans être allé au préalable faire un tour sur Wikipedia.

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J’ai lu et entendu tant de mal de « Alliés » que j’ai bien failli me laisser décourager d’aller le voir. Sans doute si on le compare à l’incomparable « Casablanca » – avec lequel il a la maladresse de vouloir se frotter – sera-t-on nécessairement déçu. Mais si on le prend pour ce qu’il est, soit un honnête film à grand spectacle hollywoodien, pourra-t-on le goûter sans déplaisir.

L’histoire de « Alliés » est bizarrement coupée en deux. À une époque où les réalisateurs rythment leur scénario à coup de flash back et de flash forward au risque d’y égarer le spectateur (voir récemment « La Fille du train » ou « Premier contact »), Robert Zemeckis suit son bonhomme de chemin gentiment chronologique.

La première partie du film se déroule à Casablanca. Deux espions, un Canadien (Brad Pitt) et une Française (Marion Cotillard), se font passer pour un couple marié afin d’infiltrer la Kommandantur et d’assassiner l’ambassadeur allemand. On se croirait dans un « Indiana Jones » mâtiné de « Patient anglais » : décors de cartons pâtes, toilettes somptueuses, amours romantiques, fusillades et héros victorieux.

Tout change dans la seconde partie. Elle se déroule à Londres, sous la pluie, pendant le Blitz. Les deux espions ont si bien joué leur rôle qu’ils se sont épris l’un de l’autre, se sont mariés, ont eu un enfant… jusqu’au jour où le contre-espionnage britannique annonce au beau Canadien que son épouse travaille peut-être pour l’ennemi.

Cette seconde partie est plus faiblarde que la première. Parce que Robert Zemeckis n’est pas John Le Carré et « Alliés » n’a pas la complexité de « La Taupe ». Le scénario s’appauvrit dans un dilemme binaire : Marianne Beauséjour pourra-t-elle être purgée par son époux aimant des soupçons qui pèsent contre elle ? Le dénouement donne la réponse, trop simple, à cette question. L’épilogue qui prolonge cette fin téléphonée n’en est pas moins très émouvant.

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« Objets inanimés avez-vous donc une âme. Qui s’attache à notre âme et la force d’aimer ? ». Pas sûr que les gais lurons qui ont concocté « Sausage party » et donné la parole aux aliments d’un supermarché soient des admirateurs de Lamartine. Mais bon… ce n’est pas ce qu’on leur demande. Et j’avais envie d’étaler ma culture !

On imagine volontiers ces joyeux drilles pétés comme des coings concocter le dessin animé le plus subversif possible :
« Et si le héros était une saucisse en forme de pénis ? »
« Et s’il rêvait de fourrer un petit pain à sandwich bien moelleux »
« Et si le méchant était une poire à lavement vaginal ? »
« Arrête de déconner ! Aucun producteur ne financera jamais un délire pareil ! »
« Pas grave ! On va le financer nous-mêmes parce qu’on est les potes de Seth Rogen et qu’on s’est déjà fait plein de thunes dans les films de Judd Appatow ! »

Quelques années après cette soirée éméchée, « Sausage party » arrive sur les écrans. Et le plus étonnant est que rien du délire initial n’a été édulcoré. Toutes les valeurs américaines les plus sacrées, sur lesquelles Pixar bâtit ses meilleurs films, sont foulées au pied. Les sujets les plus graves sont traitées avec une dérision trash : le conflit israélo-palestinien, la drogue, l’obésité… Beaucoup plus réussi que « American Pie »  qui, sous des airs faussement subversifs, versait irrésistiblement dans la bienpensance, « Sausage Party » parvient à être politiquement incorrect jusqu’à sa scène finale qui vous fera hurler de rire – ou vous étouffer d’indignation !

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Le 15 janvier 2009, le capitaine Sullenberger fait amerrir sur l’Hudson le vol 11549 de la US Airways dont les deux réacteurs venaient d’être détruits à basse altitude par un vol de bernaches. Les cent cinquante passagers immédiatement sauvés de la noyade sont tous sains et saufs.

Clint Eastwood met en scène le « miracle de l’Hudson ». Un miracle qui doit beaucoup à la chance, mais qui doit surtout à l’expérience et au sang-froid du capitaine Sullenberger.

« Sully » rencontre une difficulté qu’il ne surmonte pas. Le drame proprement dit, ces deux cent huit secondes entre la destruction des moteurs et l’amerrissage en urgence, en constitue le cœur. Mais il est trop bref pour tenir la durée d’un film. Aussi le scénariste de « Sully » a-t-il recours à un subterfuge : il raconte le procès paradoxal de ce héros, attaqué par la Sécurité aérienne, Airbus et US Airways qui lui reprochent de ne pas avoir fait demi-tour pour atterrir à son point de départ, l’aéroport La Guardia. Ce procès fait à un héros est à la fois vain et inintéressant. Autrement plus palpitant est le drame proprement dit qui nous est raconté à trois reprises et qui, par trois fois, nous cloue à notre siège.

Avec « Sully », Tom Hanks joue une fois encore le rôle de l’Américain moyen, héroïque malgré lui. Il confirme si besoin en était son statut d’immense star – l’acteur américain ayant généré le plus de recettes si l’on en croit Wikipedia.

On le compare souvent à James Stewart ou à Gary Cooper. Mais on peut pointer une différence de taille avec ses illustres prédécesseurs. Les stars des années 50 ne tenaient pas seul le haut de l’affiche. Ils la partageaient avec une star féminine : Kim Nowak, Grace Kelly, Katherine Hepburn… Regardez les affiches des films de Tom Hanks. Il y est toujours seul : « Sully », « Le Pont des Espions », « Captain Phillips », « Seul au monde » (certes !), « La Ligne verte », « Forrest Gump » … Aucun partenaire masculin. Et plus intéressant encore : aucun partenaire féminin. Si j’étais féministe, cette observation me dirait bien des choses sur notre époque.

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Rosa et Nestor tiennent un petit commerce dans un bidonville de Manille. Ils y vendent des bonbons, des stylos… et, pour arrondir leurs revenus bien modestes, le crystal que leur vend un dealer. La veille de l’anniversaire de Nestor, la police débarque, les arrête devant leurs enfants éplorés, les traînent au poste. Les charges qui pèsent contre eux sont écrasantes. Pour éviter une lourde peine de prison, ils doivent dénoncer leur dealer. Mais les policiers leur mettent un autre marché en main : leur libération contre un gros pot-de-vin.

Le cinéma philippin constitua longtemps une rareté exotique. Il est désormais plus connu grâce à Brillante Mendoza, un habitué des grands festivals – et des titres laconiques : le dérangeant « Serbis » et le glaçant « Kinatay » furent présentés à Cannes en 2008 et 2009, « Lola » à Venise en 2009 et « Captive » (inspiré de la prise d’otages à Jolo) à Berlin en 2012.

On retrouve avec « Ma’Rosa » la marque de fabrique de ce réalisateur désormais familier : caméra à l’épaule, il tourne au plus près de ces acteurs semi-amateurs de longs plans séquence. Cette technique a sans doute le mérite de nous immerger dans l’action. Elle a l’inconvénient de sacrifier la forme, à force d’images tremblotantes, mal cadrées et mal éclairées.

On retrouve aussi ses thèmes de prédilection : la vie des petites gens, leur aliénation débilitante à l’argent et la dénonciation d’un système corrompu. « Ma’Rosa » donne des Philippines une image terrible. A se demander comment Mendoza a obtenu l’autorisation de filmer sans encourir les foudres de la censure. Les flics sont pourris, violents et cyniques. Face à eux, Rosa, son époux et leur quatre enfants font front tant bien que mal.

La première partie du film raconte leur arrestation. Grâce au format choisi, quasi-documentaire, on ressent physiquement le basculement d’une vie simple et bien réglée (une journée qui s’achève, les enfants qui rentrent de l’école, la préparation de l’anniversaire du lendemain) dans la catastrophe (les policiers qui font irruption, fouillent la maisonnée pour y trouver la drogue, menottent les parents, les emmènent dans un commissariat sale et bruyant).

Le récit est plus éclaté dans la seconde partie. Chaque membre de la famille fait l’impossible pour rassembler la somme pourtant modique (50.000 pesos = 1.000 euros environ) réclamée par la police. Mère courage, Rosa est la plus résiliente. Le prix d’interprétation féminine décernée à Cannes à Jaclyn Jose est un bel hommage rendu à ce personnage touchant.

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