Apollo Creed, l’adversaire de Rocky, devenu son ami, avait un fils naturel qui a hérité de son père ses dons pour la boxe. Il demande à Rocky de l’entraîner.

« The new Creed » est le septième Rocky joué par Sylvester Stallone. Le premier remonte à quarante ans déjà. Il est devenu culte. Nous en connaissons tous la musique et les plans les plus célèbres : l’entraînement de Rocky à base d’oeufs gobés, la montée quatre à quatre de l’escalier monumental de l’hôtel de ville, le combat final de Rocky et son cri d’amour à Adrian…

« Rocky » eut des suites en son temps. Je me souviens d’avoir vu tout gamin « Rocky III » et « Rocky IV » au cinéma et d’avoir vibré et applaudi aux victoires de Rocky.

En 2006, Stallone a tourné « Rocky Balboa ». Ce dernier film, très réussi, n’avait de sens qu’à condition de conclure la saga. « Creed » est l’épisode de trop. Ne pouvant plus décemment remonter sur le ring à 69 ans, Stallone s’y fait remplacer par plus jeune que lui. Le jeune Creed n’est plus avide de reconnaissance sociale comme l’était son coach, mais veut se faire un prénom. À cette différence près, son parcours sera le même que celui de son mentor. L’entraînement, le match et même son résultat à la Pyrrhus au son du thème archi-célèbre de Bill Conti sont copiés sur le Rocky de 1976.

Entre l’original et la copie, je préfère l’original.

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Un président de la République, fraîchement élu, voit sa cote de popularité dégringoler. Il convoque une réunion de crise pour préparer le discours qui redorera son blason.

Ainsi pitché, « Gaz de France » avait de quoi faire saliver. J’imaginais un « House of Cards » à la française,  « Un temps de président » (l’excellent docu de Yves Jeuland sur les coulisses de l’Élysée) fictionnalisé. Je me trompais lourdement.

Car « Gaz de France » n’est pas réaliste.  Et n’a aucune ambition de l’être. Le premier film de Benoît Forgeard est une pochade surréaliste qui louche du côté de Groland et de Buñuel. Cette analyse fait beaucoup d’honneur à un film raté qui au bout de trente minutes a déjà épuisé son sujet : critique de la politique-spectacle, des entourages présidentiels,  de la dictature de l’apparence, du storytelling. Rien ne vient sauver de l’ennui visqueux dans lequel le film s’installe. Pas même la brochette de seconds rôles qui composent le panel censé rebooster la communication présidentielle.

Le film est sorti dans une seule salle à Paris. Je m’en suis étonné après avoir lu les longues critiques que lui ont consacrées avant-hier Le Monde et Télérama. Mais j’en ai compris la raison hier.

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Je m’installe dans la salle. Je regarde autour de moi. Que vois-je ? Des retraités caqueteurs, renifleurs et éternueurs. Je me dis que je me suis trompé, qu’on m’a vendu un ticket pour un film avec Jean Rochefort ou Michel Piccoli. Pas du tout ! C’est bien « Janis » qui va commencer, un documentaire sur l’icône des sixties, bisexuelle et morte d’une overdose à 27 ans seulement en 1970.

Et je réfléchis (si ! si !). Mes voisins de cinéma ont le même âge que Janis Joplin ! Ils sont nés en 1943, avaient vingt-cinq ans en mai 1968, ont peut-être partouzé dans le grand amphi de la Sorbonne en fumant des joints (OMG!) … et se déplacent aujourd’hui avec un déambulateur !

Ce paradoxe, risible et parfaitement logique hélas, éclate derrière la caméra de Amy Berg qui interroge les témoins de la courte vie de la jeune Janis : ses frère et sœur, ses amis, ses amants, les membres de son groupe sont aujourd’hui de cacochymes septuagénaires pour certains rangés des voitures, pour d’autres arborant encore les signes extérieurs de leur jeunesse rebelle (cheveux longs, tatouages …).

Sans beaucoup d’originalité, ils sont sollicités pour raconter le parcours de cette adolescente sans grâce, dotée d’une voix hors norme. Une nouvelle Aretha Franklin. Une Noire dans un corps de Blanche. Mais aussi – c’est un passage incontournable du biodoc – un cœur d’artichaut qui cherchait désespérément dans la musique et dans les paradis artificiels les marques d’une affection dont elle n’était jamais sevrée.

Narrant un destin similaire, « Amy » m’avait autrement ému l’été dernier. « Janis » ne m’a pas touché.  La faute à une réalisation trop conventionnelle ? Ou à une époque, une esthétique, une musique que je trouve hideuses ?

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Il est de bon ton de vouer aux gémonies le huitième film de Quentin Tarantino. Avec la satisfaction de moucher un gamin précoce et turbulent. Avec la joie mauvaise de le rappeler à l’ordre, de le ramener dans le droit chemin pour lui faire payer les voies de traverse dans lesquelles il s’était trop longtemps complu.

Ce premier paragraphe est censé en annoncer un second dans lequel je dirais tout le bien que je pense de ces huit salopards. Sauf que je n’en pense pas beaucoup de bien. Mais ce premier paragraphe étant plutôt bien troussé, je n’ai pas le courage de le rayer d’un trait de plume.

Avant de vous dire tout le mal que je pense de ces huit salopards, arrêtons-nous un instant sur l’oeuvre de Quin-tine. Avez-vous aimé Reservoir Dogs ? Pulp Fiction ? Jacky Brown ? Kill Bill ? Inglorious Basterds ? Django unchained ? Pas moi ! Je reconnais la cohérence de cette oeuvre, sa force, son originalité.  Mais désolé ! Je ne kiffe pas. Pourquoi ? Parce que dans l’oeuvre de Tarantino,  rien ne me touche, rien ne m’émeut. Son hyperviolence stylisée ne m’excite ni ne me révulse. Ses personnages sans psychologie me restent étrangers.  Ses dialogues interminables me font bâiller d’ennui.

Vous allez me dire : pourquoi diable passer tant de temps à nous raconter ce que tu aimes (ou pas !) chez Tarantino ? Contente-toi de nous donner ton opinion sur ces huit salopards ! Nous conseilles-tu d’aller le voir ? Ou pas ?

En un mot comme en cent : « Les huit salopards » est un excellent Tarantino et c’est précisément ce que je lui reproche. Dans sa filmographie sacrément burnée, c’est un film-somme. Une synthèse de son oeuvre. Le huis clos de « Reservoir Dogs » + l’hémoglobine de « Kill Bill » + la guerre de Sécession de « Django Unchained ».

Si vous avez aimé tous ces films, courez voir « Les huit salopards » et prenez votre pied (tiens ! pas de podophilie dans un Tarantino !) dès le générique qui constitue peut-être le plan le plus réussi du film. Si vous n’aimez pas Tarantino, vous vous ennuierez ferme devant ce film trop long.

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Pendant la première demi-heure du film, un doute m’a envahi. M’étais-je trompé de salle ? Avais-je pris ma mauvaise paire de lunettes pour ne pas reconnaître Greta Gerwig ?

Qui d’elle ou de Tracy (Lola Kirke), jeune étudiante fraîchement arrivée à New York et désespérant d’y mener enfin la vie urbaine trépidante dont elle avait rêvé, est la « Mistress America » du titre ?

Le mystère s’est dissipé au tiers du film lorsque Brooke (Greta Gerwig), New-Yorkaise caricaturale, au débit de mitraillette, entre enfin en scène.

Sans qu’il soit fait ici état des sites SM intéressants que la recherche sur Google de Mistress+America m’a conduit  à découvrir, « Mistress America » est un mauvais titre et une très bonne affiche.

Que voit-on sur l’affiche ? Non pas une mais deux actrices.

Le titre nous dit que le film tournera autour d’un personnage. L’affiche le contredit.

Et le film aussi qui ne lâche pas Tracy et qui ne nous montre Brooke qu’à travers son regard, tour à tour fasciné et séduit.

Vous me direz que le procédé n’est pas nouveau, que « Le choix de Sophie » ou « Moby Dick » avaient en vérité pour héros Stingo et Achab. Mais bon. Même si Noah Baumbach est un réalisateur plein de promesses, que j’ai beaucoup aimé « Frances Ha » (avec Greta Gerwig) et « While we’re young » (sans Greta G.), il est encore un peu tôt pour le comparer à Styron ou à Melville.

Vous me concéderez alors ce point, pour rajouter aussitôt qu’il n’y a pas de quoi en chier une pendule.

Et vous aurez raison.

Parce qu’une fois qu’on a compris que « Mistress America » ne parlait pas d’une New-Yorkaise hystérique et superficielle mais d’une jeune étudiante en mal de modèle, on repart sur de bons rails.

Sauf que ces rails sur lesquels on chemine durant le deuxième tiers du film ne mènent pas à grand-chose. Le troisième tiers se termine en effet par un huis clos vaudevillesque, dans une villa futuriste, sur une colline du Connecticut. Nourri à l’énergie de New York, le film de Noah Baumbach s’en prive suicidairement. Victime d’une panne sèche, il s’éteint après quelques hoquets embarrassants.

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