70 ans, c’est l’âge où la grande vieillesse approche et où la jeunesse lance ses derniers feux. C’est l’âge où l’on fête, comme Kate et Geoff ses 45 ans de mariage parce qu’un méchant pontage vous a empêchés de fêter vos 40 ans de mariage et que vous n’êtes plus très sûr d’atteindre les 50. 70 ans, c’est un âge que je sens approcher à une vitesse fulgurante (j’ai toujours été très précoce !), ce qui me rend le sujet du film très personnel. D’autant que j’adore Charlotte Rampling que je trouve d’une classe folle et dont les prestations suffisent, à elles seules, à sauver les films les moins réussis (Vers le sud, Sous le sable, Swimming Pool… )

Avec (Sir) Tom Courtenay – un géant du théâtre britannique totalement méconnu de ce côté-ci de la Manche – Charlotte Rampling réussit à la perfection à restituer la routine de jeunes retraités, encore suffisamment ingambes pour maintenir une vie « normale », mais déjà trop vieux pour ne pas l’installer dans un ronron vaguement neurasthénique. Leur couple est parfaitement crédible. Leur complicité n’est guère visible mais bien palpable, produit de près d’un demi-siècle de vie commune.

Ce couple sans histoire en a une. Avant de connaître Kate, Geoff était fiancé à Katya. Durant un voyage en Suisse, celle-ci a disparu dans un accident en montagne. Un demi-siècle plus tard, alors que Kate et Geoff préparent la réception organisée pour leurs 45 ans de mariage, Geoff reçoit de Suisse l’annonce de la découverte du corps de sa fiancée.
Cette découverte suscite chez Geoff une mélancolie poignante et chez Kate une jalousie inextinguible. Cette Katya, au prénom si proche du sien, était-elle la « femme de la vie » de Geoff ? L’aurait-il épousée ? Aurait-il eu des enfants avec elle ? Et si oui, combien vaines et futiles sont les proclamations d’amour que les deux vieux mariés s’apprêtent à se faire l’un à l’autre !

Sans verser dans la psychologie de comptoir ou l’introspection impudique, ces questions se posent à chacun de nous. Sommes-nous heureux en ménage parce que nous avons rencontré notre moitié d’orange ? Ou, comme Tereza dans L’insoutenable légèreté de l’être, avons-nous raté l’homme/la femme de notre vie qui nous attend peut-être quelque part… ou qui, lassé(e) de nous avoir attendu(e) trop longtemps, ne nous attend plus nulle part ?

La bande-annonce

Comme son nom ne l’indique pas, David Kremer est Breton. Il a toujours été fasciné par la mer et lui a déjà consacré deux longs-métrages de fiction. Son troisième film est un documentaire tourné sur la Grande Hermine, un chalutier-usine surgélateur de 65 mètres à bord duquel la trentaine d’hommes d’équipage (ça manque de femmes !) pêchent le poisson et le conditionnent.

En 2012 Lucien Castaing-Taylor et Verena Paravel avaient tourné un film similaire, à bord d’un chalutier. Mais leur traitement était totalement différent, moins documenté, plus poétique.

Le réalisateur de Seuls ensemble ne filme pas la mer, les couchers de soleil, les flots déchaînés. Seuls ensemble, comme son titre l’annonce, s’intéresse aux marins-pêcheurs et à eux seuls.
Leurs gestes que David Kremer capte avec la patience d’un ergonome : la remontée de l’énorme chalut, lourd de plusieurs tonnes de poissons, leur découpage à la chaîne.
Leurs vies régies par une routine laborieuse : les réveils au clairon dans l’aube laiteuse de l’Arctique, les repas dans la cuisine, les cigarettes fumées à la chaîne.
Le documentaire quasi muet s’anime dans le dernier tiers, lorsque David Kremer prend le parti de procéder à des interviews. Face caméra, les personnages, avec lesquels on s’est familiarisé depuis une heure, prennent la parole, pour raconter la dureté du métier, mais aussi la passion qui les anime et leur dégoût de la terre. Comme si être marin-pêcheur était à la fois une quête et une fuite.

La bande-annonce

Salafistes a fait parler de lui à cause de l’interdiction – rarissime – aux moins de 18 ans qui l’a frappé. La polémique est à la fois vaine et légitime.

Vaine. Ce documentaire médiocrement filmé et sorti en catimini dans deux minuscules – logiquement archi-combles – salles parisiennes ne méritait pas une telle publicité. De quoi s’agit-il ? De quelques interviews de leaders salafistes au Mali, en Mauritanie et en Tunisie ponctuées de vidéos de propagande piochées sur le web. Claude Lanzmann a beau crier au chef-d’œuvre ; on a connu le réalisateur de Shoah mieux inspiré. La fiction poétique de Timbuktu – qui emprunte aux mêmes événements – est autrement convaincante.

La polémique suscitée par la censure ministérielle n’en est pas moins légitime. C’est la première fois depuis 1962 qu’un documentaire est interdit aux moins de 18 ans – le privant par voie de conséquence de toute diffusion télévisuelle. Pourquoi ? Parce que, nous dit la Commission de classification, ce documentaire « ne permet pas de façon claire de faire la critique des discours violemment anti-occidentaux, antidémocratiques de légitimation d’actes terroristes (…) ». Donc est reproché à Salafistes non seulement de diffuser des scènes et des discours d’une extrême violence mais surtout de ne pas en faire la critique. Logiquement, le même raisonnement devrait conduire à censurer Naissance d’une nation ou Les Dieux du stade pour apologie de l’esclavagisme et du nazisme. Claude Lanzmann a raison : censurer Salafistes n’est pas seulement une atteinte à la liberté d’expression mais, pire, une insulte à l’intelligence du spectateur, fût-il mineur.

Jane Got a Gun arrive sur nos écrans lesté de lourdes casseroles. Produit par Natalie Portman, le film devait être réalisé par Lynne Ramsay (We Need to Talk about Kevin) qui a déclaré forfait la veille du tournage. Bradley Cooper puis Jude Law étaient annoncés pour le premier rôle masculin, finalement interprété par Joel Edgerton (Life, Strictly Criminal, Exodus). Sa sortie en France, prévue le 25 novembre, est décalée suite aux attentats du 13 novembre. Last but not least, le film, sorti aux États-Unis vendredi dernier, a enregistré des résultats catastrophiques au box-office ce week-end.

Avec tous ces clignotants au rouge, (Calamity) Jane Got a Gun faisait figure de no-go absolu, de navet magistral. Avec de telles préventions, fort paradoxalement et fort logiquement, je n’ai pas été déçu par ce petit western qui ne brille pas par son originalité mais remplit consciencieusement son office.

L’histoire est passablement compliquée par des flash-back trop nombreux. La jeune Jane Buchanan, croyant son fiancé mort à la guerre, est partie dans l’Ouest refaire sa vie. Elle tombe entre les mains d’une bande de criminels mais en est sauvée par l’un des leurs, Bill Hammond. Le film commence quand cette troupe de hors-la-loi est sur le point de les rattraper et que le fiancé disparu réapparaît.

Scénario passablement alambiqué, mais somme toute d’un grand classicisme. Le triangle amoureux trouvera la solution qu’on attendait sans surprise ni déplaisir. Hélas, le film pèche – et c’est son plus grave défaut – par son interprète principale. Natalie Portman est, comme d’habitude, parfaite. Mais elle n’était pas faite pour le rôle. Trop fragile, trop frêle, trop élégante. Elle a beau interpréter son rôle avec le perfectionnisme qui l’a toujours caractérisée, elle ne réussit pas à le rendre crédible.

La bande-annonce

Deux chasseurs de primes lancés à la poursuite d’un couple en cavale vont le défendre contre la population locale décidée à le lyncher.

On se croirait dans le Far West au temps de la conquête de l’Ouest ? On est au milieu de la Beauce, dans le froid d’un hiver gris. Albert Dupontel et Bouli Lanners ne montent pas à cheval mais circulent en 4×4. Avec un GPS, ils recherchent le téléphone portable qu’ont volé deux doux dingues, en rupture de ban avec leur établissement psychiatrique.

Le scénario du quatrième film de Bouli Lanners ne brille pas par son originalité. Mais l’essentiel est ailleurs. Une ambiance de faux western, avec des paysages plats comme la main filmés en Scope dans de longs travellings sur des personnages itinérants. Des gueules, des vraies gueules comme seul le cinéma d’auteur sait en offrir : Michael Lonsdale et Max von Sydow en vieillards métaphysiques, Suzanne Clément en maîtresse au grand cœur, Philippe Rebbot en protecteur christique et Serge Riaboukine en chef de clan haineux.

L’exercice pourrait paraître trop stylisé, trop froid s’il n’était en même temps d’une infinie délicatesse. Comme dans ses précédents films, Bouli Lanners filme ses personnages avec tendresse. Il en montre la dureté mais aussi les failles. Albert Dupontel est – comme d’habitude – parfait dans le rôle principal. Il est, pour moi, l’un des plus grands acteurs de sa génération, excellent dans la comédie (Bernie, 9 Mois ferme) comme dans le thriller (La Proie, Le Convoyeur). À quand le grand rôle qui lui donnera le statut de star qu’il mérite amplement ?

La bande-annonce

Édouard Baer campe un cadre supérieur au chômage qui sombre lentement dans la dépression. Sa femme, Sandrine Kiberlain, porte le ménage à bout de bras quitte à associer ses deux enfants aux larcins qu’elle doit commettre pour remplir le frigo. Mais « Encore heureux » n’est pas une énième chronique du déclassement social. Plutôt une comédie piquante qui, par la grâce de la mort subite d’une voisine acariâtre, mène là où on ne l’attend pas.

La comédie française n’a pas toujours bonne presse. La faute aux plus gros succès du box-office qui brillent rarement par leur finesse : « Babysitting 2 » (pour les plus jeunes) ou « Qu’est-ce que j’ai fait au bon Dieu ? » (pour les moins jeunes). Remarquablement servi par un couple d’acteurs au sommet de leur art, « Encore heureux » louche plutôt du côté de « Neuf mois ferme » ou de « L’Élégance du hérisson ».

Gentiment immorales, les tribulations de ce couple attachant et de leurs deux marmots inventifs forcent la sympathie. On espère que leur débrouillardise paiera et on accepte de fermer les yeux sur les ficelles un peu grosses du scénario.

À noter Bulle Ogier dans le rôle d’une grand-mère originale et complice qui n’est pas sans rappeler le rôle joué par Denise Grey dans « La Boum ».

La bande-annonce

« La Fille du patron », c’est deux films en un. D’un côté, des employés d’une entreprise textile qui forment une équipe de rugby. De l’autre, l’arrivée dans ce groupe soudé d’un corps exogène – la fille du patron chargée de mener une étude d’ergonomie dans l’entreprise de son père – qui va révéler les conflits de classe.

Le premier film a des antécédents dans le cinéma social britannique comme « Les Virtuoses » avec le regretté Peter Postlethwaite ou « The Full Monty ». Le second rappelle « Ressources humaines » de Laurent Cantet – qui n’avait pas encore reçu la Palme d’or – où Jalil Lespert, fraîchement émoulu d’une brillante école de commerce, revenait le temps d’un stage dans l’entreprise de son père.

Vous anticipez que je vais reprocher à « La Fille du patron » de contenir un film de trop. Vous avez tort. Car le film d’Olivier Loustau réussit sans effets de manche à filmer ces deux histoires. Dans le rôle principal, le réalisateur joue l’entraîneur de rugby de cette équipe d’entreprise qui réunit le temps d’un match – et de ses trois mi-temps – une belle brochette de seconds rôles. C’est lui aussi, alors que son couple bat de l’aile, qui couchera avec la fille du patron. Christa Théret confirme dans ce rôle le talent qu’on sentait poindre dans « Renoir » ou « Marguerite ».

A force d’hésiter sur la conclusion à lui donner, « La Fille du patron » connaît dans son dernier tiers une petite baisse de rythme. Ce défaut le prive d’une troisième étoile qu’au bout d’une heure j’étais prêt à lui donner.

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